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miércoles, 21 de mayo de 2014

Pelo Malo, alisarse el pelo en Venezuela y Carmina y amén, teaser de la nueva película de Paco León

Es Noticia, Pelo Malo, alisarse el pelo en Venezuela - 14/03/2014 4:00:47

" "Pelo Malo", de la venezolana Mariana Rondón, no podía llegar a nuestro país en un momento más delicado para Venezuela. Un pequeño atrevimiento sociopolítico enmascarado en la tumultuosa relación de una madre y su hijo por muchas y variadas razones. "Pelo Malo" fue la gran sorpresa del 61º Festival de Cine de San Sebastián, conquistando corazones y la Concha de Oro de la mejor película, aunque no entraba en las quinielas por tratarse de un cine aparentemente fácil.
En la película conocemos a Junior, un niño de nueve años con el "pelo malo". Él quiere alisarlo para la foto de la escuela, pero eso le supone un conflicto con su madre, una viuda de 30 años que lucha por salir adelante en una sociedad hostil. Su abuela paterna le propone hacerse cargo del niño definitivamte, ya que no le importa que sea afeminado y sólo quiere que él la cuide durante su vejez. La madre no acepta y comienza la reeducación de Junior, que adora a su madre y quiere que lo acepte tal como es.
Alisarse el pelo en Venezuela

Como ya hemos dicho, la tercera película de Mariana Rondón puede parecer un drama familiar más, pero lo cierto es que "Pelo Malo" va mucho más lejos y trata diferentes conflictos como la homosexualidad, el conservadurismo, la situación de Venezuela, los prejuicios y un largo etcétera. Como excusa, Rondón utiliza la negativa de la madre a que su hijo se alise el pelo para la foto del colegio, pero detrás de esta negativa habrá mucho más.
La madre de Samuel no acepta que su hija tenga ciertos rasgos afeminados, que su suegra promueve preciosa la escena del baile con la canción "Mi limón, mi limonero" y lo reprime y trata de reeducarlo y convertirlo en un "hombre". Una obsesión que le lleva a rechazarle a él y a rebajarse a sí misma, en su frustrada búsqueda de una figura masculina y paterna para su hijo tras la pérdida de su padre. Además, Rondón no duda en mostrarnos la dura situación de la familia: viven en una colmena de apartamentos en un barrio marginal de Caracas y la madre mal trabaja como guardia de seguridad, sometida a diferentes tipos de abusos.
No puede decirse que "Pelo Malo" hable sobre el descubrimiento de orientación sexual de Samuel, ya que sabe muy bien lo que quiere y lo que le hace tambalear es la incompresión a que su madre no le acepte. Una incomprensión que la directora nos muestra con continuas referencias a la mentalidad general de la sociedad Venezuela, sobre los cánones de belleza y los roles tradicionales de hombre y mujer, magistrales las continuas referencias a los concursos de Miss Venezuela.
La Caracas más sórdida

Mariana Rondón consigue crear un ambiente tenso e incómodo, tan sórdido como la forma en la que filma las zonas más marginales y caóticas de esa Caracas tensa geniales los planos de esos edificios colmena, impersonales y los niños observando a los vecinos por la situación del país con un Chávez enfermo. Y es que el conflicto sociopolítico del país siempre está como telón de fondo en "Pelo Malo", ya sea a través de la forma de retratar la ciudad, de la situación laboral de la made o los continuos altercados que aparecen de fondo en varias secuencias.
A pesar de todos sus aciertos,en "Pelo Malo" hay algo que no termina de encandilar, y puede que sea su falta de intensidad narrativa e intimidad y es que, a pesar de la ternura de ciertos momentos y la agresividad de otros, el film no deja que el espectador termine de entrar del todo en el drama familiar del pequeño Samuel. Aún así, "Pelo Malo" funciona y su puesta en escena naturalista con iluminación natural, cámara y ritmo lentos y una fantástica interpretación por parte de Samantha Castillo en la piel de la prejuiciosa madre, bien merece la pena un visionado.
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Es Noticia, Carmina y amén, teaser de la nueva película de Paco León - 12/02/2014 12:47:38

"Tras el éxito del debut de Paco León como director con "Carmina y Revienta", hay muchas expectativas puestas en su secuela, tituada en esta ocasión "Carmina y amén" y por fin podemos ver un adelanto en forma de teaser y conocemos su fecha de estreno: el próximo 30 de abril. Eso sí, la cinta protagonizada por Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía los Santos y Manolo Solo, pasará antes por la inauguración del próximo Festival de Cine de Málaga a finales de marzo, donde competirá en la Sección Oficial.
Rodada íntegramente en Sevilla con la producción de Andy Joke y Telecinco Cinema, "Carmina y amén" volverá a explorar los límites de la comedia y el drama tal y como hizo su predecesora, pero con un lenguaje más ficcionado y sin perder la frescura y la autenticidad de los personajes. La película nos contará cómo Carmina, tras la súbita muerte de su marido, convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar la paga doble que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla. En el teaser, muy new-age y divertido, podemos ver como la crítica hacia la situación actual del país volverá a estar muy presento.
Eso sí, nos choca un poco que en esta ocasión la película esté distribuida por A contracorriente Films, dejando de lado por completo los principios de distribución que siguió con su primera parte. A ver por donde sale…
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Oswald Morris nos ha dejado y Ridley Scott: Los duelistas, romántico nihilismo

