Información: Meryl Streep será la activista Emmeline Pankhurst - 20/02/2014 10:11:53
"La imparable Meryl Streep tiene nuevo proyecto. La actriz estadounidense, que parece que se esté especializando en encarnar a personajes históricos recientemente fue Julia Child y Margaret Thatcher, se pondrá en la piel de la activista política Emmeline Pankhurst, una de las fundadoras del movimiento sufragista femenino, en un drama titulado "Suffragette". Se tratará de un pequeño papel en el que aparecerá dando un discurso en una manifestación.El rodaje comenzará pronto, el 24 de febrero en Reino Unido, y la protagonista será Carey Mulligan ("Drive", Nicolas Winding Refn, 2011), a la que acompañarán también Helena Bonham Carter (vista hace poco en "Los miserables", Tom Hooper, 2012) y Brendan Gleeson ("El Irlandés", John Michael McDonagh, 2011).
Sarah Gavron dirige a partir del guión de Abi Morgan ("Shame", Steve McQueen, 2011). La trama cuenta la historia de una joven feminista en los primeros días del movimiento sufragista en Reino Unido, quien decide que el pacifismo no llevará a la mujer a conseguir sus objetivos y opta por utilizar la violencia para abrirse paso en un sistema machista.
Streep obtuvo su 18ª nominación a los Oscars este año por "Agosto" ("August: Osage County", John Wells, 2013) y tiene pendiente de estreno otros trabajos para este año, entre los que se encuentran "The Homesman" (Tommy Lee Jones, 2014), "Into the Woods" (Rob Marshall, 2014) y "The Giver" (Phillip Noyce, 2014). A sus 64 años, sigue en plena forma.
Vía | Variety
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Noticia, 12 años de esclavitud, prisioneros - 24/01/2014 5:37:37
" "12 años de esclavitud" ("12 Years a Slave", Steve McQueen, 2013) está nominada a nueve Oscars y son muchos los que creen, y desean, que sea la triunfadora de la noche. Sin haber arrasado en ningún certamen previo de premios la cosa aún no está nada clara, pues dos fuertes competidoras se lo pondrán muy difícil: "Gravity" (id, Alfonso Cuarón, 2013) y "La gran estafa americana" ("American Hustle, David O. Russell, 2013). Tres películas muy diferentes entre sí que han encandilado a crítica y público de formas muy distintas. El tercer trabajo del británico Steve McQueen sigue la línea iniciada por el director en su primer largometraje, la impactante "Hunger" (id, 2008), una obra muy física en la que se cebaba en las consecuencias y derivaciones de castigar un cuerpo humano.Tras la polémica "Shame" (id, 2011), en la que le castigo era disfrazado de placer, McQueen sorprende temáticamente en su tercera película. El vergonzoso pasado, o mejor dicho una parte del mismo, de los Estados Unidos, salvajemente retratado por un británico, que a diferencia de muchos cineastas yanquis los pocos que se han atrevido sobre el tema de la esclavitud, ya que hay menos películas sobre el tema de las que se dicen, pone los huevos sobre la mesa para hablarnos de tú a tú con una capacidad de sugestión rara vez vista en un producto que se supone mainstream y de cuya etiqueta se aparta considerablemente. El milagro, conmover marcando cierta distancia emocional, y conservar el punto de vista de su protagonista, un impresionante Chiwetel Ejiofor.
(From here to the end, Spoilers) Por primera vez McQueen no se hace cargo del guión de su película, labor que pertenece a John Ridley guionista con un currículum de lo más curioso, desde "Giro al infierno" ("U-Turn", Oliver Stone, 1997) hasta "Red Tails" (id, Anthony Hemingway, 2011), pero no importa, el film es puro McQueen y no por el tema ni porque él sea negro y sea más adecuado para dirigir la historia, sino porque se reconoce en cada plano, en cada secuencia, su estilo, minimalista, conciso, condenadamente certero en su puesta en escena, cortando planos, realizando inteligentes encadenados y desenfocados, y también dolorosos planos secuencia. Una película que puede tener algo de clasicismo tan del gusto de los académicos, y de un servidor, pero también arrojo y valentía.
