Que opina? Berlinale 2013 | Soderbergh convence con su último thriller y lo nuevo de Tanovic apunta al palmarés - 13/02/2013 15:18:00
" Seguimos con el repaso a las películas más destacadas del 63ª festival de Berlín, inaugurado la semana pasada. El lunes comentamos las reacciones que han despertado títulos tan esperados como "The Grandmaster" (Wong Kar-wai, 2013) o "Before Midnight" (Richard Linklater, 2013) y hoy es el turno de los nuevos trabajos de Steven Soderbergh, Danis Tanovic y Bille August, entre otros."Efectos secundarios" ("Side Effects")
El decano de Greendale Soderbergh ha vuelto a la Berlinale para presentar su nuevo trabajo, un thriller protagonizado por Rooney Mara, Jude Law, Channing Tatum y Catherine Zeta-Jones podéis ver el tráiler aquí. Hay especial interés en porque se supone que es la última película de Soderbergh antes de su anunciada retirada (temporal) del cine, lo que no significa que vaya a dejar de dirigir, de hecho ha realizado un telefilm para el canal HBO, "Behind the Candelabra" (2013), con Michael Douglas y Matt Damon.
Sobre "Efectos secundarios", dice Justin Chang en Variety que es "un entretenimiento absorbente y astutamente impredecible". Peter Travers, de RollingStone, sigue en la misma línea al calificarlo de "thriller infernal, retorcido, asombroso y acompañado de sorpresas". Carlos Boyero también la defiende en Elpaís que Soderbergh "logra algo tan elogiable como mantener la atención del espectador de principio a fin". Por el contrario, Luis Martínez escribe esto en Elmundo: "una historia que se enreda sobre sí misma una y otra vez en una suerte de thriller disparatado entre el "noir" carnal de De Palma y el trampantojo milimetrado de Hitchcock". También suelta que "las frases largas, como el cine reflexivo, ahogan", quizá afectado aún por los efectos secundarios de la película… Por cierto, se estrena en España el 14 de junio.
"Camille Claudel, 1915"
A la derecha tenéis el cartel del nuevo trabajo de Bruno Dumont, protagonizado por Juliette Binoche, quien da vida a la mujer del título, una escultura conocida por su colaboración y relación con el también escultor Auguste Rodin historia que quizá hayáis visto en "La pasión de Camille Claudel" ("Camille Claudel", Bruno Nuytten, 1988). "Camille Claudel, 1915" se centra en la etapa final de la vida de la artista, internada en un manicomio. Jordan Mintzer en Thehollywoodreporter destaca el "perturbador retrato" de la protagonista y califica de "fascinante" la interpretación de Binoche, si bien critica al cineasta que distraiga la atención fijándose en otros pacientes de la institución.
A Boyero el cine de Dumont le resulta "insufrible" y parece incapaz de valorar la película, centrándose en atacar al cineasta por mostrar "el patético estado de gente que no interpreta, y que tampoco tiene capacidad para disfrutar del dinero que les hayan pagado por su lamentable presencia ante la cámara. Dumont ama tanto el realismo que practica la villanía para conseguirlo". Martínez sigue un poco revuelto, deja escrito que la película es "exagerada, encendida, extrema, incompresible y brutal. Imprescindible incluso"… pero luego suelta que también es "profundamente aburrida". Me encanta cuando la gente dice cosas así. Es una película maravillosa, pero también un coñazo. Es un film sobresaliente, le pondría un 6. ¿¿En qué quedamos??
"Pardé"
También conocido como "Closed Curtain", es el nuevo trabajo de Panahi, en colaboración con Kamboziya Partovi porque, como recordaréis, el cineasta sigue arrestado en su domicilio y las autoridades iraníes le han prohibido hacer cine (con relativo éxito, de momento). Sobre eso gira la película, sobre gente perseguida, filmada bajo las peculiares circunstancias que rodean al director. Boyero argumenta que la denunciable situación que vive Panahi no debería llevar a aplaudir sus películas, y dice que esta última es "metafórica, incomprensible y aburridísima". Tampoco ha salido contento de la proyección Martínez, opina que "Pardé" "se sumerge en una complicada red de metáforas, alegorías y mundos paralelos que acaban por ahogar la limpieza de un relato que, antes que nada, busca la emoción". Víctor Martín-Pozuelo comenta en Videodromo que la de Panahi es una película "para valientes" que explora "las posibilidades del lenguaje cinematográfico". Quedáis avisados.