Noticia, Oswald Morris nos ha dejado - 22/03/2014 13:21:32

" El pasado día 17 fallecía el director de fotografía Oswald Morris, uno de los más destacados durante las décadas que abarcan desde los años cincuenta a los ochenta. Morris falleció en su casa en la localidad inglesa de Fontmell Magna, tenía 98 años.
En la imagen podemos verle al lado de John Huston, director con el que colaboró varias veces, destacando sus trabajos para "Moulin Rouge" (id, 1952), y sobre todo, el icono de cine de aventuras "El hombre que pudo reinar" ("The Man Who Could be King", 1975). En los sesenta destacan el hazañas bélicas "Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone", J. Lee Thompson, 1961), y sobre todo, el blanco y negro de "Lolita" (id, Stanley Kubrick, 1962) y "El espía que surgió del frío" ("The Spy Who Came in from the Cold", Martin Ritt, 1965).
Es en 1971 cuando trabaja para Norman Jewison en la que probablemente sea la mejor película del director, "El violinista en el tejado" ("Fiddler on the Roof"), por la que Morris recibe su único Oscar. En ella utilizó una curiosa técnica de filmación al poner delante de la lente de la cámara una media de seda, logrando una textura acorde con el sentimiento por la tierra de los personajes. Al años siguiente se luce en "La huella" ("The Sleuth", Joseph L. Mankiewicz, 1972).
Su último trabajo data de 1982 y se trata de la fantasía de Jim Henson "Cristal oscuro" ("The Dark Cristal", Jim Henson, Frank Oz).
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Interesante, Ridley Scott: Los duelistas, romántico nihilismo - 17/01/2014 4:13:29