¿La historia? La de Solomon Northup (Ejiofor), autor del libro en el que se basa el guión de Ridley, un hombre libre, músico especializado en el violín que un día es engañado y vendido como esclavo, estatus en el que permanece durante doce largos años hasta que es liberado. El film recoge los diferentes sitios por los que pasa hasta que termina siendo propiedad de un par de amos, uno tras otro, y de muy diferente moralidad cada uno de ellos. Todo el mundo se quedará con la brillante composición de Michael Fassbender como sádico esclavista, y no es para menos, su rol aterra a distancia y posee momentos muy perturbadores ese instante lleno de una calma amenazante cuando Epps (Fassbender) coge una noche a Solomon y le acusa de escribir una carta amén de una interpretación muy bien controlada por el que es uno de los mejores actores de la historia, así, como suena.
Sin embargo, en un personaje secundario, el Sherlock Holmes más querido de la actualidad, Benedict Cumberbatch, da vida a Ford, un personaje que podríamos ser muchos de nosotros, que lejos de formar parte del grupo de desalmados que poseen a otros seres humanos para su goce y disfrute personal esclavizándolos hasta límites insospechados, peor es quizá consentirlo mirando hacia otro lado, rindiéndose ante las normas de un sistema equivocado. De esa forma y partiendo la narración del momento previo al secuestro de Solomon, McQueen nos habla de la esclavitud sin ningún tipo de lección moral, pues además de lograr sonrojarnos con dicho personaje, uno de los más blandos del relato, nos mete en el centro de la infamia que dice mi compañero Pablo, haciéndonos sentir la esclavitud. Acompañamos a Solomon en cada uno de sus años no sentidos en la narración, pues como él estamos perdidos y desconocemos el paso real del tiempo. Sólo su cambiante rostro va dando una muestra, física, de ello.
Con un trabajo actoral de primera más los comentados conviene citar a Paul Dano, a una sorprendente Sarah Paulson, a la debutante Lupita Nyong"o, y a un entregado Brad Pitt, también productor del evento, un sensacional trabajo de fotografía de Sean Bobbitt, extrañamente no nominado, y un invisible Hans Zimmer están más presentes los temas tradicionales que el score, huyendo de la manipulación musical a la hora de emocionar al espectador, por ejemplo el muy difícil final McQueen entra por la puerta grande en el cine yanqui es una coproducción rescatando una parte de un pasado lejano atreviéndose a hacerlo actual, pues ¿no es acaso de una enorme valentía el hablar de las diferencias extremas de las clases sociales entre blancos y negros en un film sobre la esclavitud en una época crítica en nuestra sociedad en la que los ricos son cada vez más ricos y los pobres casi unos esclavos?
Otra crítica en Blogdecine:
"12 años de esclavitud", o la libertad de los hombres
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Interesante, Robert Zemeckis: Locos por ellos, histeria "beatlemaníaca" - 05/08/2013 0:16:46
" I wanna hold your hand gustó mucho en los pases previos, y no tuvo respuestas negativas. Las críticas fueron favorables, y pensamos que teníamos un éxito. Habíamos oído a los espectadores en Nueva York estallando en aplausos , cinco, seis veces durante la película. Entonces, de repente, se murió…Simplemente no había espectadores. Es lo peor que puede ocurrirte, estirar la pata…Robert Zemeckis
Así reflexionaba años después Robert Zemeckis sobre el chasco que supuso su primer filme, "Locos por ellos" ("I Wanna Hold Your Hand", 1978), una comedia de adolescentes en torno a la mítica aparición de los Beatles en el Show de Ed Sullivan en la Nueva York de 1964 que el cineasta y su inseparable amigo Bob Gale habían escrito a mediados de los setenta una vez hubieron terminado sus estudios en la USC University of South California y se disponían a buscar suerte en el mundo del séptimo arte. Un mundo que hasta entonces se había mostrado receloso de aquellos dos chavales que sólo contaban bajo su brazo con el crédito de haber escrito un episodio de "Kolchack: the Night Stalker" (id, 1974-1975) y cuya oportunidad vendría de mano de cierto Rey Midas de Hollywood.
Durante sus años de universidad, Zemeckis y Gale que compartían, entre muchas otras filias, el gusto por el mismo tipo de cine, el representado por Clint Eastwood o Steve McQueen habían escrito un guión titulado "The Night the Japs Attacked", que narraba una historia extraída de la ola de pánico que invadió a California los días posteriores al ataque de la armada nipona sobre Pearl Harbor. Y si esta pequeña sinopsis os suena es porque, tras presentárselo a John Millius, antiguo alumno de la misma facultad, éste se mostró encantado y pensó que el cineasta idóneo para hacerse cargo del mismo era Steven Spielberg.