"Night Train to Lisbon"
Dirige Bille August y protagonizan Jeremy Irons, Mélanie Laurent, Bruno Ganz, Charlotte Rampling y Christopher Lee, motivos suficientes para interesarse por este film, adaptación de "Tren nocturno a Lisboa", de Pascal Mercier. La trama gira en torno a un profesor suizo de lenguas clásicas que abandona su trabajo y se marcha a la capital portuguesa para buscar a un doctor y poeta que luchó contra el dictador Antonio de Oliveira Salazar. En Lavanguardia escribe Salvador Llopart que Irons está "magnífico" pero que el relato es "artificial" y "mecánico, como en un culebrón". Martínez no está de acuerdo sobre el trabajo del protagonista, dice que "hiperactúa", pero sí coincide en lo poco que le ha convencido el trabajo de August, al que acusa de "hacer poesía de postal rancia de cada encuadre, de cada línea de guión". David Rooney escribe en TheHollywoodreporter que el film le ha aburrido y que "carece de pulso dramático". Mejor nos vamos olvidando de este título…
"Epizoda u zivotu beraca zeljeza"
También llamado "An Episode in the Life of an Iron Picker", es el último trabajo del bosnio Danis Tanovic y se centra en la cruda vida de una familia gitana que come gracias a la venta de hierro. Joan Sala en Filmin resume lo que opina sobre la película diciendo que es un "spin-off de "La muerte del Sr. Lazarescu" que huele a premio"; destaca que la labor de los actores, no profesionales, "contribuye maravillosamente al absoluto sentido de autenticidad y realismo social que desprende" el film de Tanovic. Martínez, que parece obsesionado por los "15 centímetros" de algo, compara la realidad de Bosnia que retrata Tanovic con la de España y dice que la película es "sencilla, cruel, sincera" y "diminutamente inmensa" (¿¿??). Dan Fainaru, de Screendaily, destaca la visión "desoladora pero tristemente auténtica" de unos hechos que Tanovic recrea y filma como si fuera un documental, con sus pros y sus contras. Parece candidata a entrar en el palmarés, habrá que verla.
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Interesante, Dans la maison, de François Ozon, se lleva la Concha de Oro en San Sebastián - 29/09/2012 12:36:13
" En directo y en persona, desde San Sebastián, donde de lo que todo el mundo está realmente pendiente es del derbi Real Sociedad-Athletic, os informamos de los premios que se han entregado en la 60 edición de este festival donostiarra. "Dans la maison" (en la casa), de François Ozon, ha obtenido la Concha de Oro a la mejor película.La productora Christine Vachon, presidenta del jurado, ha entregado el premio, que ya se pronosticaba desde la proyección de la película a prensa y jurado, a Ozon, quien ha dirigido unas palabras de apoyo al cine español y en contra de las medidas que se están tomando desde el gobierno, tanto en el apoyo a la industria, como en la subida del IVA a la cultura. El guion de "Dans la maison" ha ganado, además, el Premio del Jurado al mejor guion. Se trata de una adaptación de la obra de teatro "Pánico muy querido", de Michel Gaztambide, quien le ha entregado el premio a su guionista y director, François Ozon.
La Concha de Plata al mejor director se ha entregado a Fernando Trueba por "El artista y la modelo". El cineasta se lo ha dedicado a su equipo, tanto artístico como técnico y ha reivindicado el cine como arte, cerrando con un: "viva el cine libre", al que otros galrdonados se han sumado.
La Concha de Plata a la mejor actriz ha recaído, ex-aequo, en Macarena García por "Blancanieves", de Pablo Berger, y en Katie Coseni por "Foxfire", de Laurent Cantet. La mejor interpretación masculina la ha presentado Ricardo Darín y la Concha de Plata ha recaído en José Sacristán, por "El muerto y ser feliz", de Javier Rebollo, quien ha recogido el premio en nombre del intérprete.
El Premio Especial del Jurado ha sido concedido a "Blancanieves", de Pablo Berger. Lo ha entregado Agustí Villaronga. El Premio del jurado a la mejor fotografía es para Touraj Aslani, por "Rhino Season", de Bahman Ghobadi. Mención especial del jurado para "The Attack", de Ziad Doueiri.