" De ayudante en la BBC a uno de los cineastas más influyentes en el género de ciencia-ficción. De ese chaval de veintitantos años que tenía un talento inigualable para el diseño de producción a ser considerado por la prensa británica como "el director más grande de la publicidad moderna". De mero empleado de la televisión pública inglesa a propietario de RSA Films, uno de los mayores emporios publicitarios que podemos encontrar hoy en día a escala mundial. Esos son algunos de los datos tempranos que comienzan a arrojar algo de luz sobre este británico llamado Ridley Scott nacido allá por 1937 en South Shields, una pequeña localidad costera del noroeste de Inglaterra.
Tras labrarse una carrera fulgurante en el mundo de la publicidad y conseguir una solidez a prueba de bombas en un campo en el que compitió codo con codo con nombres como los de Alan Parker o Adrian Lynne, el temprano prurito de llegar a dirigir algún día un largometraje para la gran pantalla era algo que, a principios de los setenta, ocupaba buena parte de la actividad mental de un artista que buscaba denodadamente poder aumentar la grata experiencia que, en su momento, había supuesto el rodaje de "Boy and Bicicle" (id, 1967), un cortometraje protagonizado por su hermano Tony que le granjeó no pocos halagos en el momento de su difusión.
Determinado a que su puesta de largo en el cine fuera un western, la oportunidad de comenzar una carrera que ya alcanza los 37 años, le llegaría a Scott mientras leía ávido cualquier guión que caía en sus manos, cualquier novela, libro o relato con el potencial visual suficiente como para poder servir a sus ansias de plasmar en celuloide las muchas ideas estilísticas que le bullían en su inagotable mente creativa. Con sus miras fijadas en un momento dado en obras que estuvieran libres de derechos para que así la adaptación no comportara dineros extra con los que probablemente no iba a poder contar, Scott terminó llegando a la bibliografía de Joseph Conrad y, por ende, a ese pequeño relato titulado "El duelo" o "Los duelistas" en algunas de las varias ediciones que ha conocido en castellano que estaba llamado a convertirse en su ópera prima.
Una primera incursión en el séptimo arte que, tras la intención primigenia de ser rodada para emitirla en televisión de forma directa, terminaría llevando a Scott a las puertas de la Paramount, los estudios que finalmente, 900.000 dólares mediante, financiarían un filme que veían como una empresa pequeña, un filme de segunda fila con el que contentar a un insistente cineasta en ciernes que se expresaba con vehemencia y no se dejaba amilanar fácilmente. Poco podían imaginar los ejecutivos del estudio que aquél insistente británico que comenzaría el rodaje sólo dos meses después de la luz verde terminaría revolucionando el séptimo arte.
El filme es una adaptación precisa del pequeño relato de Conrad, que el escritor basó en los hechos reales que llevaron a dos húsares del ejército Napoleónico a batirse en todo tipo de duelos a lo largo de diecinueve años hasta que uno de ellos consiguió la suficiente ventaja como para por dar zanjada una disputa que nadie recordaba ya cómo había comenzado. Ésta era la simple guía con la que Scott y Gerald Vaughan-Hughes contaban para poner en pie las dos horas de metraje de que consta "Los duelistas" ("The Duellists", 1977), un filme que bebe de fuentes muy claras de hecho, tal vez habría que hablar de fuente en singular y que es temprano aunque perfecto ejemplo de la principal virtud y el más llamativo desinterés que casi siempre ha arrastrado a Scott a lo largo de toda su trayectoria.
Derivado de su carrera como publicista, pero con raíces que se hunden en su más temprana formación y en la extrema filia que el realizador siempre ha sentido por la belleza plástica de la imagen y lo que puede llegar a conseguirse mediante el contrastado uso de la luz un uso que ha comportado capital relevancia en la completa totalidad de su filmografía y con el que Scott ha conseguido esculpir imágenes bellísimas a 24 fotogramas por segundo, creo que es de recibo aseverar que, ya en esta primera muestra de su cine, el preciosismo del que hace gala el tratamiento de la imagen dado por Scott y el director de fotografía Frank Taddy a "Los duelistas" es de una entidad lo suficientemente sólida como para poder ser considerado como una de las más valiosas bazas del filme.
Cuidada ya con el mismo esmero que, dos años más tarde, podrá refrendar con autoridad por los oscuros y asfixiantes pasillos de la Nostromo, la forma en que la luz juega un papel determinante en la concreción de la belleza plástica del filme puede apreciarse a lo largo y ancho de un filme que queda marcado por la voluntad de Scott de acercar este fresco histórico a los postulados que Kubrick había cubierto en "Barry Lyndon" (id, Stanley Kubrick, 1975), en palabras del británico "una de las películas más bellas que nunca había visto".
Forjada a través de estampas que, de similar manera a lo planteado por ese genio que fue el director de "Espartaco" ("Spartacus", 1968), están extraídas de ciertas obras pictóricas de la época en el caso que nos ocupa, podrían verse referencias a Gericault, aunque nada desdeñables son las influencias de Turner y los románticos, las naturalezas vivas y muertas que Scott va dibujando a lo largo de la cinta concretan, en conjunción con la correcta labor que efectúan sus dos intérpretes principales ni Carradine ni Keitel pasan de eso, de la mera corrección y una dirección que es enérgica cuando asi lo requiere la historia espléndidos los duelos y a la que, no obstante, cabría calificar de contemplativa en su inmensa mayoría, los tres pilares básicos sobre los que descansa la firme creencia del que esto suscribe de estar ante uno de los mejores filmes del cineasta.
Pero cuidado, maticemos tal aserción, ya que si hay algo que debería dejar claro desde este primer momento es que, salvo casos muy puntuales como los dos próximos que cubrirá este especial dedicado al cineasta cuando hablamos del cine de Scott podemos, y hasta diría que debemos, hacerlo en términos de separación entre lo que el cineasta oferta en lo visual y aquello que de la cinta llega o no a dimanar en términos de historia. En el discurso de esa búsqueda insaciable de la imagen por la imagen, del bello plano y poesía desaforada de la secuencia ese minuto final de metraje es sublime, es inevitable atisbar el favoritismo del director por el continente en detrimento del contenido, que en muchas ocasiones no pasará de ser una breve nota al pie al servicio de una fascinante puesta en escena, algo sobre lo que volveremos constantemente a lo largo de este especial.
Y en esa ambivalencia, "Los duelistas" navega sin arredros, mostrando sus muchas virtudes plásticas aunque en ciertos momentos, y por mucho bagaje publicitario que arrastrara, Scott no pueda esconder su bisoñez cinematográfica y haciendo descansar en la poca o mucha tolerancia del espectador hacia el lento desmadejado de la breve trama el peso de un visionado que, como decía un poco más arriba, siempre me ha embelesado, más aún teniendo en cuenta lo bien que la cinta ha sabido tolerar el paso de un tiempo que se ha cebado de forma cruenta en otras producciones suyas más recientes y con muchos más medios.
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12 años de esclavitud duplica su taquilla y académicos confiesan que votaron por 12 años de esclavitud en los Oscar sin verla

Es Noticia, El impacto de los Oscar: 12 años de esclavitud duplica su taquilla - 10/03/2014 12:49:15

"12 años de esclavitud, el largometraje de Steve McQueen premiado en los Oscar como mejor película, ha duplicado este fin de semana su taquilla en los cines estadounidenses, registrando el mayor aumento de recaudación en este periodo.
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http://images.lainformacion.com/cms/el-impacto-de-los-oscar-12-anos-de-esclavitud-duplica-su-taquilla/2014_3_10_C7xRaXfJXeW5VdLT5pUun1.jpg?width=500&type=flat&id=YalxoiNGr6ES3OzfJF81Y2&time=1394474005&project=lainformacion
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Que opina usted? Dos académicos confiesan que votaron por 12 años de esclavitud en los Oscar sin verla - 10/03/2014 12:29:00