Toda vez hubo leído el guión y quedó prendado de él aunque mucho se rebajaría del humor negro y gamberro que inicialmente quedaba reflejado en las páginas del tratamiento de Zemeckis y Gale, Spielberg accedió a que "1941" (id, 1979), como terminaría llamándose la cinta, sería su siguiente filme tras "Encuentros en la tercera fase" ("Close Encounters of the Third Kind", 1977). Con el respaldo que el nombre del realizador de "Tiburón" ("Jaws", 1975) suponía para sus ansias de debutar en la gran pantalla, Zemeckis y Gale contactaron tras la escritura del guión de "Locos por ellos" con dos productoras que habían conocido durante el período de redacción del libreto de "1941" ya que suponían que por su edad, tanto Tamara Asseyev como Alexandra Rose habían sido beatlemaníacas tan sólo una década y media antes, y podrían mirar con buenos ojos el proyecto.
Y así fue. Viéndose fielmente reflejadas en las protagonistas femeninas de la historia, las productoras apoyaron a Zemeckis y Gale de cara a que la Universal consintiera desembolsar los ridículos 2,7 millones de dólares de presupuesto que iba a suponerle la cinta. Pero a pesar de la exigua cifra, los ejecutivos de la major no terminaban de convencerse de la viabilidad de la producción, y tuvo que ser el propio Spielberg el que, ofreciéndose como productor ejecutivo amén de tener que garantizar que, en caso de que Zemeckis estuviera haciendo un mal trabajo, él se encargaría de dirigir se convirtiera en factor determinante para la aprobación última de la filmación y producción, un proceso para el que Zemeckis iba a contar tan sólo con ocho meses.
La historia de "Locos por ellos" sigue, como ya he apuntado más arriba, a tres jóvenes cuya única pasión en la vida son los cuatro de Liverpool. El día antes de su actuación en el citado show de Ed Sullivan, el trío anda como loco en una tienda de música de Nueva Jersey haciéndose con el primer LP que se editó en Estados Unidos del grupo británico. Ya en esta escena, la cinta dibuja con pocos trazos los perfiles de las tres amigas. De una parte tenemos a Rosie una espléndida Wendy Jo Sperber, habitual de las primeras cintas de Zemeckis, enamoradísima de Paul McCartney que está dispuesta a lo que sea, hasta tirarse de un coche en marcha si hace falta, por tener una oportunidad de ver a su ídolo en carne y hueso.
En segundo lugar encontramos a Pam, una aparentemente virginal chica a punto de casarse a espaldas de sus padres que encarna con convicción y gran sentido del humor Nancy Allen, alzándose como lo mejor en el terreno interpretativo que podemos ver a lo largo del metraje. Por último, tenemos a Grace, encarnada por Theresa Saldana, una actriz de poco calado en el cine de los años que siguieron a la cinta ella sería la mujer de Joe Pesci en "Toro Salvaje" ("Raging Bull", Martin Scorsese, 1980) que, también encandilada por el grupo musical, lleva el interés por el mismo hacia el terreno periodístico, queriendo conseguir a toda costa una foto de George, Paul, John y Ringo que le permita dar la campanada en el mundo del cuarto poder.
Alrededor de ellas, la cinta irá presentando a todo un rosario de hiper-hormonados adolescentes que servirán a Zemeckis y Gale para dar un repaso por la chavalería de la época de una manera similar a cómo George Lucas había hecho un lustro antes en "American Graffiti" (id, 1973) tanto es así que la escena de los dos coches en paralelo con Bobby Di Cicco pasando de uno a otro está directamente sacada del filme de Lucas potenciando mucho más la comedia en detrimento de la inexistencia de las acotaciones dramáticas que sí tenía el título del responsable de "La guerra de las galaxias" ("Star Wars", 1977).
Con rostros semi-conocidos entre ese rosario como los de Marc McClure el Jimmy Olsen de "Superman" (id, Richard Donner, 1978), el citado Di Cicco del que hace poco hablé en "El experimento Filadelfia" ("The Philadelphia Experiment", Stewart Rafill, 1984) o el del extravagante http://www.blogdecine.com/criticas/cine-en-el-salon-el-experimento-filadelfia-los-anos-no-pasan-en-balde en la piel del alocado mitómano de los Beatles, "Locos por ellos" es un claro vehículo para el disfrute de los jóvenes, abundando Zemeckis y Gale en la construcción de gags que en no pocas ocasiones recurren al más puro slapstick las persecuciones por el hotel donde se aloja el grupo son el mejor ejemplo de ello y en potenciar al máximo posible el tono de alocada comedia que hace presa de la trama en todo momento.