El Premio Donostia especial 60 aniversario le ha sido entregado a Dustin Hoffman, precedido de la proyección de un vídeo con todos los galardonados con este reconocimiento, como por ejemplo, Robert Mitchum, Al Pacino, Jeremy Irons, Michael Douglas, Sir Anthony Hopkins, Fernando Fernán Gómez, Anjelica Houston, Michael Caine, Robert De Niro, Paco Rabal… Tras este montaje, se ha proyectado una selección de los trabajos de Hoffman, variados y excelentes en todas las ocasiones. Como ya adelantábamos, el actor presentó "Quartet", su debú en la dirección hace un par de días en el Festival. Ricardo Darín, presidente del jurado, ha entregado el galardón diciendo que "no necesita presentación".
Edurne Ormazabal y Bárbara Goenaga han presentado la gala de la edición nº 60 de Donostia Zinemaldia. José Luis Rebordinos, director del Festival, ha entregado una placa conmemorativa a Fini Rubio, la viuda de Antxon Eceiza, cineasta concienciado y político, a quien esta edición rinde homenaje.
Jorge Drexler, presidente del Jurado del Premio Horizontes, junto con el resto del jurado, otorgan el premio a "El último Elvis", de Armando Bo, quien acude a recibirlo junto con el productor. El Premio del Público de Zabaltegi es para "The Angel"s Share", de Ken Loach. "The Sessions", de Ben Lewin, obtiene el premio del público SGAE-Fundación Autor. "Carne de perro" gana el Premio Kutxa-Nuevos Directores.
Vía | En directo, desde el Festival de San Sebastián.
Cobertura de Blogdecine de la 60ª edición del Festival de Cine de San Sebastián:
El festival de San Sebastián avanza su programación a concurso por la Concha de Oro.
Oliver Stone será homenajeado en San Sebastián, donde presentará "Salvajes" .
Dustin Hoffman recibirá uno de los premios Donostia 2012 y presentará "Quartet".
Da comienzo el Festival de San Sebastián con la llegada de Richard Gere y Susan Sarandon.
San Sebastián 2012 | "El fraude", "Amour" y "Blancanieves".
San Sebastián 2012 | "Salvajes", de Oliver Stone; "Argo", de Ben Affleck, y "En la casa", de Ozon.
San Sebastián 2012 | Penélope Cruz, Fernando Trueba y Laurent Cantet presentan sus films.
San Sebastián 2012 | Ewan McGregor presenta "Lo imposible", de Bayona, que divide a la crítica
San Sebastián 2012 | Los restos del festival: "El hipnotista" y "Si de verdad quieres"
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Interesante, David Cronenberg: M. Butterfly, la terrible ilusión del amor - 28/10/2011 4:50:28
" Los días que pasé contigo fueron los únicos en los que he existido realmente.(Song Liling)
Mientras se desarrollaba el rodaje de la imposible adaptación de "El almuerzo desnudo" ("Naked Lunch", 1991), David Cronenberg comenzó a discutir con el productor Jeremy Thomas la realización de otro apasionante reto, llevar a la gran pantalla la novela "Crash" de J.G. Ballard. Sin embargo, no fue ése el siguiente trabajo del cineasta canadiense. Se encontraba lleno de energía y deseaba lanzarse cuanto antes a dirigir otra película, una que no necesitara tanto tiempo de pre-producción ni otra problemática búsqueda de financiación. Y se encontró con el proyecto de trasladar al cine "M. Butterfly", una exitosa obra de teatro escrita por David Henry Hwang, que al parecer fue ofrecida en primera instancia a Peter Weir. Tal como desvela Cronenberg en el único "extra" que incluye la edición de la película en DVD, la historia le cautivó especialmente al descubrir que estaba basada en hechos reales, y se reunió con el productor David Geffen para convencerle de que él era el director apropiado para el puesto.