"Dos miembros de la Academia confesaron a Los Angeles Times que votaron por el largometraje de Steve McQueen por su ""enorme relevancia social"".
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Información: Los otros 15 actores que ganaron el Oscar con su primera película - 03/03/2014 14:08:01

" No es habitual que la primera interpretación en la gran pantalla de alguien cause un gran impacto, pero también es cierto que hace apenas unas horas veíamos cómo Lupita Nyong"o se llevaba para casa el Oscar de mejor actriz de reparto por "12 años de esclavitud" ("12 Years a Slave", Steve McQueen, 2013), su primer trabajo en el mundo del cine.
Sin embargo, la victoria de Nyong"o dista bastante de ser histórica por eso no hice alusión a ello en mi repaso a los mejores momentos de la gala, ya que otros quince actores habían conseguido esa hazaña con anterioridad y me gustaría que dedicaseis ahora unos minutos de vuestro tiempo a descubrir quiénes son, la competencia que tenían ese año y cómo se desarrollaron posteriormente sus carreras. Sin más que añadir, os dejo con los quince que tuvieron la misma fortuna que Lupita.
Gale Sondergaard por "El caballero Adverse"

El primer caso data de la 9ª edición de los Premios de la Academia de Hollywood, que fue cuando Sondegaard derrotó a Beulah Bondi, Alice Brady, Bonita Granville y Maria Ouspenskaya en la categoría de mejor actriz secundaria. Volvió a ser nominada diez años después por su trabajo en "Ana y el rey de Siam" ("Anna and the King of Siam", John Cromwell, 1946), pero la victoria fue para Anne Baxter.
Katina Paxinou por "Por quién doblan las campanas"

Gladys Cooper, Paulette Goddard, Anne Revere y Lucile Watson sucumbieron ante Paxinou, quien también se llevó para casa el Globo de Oro a la mejor actriz secundaria por su trabajo en "Por quién doblan las campanas". Jamás volvería a estar nominada, pero es que su carrera fue bastante efímera, apareciendo en menos de 20 largometrajes.
Harold Russell por "Los mejores años de nuestra vida"

El único ganador de dos Oscar por un mismo papel, ya que este veterano de la II Guerra Mundial ya había recibido una estatuilla honorífica antes de llevarse para casa la de mejor actor secundario, donde también competían Charles Coburn, William Demarest, Claude Rains y Clifton Webb. Jamás volvió a ser nominado.
Mercedes McCambridge por "El político"

En esta ocasión fueron Ethel Barrymore, Celeste Holm, Elsa Lanchester y Ethel Waters las que se quedaron en su butaca viendo cómo McCambridge recogía el Oscar a la mejor actriz de reparto. Siete años después volvió a ser nominada en el mismo apartado por "Gigante" ("Giant", George Stevens, 1956), pero esta vez el premio fue para Dorothy Malone.
Shirley Booth por "Vuelve, pequeña Sheba"

La primera actriz que consiguió el premio a la mejor actriz en su debut en la gran pantalla. Y eso que tenía unas rivales de excepción como Joan Crawford, Bette Davis, Julie Harris y Susan Hayward. Nunca consiguió una segunda nominación, pero es que solamente rodó otras tres películas.
Eva Marie Saint por "La ley del silencio"

La protagonista femenina de la excelente "Con la muerte en los talones" ("North by Northwest", Alfred Hitchcock, 1959) se impuso como mejor actriz secundaria a Nina Foch, Katy Jurado, Jan Sterling y Claire Trevor. Jamás volvió a ser nominada.
Jo Van Fleet por "Al este del Edén"

La categoría sigue siendo la de actriz secundaria y en esta ocasión las derrotadas fueron Betsy Blair, Peggy Lee, Marisa Pavan y Natalie Wood. Fue la única vez que compitió por el Oscar, pero pudimos verla en cintas muy populares como "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke", Stuart Rosenberg, 1967) o "El quimérico inquilino" ("Le locataire", Roman Polanski, 1976).
Julie Andrews por "Mary Poppins"

Andrews volvió a aspirar al Oscar por su participación en "Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of Music", Robert Wise, 1965) y "¿Víctor o Victoria?" ("Victor Victoria", Blake Edwards, 1982), pero su único triunfo fue como mejor actriz protagonista gracias a "Mary Poppins". Sus rivales fueron Anne Bancroft, Sophia Loren, Debbie Reynolds y Kim Stanley.
Barbra Streisand por "Funny Girl"

La única que repitió victoria, aunque el segundo fuese el premio a la mejor canción original, habiendo estado también nominada por su rol como productora. Una mujer polifacética que derrotó en su momento en la lucha por el Oscar a la mejor actriz protagonista a Patricia Neal, Vanessa Redgrave y Joanne Woodward. Eso sí, fue un galardón compartido, ya que se produjo un histórico empate con Katharine Hepburn.
Tatum O"Neal por "Luna de papel"