Al contrario que en otras muchas óperas primas de diversos directores en los que la tosquedad suele ser norma, Zemeckis demuestra con la cinta un más que correcto conocimiento de los mecanismos cinematográficos, sirviendo como prueba de ello la forma en la que se van intercalando las diferentes tramas paralelas que se plantean en el hotel cuando las amigas se separan. Entre ellas la mejor es, sin duda, la que sigue a Pam en su incursión en la habitación de los cantantes, momento fundamental para el desarrollo del personaje y escena que muchos años después homenajeará Manuel Gómez Pereira en "El amor perjudica seriamente la salud" (id, 1997) con Penélope Cruz en lugar de esa Nancy Allen a la que la pasión por los músicos británicos lleva casi al orgasmo.
El problema es que tanto humor pretende acumular la cinta que al final sólo consigue arrancar la risa en momentos puntuales, dejando en el espectador una sensación de empacho algo molesta. Con todo, el debut de Zemeckis debería haber contado con mayor fortuna en una taquilla que ignoró por completo el título, saldándose su paso por los cines con poco menos de dos millones de dólares, un hecho que en otro caso habría sido suficiente para acabar con cualquier otro director pero que, en lo que respecta a Zemeckis sólo sirvió para aumentar su determinación de cara a convertirse en un nombre dentro del séptimo arte.
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Es Noticia, Ciencia-ficción: La masa devoradora, de Irvin S. Yeaworth Jr. - 31/07/2013 1:21:24
" No sé si formará parte de vuestra jerga a la hora de calificar a según que películas, pero en mi grupo de cinéfilos el referirse a una cinta con un "es tan mala que es buena" es bastante usual a la hora de hablar de ciertos filmes cuando queremos hacer sangre con títulos como, por ejemplo, la inefable "Outlander" (id, Howard McCain, 2008). Y si traigo esta afirmación a colación es, obviamente, porque "La masa devoradora" ("The Blob", Irvin S. Yeaworth Jr., 1958) se adhiere con fuerza casi con avaricia, diría yo a ella, suponiendo un inesperado festival de humor cinematográfico no pretendido que, vista a la edad que se vea, ya sea uno niño, adolescente o adulto, es un vehículo seguro para la risa y, en ciertos momentos, la carcajada.Clásico camp y uno de los mejores ejemplos de lo que la ciencia-ficción desvergonzada y sin ningún tipo de aspiraciones metafísicas podía llegar a ofrecer durante los años 50, el guión de "La masa devoradora" sigue los patrones de toda historia de invasiones extraterrestres, con un meteorito cayendo en plena noche que contiene un ente similar a una gelatinosa mermelada de fresa que va asimilando a aquello que le sale al paso en un pequeño y típico apacible pueblo norteamericano. Allí, ante la incredulidad de sus progenitores, unos jóvenes que hasta entonces habían estado más interesados en la carrera nocturna de rigor o sentarse en la fila de los mancos del cine del lugar serán los únicos que inicialmente hagan frente a ese terror sin forma que es ¡la masa!.
Inicialmente titulada "The Glob" hasta que alguien de producción descubrió que era el mismo título que tenía un cómic del mítico Walt Kelly el creador de "Pogo", queridísimo personaje de una legendaria tira cómica americana, cambiándose entonces el título al "The Blob" original, "La masa devoradora" fue dirigida por Irvin S. Yeaworth Jr., un cineasta que sólo contaba con otra producción para la gran pantalla, un oscuro y moralizante filme llamado "The Flaming Teen-Age" salido directamente de la amplísima experiencia que el realizador había adquirido como director de más de 400 títulos educativos, religiosos y motivacionales para la chavalería de la época.
Con esos antecedentes, no debería resultar extraño que, en conjunción con el exiguo guión de Kay Linake y Theodore Simonson, el presente filme sea un rosario de personajes arquetípicos hasta decir basta, algo que no llama demasiado la atención en los acartonados adultos pero que resulta especialmente doloroso en los "jóvenes" que son motor del avance de la trama, poniendo en juego Yeaworth unos pobres recursos narrativos que, salvo casos muy excepcionales, hacen uso y abuso del plano medio y de esos agotadores primeros planos cerrados sobre fondo negro que tanto abundan a lo largo y ancho del metraje.
Con el rostro de Steve McQueen que, por cierto, no hay quien se crea al casi treintañero actor interpretando a un adolescente crecidito como cara más conocida del reparto, las muchas limitaciones interpretativas que el actor arrastraba por aquél entonces en esta su segunda incursión en la gran pantalla quedan expuestas a cada momento que la desaparecida estrella tiene que tratar de convencer a sus vecinos de que algo peligrosísimo está a punto de asolar el pueblo, quedando sus expresiones de alarma y pánico muy lejos de ser creíbles, aunque quizás no tanto como las de Aneta Corsaut, la novia de su personaje.
Decía al principio que la risa, intencionada o no, es una expresión que aparece de forma recurrente a lo largo de la cinta, y lo hace tan temprano como desde los créditos iniciales, puntualizados musicalmente con una canción que podría estar sacada de cualquier comedia familiar de la época o de alguna de las primeras bandas sonoras de John Williams. Atribuída a Burt Bacharach e interpretada por the Five Blobs, un grupo de los estudios Paramount, "Beware the creep" hace muy bien su trabajo y pone en precisa situación al espectador: en lugar de crear una atmósfera inquietante como si lo lograban las sonoridades iniciales de, por ejemplo, la partitura de Bernard Herrmann para "Ultimatum a la Tierra" ("The Day the Earth Stood Still", Robert Wise, 1951), el soniquete animado y playero que es el pegadizo tema expone de forma muy temprana el pie por el que va a cojear la función.
Pero aunque pueda parecerlo por lo comentado hasta el momento y por el hecho de abrigarse bajo el manto de esa "es tan mala que es buena", no todo es olvidable en esta modesta producción presupuestada en 120.000 dólares que acabó suponiendo a las arcas de la productora 110.000 e ingresó alrededor de cuatro millones, y la gran economía de recursos de la que hace gala la producción, así como la inventiva a la hora de hacer mover al bloque de silicona que es "la masa", y esa secuencia final en el "diner" visualizada con técnicas de animación tradicional son pequeños factores que hacen de "La masa devoradora" un filme de esos que, aunque quieras evitarlo, se resiste a desaparecer de la memoria cinéfila.
Tanto es así que, a pesar de sus pocos valores cinematográficos, la cinta conoció una secuela en 1972 de mano de Larry Hagman sí, ese Larry Hagman llamada "Beware! The Blob" y un remake homónimo, firmado por Chuck Russell en 1988 que, cómo no podía ser de otra manera, se cebaba mucho más en los estragos del ente devorador y en lo descerebrado de los jóvenes protagonistas. Y como guinda a la herencia dejada por este simpático filme, una curiosidad de esas que os gustan: en 1991 se estrenaba en el Festival de Chicago "Blobermouth", una intervención en la copia original del filme para la que se alteraron diálogos y argumento y en la que McQueen y el ente al que se le añadió una boca animada son cómicos rivales que luchan por ganarse las risas del público del pueblo. Tan cierto como lo leéis.
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Que opina usted? Thanks for Sharing, tráiler y cartel - 26/06/2013 18:22:00
" El sexo es una parte esencial en la vida de toda persona, ya sea por la imposibilidad de practicarlo o por lo gozoso que éste sea cuando tenemos con quien ejercitar nuestras habilidades en la materia. Sin embargo, el cine más o menos comercial ha preferido pasar de puntillas sobre este tema, aunque es cierto que ha habido un mayor aperturismo en los últimos tiempos gracias a títulos como "Shame" (id, Steve McQueen, 2011). "Thanks for Sharing" (id, Stuart Blumberg, 2012) seguirá explorando eso aunque con una perspectiva más ligera y cómica y ahora ya podemos ver su tráiler y primer cartel."Thanks for Sharing" nos hablará sobre Adam Mark Ruffalo, un ex-adicto al sexo que no sólo ha conseguido reconducir la situación, sino que hasta ejerce como tutor de otra persona aún en proceso de normalizar su situación. Además, Adam iniciará una relación sentimental con Phoebe Gwyneth Paltrow, quien desconoce su pequeño problema, lo cual acabará volviéndose en contra dado el apetito sexual de ella.