Tatum O"Neal se llevó el premio a mejor actriz de reparto por trabajar junto a su padre Ryan, algo que seguramente ayudó lo suyo a su buen trabajo. Las perdedoras de la noche fueron Linda Blair, Candy Clark, Madeline Kahn y Sylvia Sidney. No volvió a conseguir competir por la preciada estatuilla y su carrera dista mucho de ser especialmente memorable.
Timothy Hutton por "Gente corriente"

La película de Robert Redford fue la gran triunfadora de la noche y el galardón al mejor actor secundario para Hutton me parece el más merecido de sus cuatro Oscar. Eso sí, no tardó en demostrar que fue flor de un día por mucho que se haya dejado ver en cintas reputadas como "Beautiful Girls" (Ted Demme, 1996) o "Kinsey" (Bill Condon, 2004)
Haing S. Ngor por "Los gritos del silencio"

Tercero y por el momento último intérprete que se llevó para casa el Oscar al mejor actor secundario en su primer papel en la gran pantalla. Para lograrlo tuvo que derrotar a Adolph Caesar, John Malkovich, Pat Morita y Ralph Richardson. Ngor apenas rodaría un puñado de películas como "El triángulo del acero" ("The Iron Triangle", Eric Weston, 1989) y "El cielo y la tierra" ("Heaven & Earth", Oliver Stone, 1993) antes de fallecer prematuramente en 1996.
Marlee Matlin por "Hijos de un Dios menor"

El premio a la mejor actriz protagonista fue el único Oscar que se llevó la película y también de toda la carrera de Matlin, quien no ha vuelto a ser nominada desde entonces. Y menudas rivales tenía, que las otras nominadas eran Jane Fonda, Sissy Spacek, Kathleen Turner y Sigourney Weaver.
Anna Paquin por "El piano"

Holly Hunter, Rosie Perez, Winona Ryder y Emma Thompson tuvieron que quedarse aplaudiendo a la recién llegada cuando subió al escenario a recoger su Oscar. Aún está a tiempo de volver de volver a ganarlo, pero su carrera, con la saga "X-Men" como su trabajo más popular, no hace pensar en que eso vaya a suceder.
Jennifer Hudson por "Dreamgirls"

Hudson no tardó en demostrar que no tenía especial interés en hacer carrera en el mundo de la actuación, pero en su casa tiene una preciosa estatuilla dorada a la mejor actriz secundaria que pudo haber sido para Adriana Barraza, Cate Blanchett, Abigail Breslin o Kinko Rikuchi.
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La noticia Los otros 15 actores que ganaron el Oscar con su primera película fue publicada originalmente en Blogdecine por Mikel Zorrilla.

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martes, 20 de mayo de 2014

no importan, o como no imitar bien la rom-com americana y Pierce Brosnan enseñará a hacer el amor como un inglés (y perseguirá a Milla Jovovich)

Información: 20 años no importan, o como no imitar bien la rom-com americana - 16/02/2014 4:55:34

" Sí, el cine francés tiene un modelo de financiación y distribución envidiable y además, ya nos gustaría que el gobierno, los medios de comunicación y el público lo apreciaran y apoyaran tanto en España. Pero señores, en Francia también se hacen malas películas y más de las que pensáis, y que muy pocas veces llegan a nuestro país. Casualmente, hace unos días, una de estas películas llegó a nuestra cartelera como un suspiro y apuesto que ni el 70% de vosotros se ha percatado de ella.
Se trata de "20 años no importan" ("20 ans d"écart", 2013) de David Moreau, una comedia romántica que pretende copiar el estilo rom-com más cutre de Hollywood con todos sus estereotipos forzados al cuadrado. En la cinta conocemos a Alice Lantins (Virginie Efira), una mujer de 38 años. Es bella, ambiciosa y hace muestra de un impecable compromiso profesional hasta el punto de olvidarse de su vida privada. En definitiva, ella tiene todo para llegar a ser la próxima redactora en jefe de la revista "Rebelle". Pero cuando el joven y encantador Balthazar (Pierre Niney), de apenas 20 años, se cruza en el camino de Alice, la opinión de sus compañeros de trabajo, va a cambiar irremediablemente.
La madura y el jovencito

Mujer madura en plena crisis laboral y sentimental se deja conquistar por un jovencito para sorprender y demostrar que todavía es una mujer apetecible a sus compañeros de trabajo. Obviamente spoiler, pero no es muy díficil averiguarlo, acabará enamorándose de él, rompiendo barreras y prejuicios. Aburrido. Muy aburrido y predecible. Así es "20 años no importan", la primera incursión en la comedia del realizador francés tras las inéditas en nuestro país "Ellos" ("Ils", 2006) o "The Eye" (2008). Y es que al parecer Moreau ha visto muchas comedias románticas, tantas que ha decidido seguir su estructura paso a paso obteniendo como resultado una cinta más para el montón, sin personalidad ni nada que la haga remarcable, ni siquiera su reparto.
No hay nada peor que intentar imitar un género cinematográfico e imitar su peor versión. Esto es precisamente de lo que peca "20 años no importan", que imita lo peor de la comedia romántica made in Hollywood, incluyendo sus tópicos exagerados o su falta de originalidad. Porque una cosa es tener referencias buenas o malas y otra es copiarlas y mal. El guión es forzado, cuadrado y poco sútil con unos puntos de giro predecibles y hasta desesperantes, con una fotografía tan líneal y plana como la de las peores series de televisión.
Pierre Niney