Estamos ante el primer largometraje de Stuart Blumberg, pero ya tenía experiencia a la hora de abordar el sexo en la gran pantalla, ya que suyo era el guión de "La vecina de al lado" ("The Girl Next Door", Luke Greenfield, 2004), tarea que también desempeña en "Thanks for Sharing". Más llamativo es su reparto, ya que, además de los ya mencionados Mark Ruffalo y Gwyneth Paltrow, en el mismo también encontramos a Tim Robbins, Josh Gad al que podréis ver a partir de este viernes en "Los becarios" ("The Internship", Shawn Levy, 2013), Patrick Fugit el imberbe protagonista de la notable "Casi famosos" ("Almost famous", Cameron Crowe, 2000) y la cantante Pink.
El estreno de "Thanks for Sharing" en Estados Unidos está fijado para el próximo 20 de septiembre, no sabiéndose aún si tan siquiera llegará a estrenarse en nuestro país.
Vía | The Playlist
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Información: Prometheus, la decepcionante precuela de Alien - 02/08/2012 4:01:59
" Uno de los grandes problemas que rodean a determinadas películas es el hype que se va creando hacia la misma por culpa de la incesante campaña publicitaria que rodea a su estreno. Es algo que lleva mucho tiempo pasando y mi sensación es que irá más, ya que los estudios de Hollywood cada vez son más agobiantes en este apartado, siendo muy complicado permanecer completamente ajeno a todos los carteles, avances, clips y demás parafernalia. He de reconocer que soy el primero en esperar con ansia la llegada del primer tráiler de según qué títulos, pero salvajadas como los seis que lanzaron de "El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace" (The Dark Knight Rises, Christopher Nolan, 2012) son algo que nunca debería ocurrir. En el caso de "Prometheus" (Ridley Scott, 2012) iban por el buen camino tirando del elemento misterioso en su forma de promocionar la película, pero llegó un momento en el que se volvieron locos queriendo disparar las expectativas del público.Sé que a algunos este punto puede parecerle una tontería, pero es algo básico a la hora de entender qué muchos de los que ya han visto "Prometheus" hablen de una decepción, ya que en este caso se ha unido la sobredosis y calidad de lo visto (recuerdo que los tráilers eran bastante buenos) con el hecho de estar ante la precuela de la mítica "Alien, el octavo pasajero" (Alien, Ridley Scott, 1979). El resultado final es positivo, pero no son pocas las pegas que uno puede encontrar en esta película.
La ampliación del universo Alien
Hay muchas cosas que uno podría destacar de "Alien, el octavo pasajero", pero, en mi opinión, la gran clave para convertirse en una cinta tan recordada era la gran atmósfera de tensión, claustrofobia y peligro que Ridley Scott conseguía incluso cuando durante varios minutos podía darse el caso de que no sucediera nada de especial trascendencia. Y es que lo importante no era tanto lo que pasaba, que no dejaba de ser una especie de slasher pero con un peligroso alienígena en lugar de un humano enloquecido, sino en la sensación de angustia que tan bien supo transmitir. De hecho, se me ocurren muy pocos ejemplos (me viene sobre todo a la mente, aunque sean películas muy diferentes, "La Cosa" (The Thing, 1982) de John Carpenter) en el que se consiga crear con tanto acierto una atmósfera así de enrarecida.
Es ahí donde esta evolución dentro del universo Alien presenta uno de sus mayores fallos, ya que sencillamente carece de cualquier tipo de atmósfera. Sí que se mantiene el cuidado casi obsesivo en la creación y diseño de los decorados, el vestuario y otros temas técnicos (posiblemente estemos ante uno de los 3-4 mejores 3D que se han visto dese que volvió a ponerse de moda esta tecnología) para que "Prometheus" luzca de maravilla en el plano visual, pero esto no deja de ser un añadido a lo realmente importante. Y es que carece del clima de terror de "Alien, el octavo pasajero" y también queda lejos de ser tan trepidante como "Aliens: El regreso" (Aliens, James Cameron, 1986). A cambio tenemos una película de indudable elegancia en el plano visual, pero que oscila entre avanzar con demasiada lentitud para lo poco que sirven esos momentos para dar más profundidad a la historia y lo demasiado atropellado en algunas secuencias del tramo final.