Y para que una historia fluya y resulte interesante, los personajes tienen que ir en concordancia con la trama y evolucionar que ella. Sí, aquí los personajes también evolucionan aunque la trama sea tan previsible, pero lo hacen de una forma tan plana y estereotipada y llevada al extremo que a veces resultan demasiado caricaturescos todos los personajes secundarios y hasta la protagonista en alguna ocasión, restándole credibilidad y alejándose del tono que pretende. Ni siquiera el reparto sobresale sería un incentivo, claro y sólo cabe destacar la presencia de Pierre Niney, una de las nuevas revelaciones del cine francés, que demuestra su encanto con ese aire tan francés y de Nouvelle Vague. Desaprovechadísimo, claro.
"20 años no es nada" termina convirtiéndose en la película ideal para ponerse un fin de semana de tarde y terminar dando más de una cabezada. Llena de tópicos, sin sorpresas y previsible, la cinta de Moreau pretende ser como cualquier comedia romántica protagonizada por Katherine Heigl, pero sin el pequeño encanto de la rubia actriz americana. Eso sí, si van a verla, fíjense en Pierre Niney, que va a dar mucho que hablar.
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Interesante, Pierce Brosnan enseñará a hacer el amor como un inglés (y perseguirá a Milla Jovovich) - 08/10/2013 2:14:18

" A sus 60 años, Pierce Brosnan sigue recibiendo ofertas para encarnar a seductores. El que fuera James Bond en cuatro películas cada una peor que la anterior encabezará el reparto de la nueva comedia romántica de Tom Vaughan. Se títula "How to Make Love Like an Englishman" ("Cómo hacer el amor igual que un inglés") y se centra en un profesor de universidad que inicia una relación con una mujer que considera perfecta, y entonces descubre que dejó embarazada a una de sus estudiantes… Salma Hayek y Jessica Alba compartirán cama con el veterano sex symbol inglés.
Por otro lado, el actor también ha firmado para intervenir en "Survivor", un thriller del que os informamos unos meses atrás. En un principio se dijo que los protagonistas serían Katherine Heigl y Clive Owen pero por alguna razón han sido sustituidos por Milla Jovovich y Brosnan. La trama gira en torno a una empleada de la embajada estadounidense en Londres que se ve envuelta en un plan terrorista; acusada de asesinato y perseguida por todos, tratará de evitar un atentado en la noche de fin de año… Emma Thompson y Angela Bassett se han quedado con papeles secundarios y James McTeigue se encargará de la puesta en escena de esta cosa aparentemente tan absurda.
Vía | TheHollywoodNews y ComingSoon
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La noticia Pierce Brosnan enseñará a hacer el amor como un inglés (y perseguirá a Milla Jovovich) fue publicada originalmente en Blogdecine por Juan Luis Caviaro.

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Consulte Información en Farandula Tom McCarthy llevará el cómic a la gran pantalla y Twilight Breaking Dawn 2 domina los Razzie Awards 2013
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Irán Castillo da lecciones de estilo en el Lunario y Oscar 2014 | Los mejores momentos de la 86ª edición

Noticia, Irán Castillo da lecciones de estilo en el Lunario - 03/04/2014 17:00:00

"Presumiendo una figura muy esbelta, la actriz Irán Castillo acaparó miradas durante su paso por la alfombra roja de un evento de moda realizado en el Lunario, donde la protagonistas...
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Información: Oscar 2014 | Los mejores momentos de la 86ª edición - 03/03/2014 5:11:41

" Poco a poco hay que ir volviendo a la normalidad tras descubrir la identidad de los ganadores del Oscar hace apenas unas horas. A los que hayan preferido practicar la sana costumbre de dormir las 8 horas de rigor y que busquen una crónica de lo sucedido, les recomiendo echar un vistazo a la de mi compañero Pablo, pero este es el artículo para aquellos que quieran hacer un pequeño recorrido sobre los mejores momentos de los Oscar 2014.
Dejando de lado lo enormemente previsible que fue la selección de los premiados apenas tuve un fallo en mi quiniela, algo impensable normalmente, la gala nos dejó varios momentos para el recuerdo durando sus poco más de tres horas y media de duración. Como era de esperar, Ellen DeGeneres fue la protagonista de muchos de ellos, pero será mejor que empecemos por el principio.

Tras una alfombra roja donde lo más destacable fue la nueva caída de Jennifer Lawrence ¿realmente es así de patosa o hay algo de fingido para ganarse el cariño del público? y alguna foto saboteada como la que tenéis más arriba o esta otra con Jared Leto como invitado sorpresa, llegó el momento del discurso de apertura de DeGeneres, quien prefirió apostar por una mordacidad bastante más comedida que la utilizada el año pasado por Seth MacFarlane.
La mejor frase fue sin duda la mención a que la opción número 1 era que ganase "12 años de esclavitud" ("12 Years a Slave", Steve McQueen, 2013) y la segunda que todos fuésemos racistas. No me extrañaría que esa fuera, conscientemente o no, el motivo que llevó a algunos miembros de la Academia a votarla en la categoría de mejor película cuando lo lógico hubiese sido que este fuera el gran año de "Gravity" (Alfonso Cuarón, 2013)…
Llegó la hora de los premios y Anne Hathaway únicamente consiguió desviar nuestra atención de lo que decía con ese vestido que parecía querer rendir homenaje a una discoteca. No tardó en empezar a quedar claro que iba a ser una noche marcada por unos ganadores con los que todos contábamos, así que por ese lado no hubo ninguna sorpresa especialmente digna de mención.
Fue la propia Ellen quien luchó contra viento y marea para levantar el interés, ya fuese metiéndose un poco con Bradley Cooper ante la evidencia de que no iba a ganar el Oscar, paseándose constantemente por la platea para interactuar con muchos de los allí presentes o limitándose a pedir una pizza para calmar el hambre de muchos. Sí, habéis leído bien, que hasta vimos a un pizzero repartiendo una comida que ojalá me hubiese llegado a mí, y es que ya había recogido antes dinero para ello y era un gag que no podía quedarse en solamente eso.
Sin embargo, el gran momento de la noche fue la fotografía que se sacó junto a varias estrellas de Hollywood. ¿El motivo? Pues que aparte de molar creo que no me equivoco si digo que Kevin Spacey es la gran estrella de la foto pese a estar en segundo plano se convirtió en la imagen más retuiteada de la historia, y con razón.

También hubo otro selfie menos viral, pero que también merece la pena con Joseph Gordon-Levitt y Emma Watson como grandes protagonistas.

Fueron muchos los presentadores de uno o varios premios que pasaron completamente desapercibidos, pero todos sabíamos que eso es algo que no iba a suceder en el caso del gran Bill Murray, quien hasta tuvo tiempo para acordarse de su amigo Harold Ramis.
Eso sí, tengo que confesar que mi favorito fue ver a Jamie Foxx haciendo un poco el tonto y distrayendo al mismo tiempo a Jessica Biel. ¿Quién nos iba a decir que los Oscar iban a acertar de lleno reuniéndolos de nuevo tras la lamentable "La amenaza invisible" ("Stealth", Rob Cohen, 2005)?
La gala empezaba a hacerse un tanto pesado y yo casi encontraba más entretenimiento con algunos anuncios durante los cortes publicitarios como el de Snickers protagonizado por Godzilla, pero eso era algo que Ellen DeGeneres no estaba dispuesta a dejar que pasara, por lo que no dudó en rendir su particular homenaje de "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz", Victor Fleming, 1939).

Y no fue el único momento de la gala en el que se acordaron de la película de Victor Fleming…
Una de las anécdotas de la noche fue la pésima pronunciación del nombre de Idina Menzel por parte de John Travolta con motivo de la introducción de la interpretación en vivo de "Let it Go" hasta surgió una cuenta parodia de ese momento en twitter, a la postre la ganadora del Oscar en la categoría de mejor canción original. No os perdáis la maravillosa actuación de Menzel, una grande de la música.
De entre las nominadas también conviene resaltar a Pharrell Williams y su "Happy". Los asistentes se lo pasaron de miedo y hubo quien no dudó en hacerlo patente.
Y si hablamos de música, tampoco podemos dejar de mencionar a Bettle Midler cantando "Wind Beneath my Wings" tras haberse rendido homenaje a los que nos dejaron durante los últimos 12 meses en un "In Memoriam" bastante mejor resuelto que en otras ocasiones era una pena ver cómo un momento como ese se llegó a convertir en un concurso de popularidad.
Alfonso Cuarón se convirtió en el primer director hispanoamericano e hispanoparlante en ganar el Oscar al mejor director. Era el único premio que habría conseguido enfadarme de habérselo dado a otra persona, pero los Oscar 2014 fueron terriblemente previsibles y eso también tuvo su lado bueno aquí. Y además fue bastante curioso ver cómo recibía el galardón de las manos de Angelina Jolie, la actriz inicialmente prevista para protagonizar la monumental "Gravity".
La noche llegó a su final con el esperado reconocimiento para "12 años de esclavitud" en el apartado de mejor película. No por previsible deja de ser menos injusta la derrota de "Gravity" ya sabéis que es mi película favorita de 2013, pero los Oscar 2014 intentaron dejar contentos a todo el mundo y además no dieron ni un solo premio a "La gran estafa americana" ("American Hustle", David O. Russell, 2013), así que no me voy a quejar mucho…
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La noticia Oscar 2014 | Los mejores momentos de la 86ª edición fue publicada originalmente en Blogdecine por Mikel Zorrilla.