El otro punto conflictivo de "Prometheus" es su guión, pero no tanto porque Damon Lindelof y Jon Spaiths hayan creado una mitología problemática (quedan muchas dudas por resolver, pero para eso tendremos la ya confirmada "Prometheus 2"), sino por otros temas: Uno puede encontrar varias pegas en "Lost", pero una de ellas no era que fallasen tanto en la creación de personajes (si acaso que durante un tiempo se excedían dando información que aportaba poca cosa a los mismos), así que me sorprende que un guión con una participación tan relevante por parte de Lindelof sea tan decepcionante en este apartado. La mayor parte de los personajes son meras ideas por lo general mal desarrolladas, llegando a crearse graves contradicciones si éstas permiten la creación de alguna set piece. Me viene a la mente cómo alguien que supuestamente es una eminencia en su campo quede reducido a poco menos que un patán en esa materia por necesidades de la historia. La estupidez de esa decisión resta empaque a la tensa secuencia que desencadena, bastante efectiva de forma aislada (aunque no tanto como una con uno de los personajes principales dentro de una máquina), pero algo insatisfactoria por ese detalle.
Otro detalle algo molesto es que Lindelof y Spaiths incurren en uno de los más graves problemas de los blockbusters contemporáneos: Las sobreexplicaciones. Sí, ya he dicho que quedan no pocos elementos mitológicos sin resolver, pero es que hay otras situaciones en las que parece existir la necesidad de subrayar tanto algunos elementos por si algún espectador no lo había pillado que acaban por resultar un poco cansinos. Puede parecer que estoy destrozando el guión de "Prometheus", pero el caso es que es el freno para que la película pueda llegar a ser lo que en algún momento dejó la sensación de poder alcanzar. Lo cierto es que son fallos importantes, pero a cambio consiguen expandir el universo de Alien con suficiente interés para que uno realmente quiera saber más al respecto, dejando la sensación de que lo bueno llegará en su secuela.
El reparto de "Prometheus"
El reparto seguramente sea uno de los aspectos que más llamaban la atención a priori, pero lo importante es que la película sepa aprovecharlo, y aquí, como es la tónica de todo "Prometheus", se han quedado por debajo de lo esperado. La tónica general es que los personajes estén mal perfilados y que los actores no consigan enmascarar esos fallos. El caso más representativo es el de Charlize Theron en un rol que mezcla ambición, negatividad y autoridad. Estamos ante un caso ideal para jugar con la ambivalencia de sus motivaciones, pero no, aquí es una constante que carece de matices más allá de la aparente sorpresa sobre su auténtica identidad, la cual vi venir a kilómetros de distancia. Por su parte, Theron poco puede hacer para imprimir mayor interés a la capitana de la nave.
Hay dos grandes excepciones a lo anteriormente expuesto: Noomi Rapace y Michael Fassbender, ya que son los únicos personajes que llegan a transmitir algo, siendo bastante curioso que uno de ellos sea un personaje tan poco emocional como el interpretado por el protagonista de "Shame" (Steve McQueen, 2011). Esto es consecuencia directa de ser los únicos que le guión se molesta en describir más allá de lo meramente esquemático, pero también mérito de dos buenos actores que saben aprovechar el material con el que cuentan y transmitir algo al espectador.
Por lo demás, el reparto de "Prometheus" se balancea entre presencias meramente anecdóticas, como la de un creíble Guy Pearce o varios miembros de la nave que son básicamente introducidos para que la matanza pueda ser mayor, y lo desaprovechado. Aquí quiero romper una lanza en favor de Idris Elba, ya que el guión está muy cerca de cargarse la credibilidad del mismo en su tramo final, pero él consigue evitarlo echando mano de carisma y talento interpretativo. Del resto llama la atención el asombroso parecido físico entre (un meramente correcto) Logan Marshall-Green y Tom Hardy y nada más.
En definitiva, "Prometheus" es una película disfrutable pero que sabe a poco, ya que hay ciertos detalles que se cuidan hasta el último detalle (decorados, vestuario, etc.), pero el guión tiene unas cuantas lagunas (personajes algo desdibujados y ciertas soluciones argumentales poco verosímiles) y Ridley Scott es incapaz de crear una atmósfera que convierta a la película en algo más sugerente, ya que parece confiar en que un eficiente 3D sea suficiente. Sin embargo, amplia con acierto el universo Alien, deja con ganas de conocer más sobre el mismo (algo que ya está confirmado) y es un entretenido espectáculo visual de primer nivel. Algunos esperarían algo mucho mejor por culpa del peligroso hype, pero "Prometheus" está lejos de ser mala, pero también de ser la maravilla que muchos esperaban.
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