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Philomena, sensiblería facilona y Oscar 2014 | La cuenta atrás | Mejor actriz protagonista

Noticia, Philomena, sensiblería facilona - 03/03/2014 10:12:15

" Es algo que llevamos observando tantos años como hace y no son muchos, pero lo terminarán siendo si nadie le pone remedio que la Academia de Hollywood decidió alterar la configuración de sus premios a la Mejor Película para, en lugar de las cinco candidaturas que podemos observar en cualquiera de las otras categorías, dar cabida a nueve títulos con los que, aparentemente, cubrir más terreno en la vasta oferta cinematográfica que podemos encontrar en las carteleras semana a semana a lo largo de todo el año.
Lo que esto lleva provocando desde que la "norma" entró en vigor es la inclusión anual forzosa de películas que quedan muy lejos de rayar la supuesta excelencia a la que deberían acceder los títulos y personas galardonados, siempre y cuando uno no considere como si lo lleva haciendo desde hace años el que esto suscribe que los Oscar no son más que otros premios otorgados por un puñado de profesionales que, en la gran mayoría de los casos, obedecen a disquisiciones que nada tienen que ver con la calidad de la producción y sí con politiqueos, favores y quién sabe qué trejemanejes Weinstenianos.
"Philomena", una peliculita del montón

Y es que parece casi obligado que dentro de esa cuota de nueve títulos con el potencial para ser nombradas "película del año", la presencia de los hermanos Weinstein es irrenunciable, da igual que lo que los fundadores de Miramax y polémicos productores traigan bajo el brazo sea lo último de Quentin Tarantino o que áquel filme sobre el que han hincado sus dientes para su distribución internacional sea lo último de un reputado cineasta británico que, en manos de otro nombre, habría carecido de repercusión alguna.
Tanto es así que, si sólo atendierámos al guión firmado por Steve Coogan que además de protagonizar también produce la cinta no seríamos capaces de encontrar en él nada que lo separe de esas historias de "interés humano" que sirven de premisa de partida para este relato basado en hechos reales. Lo curioso del caso es que, en un momento dado de la acción, y en boca suya, podemos escuchar algo así como que "las historias de interés humano son el producto de gente ignorante destinado a gente ignorante". Si eso pretendía ser una ironía o un declaración de principios es algo que hasta a él se le escapa.
Lo que no es capaz de eludir una mirada de disposición crítica es que las aspiraciones últimas de "Philomena" pasan sí o sí por provocar en el espectador la lágrima fácil por mor de la utilización nada sutil de recursos típicos del drama que han sido usados hasta la saciedad ya en producciones para la gran pantalla, ya en aquellas destinadas a la caja tonta: ver aquí esos montajes que, en momentos clave, acuden a mostrar planos de ese hijo que la protagonista perdió de manos de las monjas de un convento, es caer muy bajo para un cineasta que ha tocado techo en no pocas ocasiones.

Y eso es quizás lo que más doloroso resulta de esta peliculita, comprobar como el responsable de cintas del estimulante calado de "Las amistades peligrosas" ("Dangerous Liaisons", 1988) y "Los timadores" ("The Grifters", 1990) o de la maestría de "Alta fidelidad" ("High Fidelity", 2000) se deja llevar por una acusada ramplonería de formas e invisibiliza su presencia hasta que resulta indetectable hace aún más evidente que la inclusión de "Philomena" en las candidaturas a los Oscar responderá a muchas cosas, pero ninguna de ellas tiene que ver con su elevada calidad.
Una calidad que, inexistente en guión y dirección, sólo cabe encontrar en las interpretaciones de Coogan y una espléndida como si alguna vez no lo estuviera Judi Dench y en la partitura de un Alexandre Desplat que, en la tónica sensible y emotiva que muchas veces le hemos escuchado al músico parisino, también lograba alzarse con la nominación a la dorada estatuilla. Una nominación que completa las cuatro que acaparaba la cinta y perdía en favor, en este caso, del espléndido trabajo de Steven Price para "Gravity" (id, Alfonso Cuarón, 2013); ésta sí, y con autoridad, la mejor película del año…por más que cierto calvo con espada no haya pensado lo mismo.
Otra crítica en Blogdecine
"Philomena", simpleza
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La noticia Philomena, sensiblería facilona fue publicada originalmente en Blogdecine por Sergio Benítez.

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Información: Oscar 2014 | La cuenta atrás | Mejor actriz protagonista - 01/03/2014 7:05:49

" Se acercan los Oscars… Mañana por la noche, durante la madrugada en España, se celebra la 86ª edición de la entrega de los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos de América. Un auténtico espectáculo de Hollywood, con las estrellas más destacadas y los mayores talentos del curso cinematográfico 2013, y una cita ineludible para millones de cinéfilos.
Tras hacer un repaso a los intérpretes nominados en las categorías de mejor actriz de reparto, actor de reparto y actor protagonista, vamos a echar un vistazo a las protagonistas femeninas. Como decía ayer, hay años donde se cuelan trabajos poco meritorios entre los finalistas al Oscar pero no es el caso de esta edición. Tanto en protagonistas masculinos como femeninos se echan en faltan nombres Emma Thompson, Ad
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