Geffen, al igual que todos los no conocen de verdad la obra de Cronenberg, no entendía qué interés podía tener el director de "La mosca" ("The Fly", 1986) en el texto de Hwang, así que el canadiense tuvo que hacer un ejercicio de introspección y explicarle por qué se sentía atraído por "M. Butterfly". Vista la película, resulta bastante evidente; la identidad, la metamorfosis, la construcción de una realidad alternativa, la ambigüedad sexual… son elementos que podemos encontrar en otros relatos "cronenbergianos". Geffen quedó convencido y dejó la película en sus manos. Se rodó en 1992, en localizaciones de China, Hungría y Francia para las escenas exteriores, y en Canadá para las interiores, y se estrenó en 1993 tras ser presentada en el festival de Toronto. No obtuvo el éxito esperado y hoy es uno de los títulos más olvidados del realizador. Él culpa a las circunstancias, a que el público tenía muy recientes otras películas de argumentos similares con enfoques más suaves y accesibles. Supongo que eso debió influir, quizá ahora habría obtenido una respuesta más entusiasta, pero sinceramente creo que Cronenberg fue muy ingenuo, su película no es nada comercial y lo más normal es que provocara rechazo. Señal de que lo hizo bien.
No sigas leyendo si no has visto la película.
- Camarada, ¿por qué en la ópera de Pekín los papeles femeninos están tradicionalmente interpretados por hombres?
- No lo sé. Lo más probable es que sea un vestigio de la reaccionaria y patriarcal estructura social.
- No. Es porque solo un hombre sabe cómo debe actuar una mujer.
La historia en la que se basó David Henry Hwang para escribir primero la obra de teatro y luego el guion de la película, tiene lugar en los años 60. Bernard Boursicot, un muchacho francés que trabaja como contable en la embajada de su país en Pekín, conoce a un joven chino llamado Shi Pei Pu, actor de ópera, que hace creer a Bernard que realmente es una mujer disfrazada, porque su padre quería un hijo varón. Ambos inician una relación sentimental que los termina llevando a vivir juntos en París como una familia corriente (Pu simuló haber sido madre cuando Bernard vuelve de un viaje de negocios) hasta que son arrestados por el gobierno francés por haber pasado documentos secretos a los servicios de inteligencia chinos. El caso debió ser todo un espectáculo en su momento: un francés casado con un chino, padres de un misterioso bebé, detenidos por traición… Ninguno de los dos llegó a cumplir la condena impuesta, y no volvieron a estar juntos (Bernard vive todavía aunque intentó cortarse el cuello en la cárcel mientras que su peculiar pareja en esta aventura falleció en 2009). Según Cronenberg, Bernard quedó encantado con su película, no por la fidelidad a los hechos, pues se toma muchas libertades, sino por hacerle revivir la atmósfera y los sentimientos de aquella época.
El director se enfrentaba a una historia que por primera vez en su carrera, no estaba ambientada en el presente y necesitaba de un contexto político muy concreto (necesario para plasmar el turbulento entorno en el que se desarrolla este peculiar romance), así como a un rodaje fuera de Canadá, algo con lo que tampoco había tenido que lidiar antes. Así que fue fundamental para él contar con su equipo habitual de colaboradores, destacando la directora artística Carol Spier (realiza un trabajo insuperable con los interiores), el compositor Howard Shore, el montador Ronald Sanders y el director de fotografía Peter Suschitzky (en su tercera colaboración con Cronenberg). Igualmente pudo conseguir a Jeremy Irons, con quien había trabajado en "Inseparables" ("Dead Ringers", 1988), para el papel del diplomático francés, siendo una de las pocas veces en las que Cronenberg ha repetido protagonista; ya que iban a rodar esencialmente en inglés, la elección de Irons fue un rotundo acierto, es capaz de reflejar todo el abanico de emociones y frustraciones que caracterizan al personaje, un hombre gris y apático que se transforma al hallar el amor. La cuestión más complicada era encontrar a Song Liling. Tras considerar la opción de un auténtico travesti, el canadiense se decantó por John Lone, que solo puede pasar como mujer en tomas lejanas (aunque esto supongo que es relativo).
Fue una decisión arriesgada que, según Cronenberg, acabó con las posibilidades comerciales de la película (al margen de que el trabajo del actor es impecable). El público reconocía a Lone en las primeras escenas (o al menos que Song era un hombre) y no podía creerse ni su interpretación ni el romance, considerándolo un error insalvable; buscaban otra "Juego de lágrimas" ("The Crying Game"), estrenada solo un año antes. Pero el realizador no estaba interesado en algo semejante, no pretendía sorprender a nadie de esa manera. Contaba con que el espectador descubriera enseguida el papel de Lone, su nombre aparece en segundo lugar en los créditos tras el de Irons, y en los carteles solo se destacaba la participación de estos dos intérpretes, nadie más, no hay actriz principal. Cronenberg quería que Song Liling fuese vista en todo momento como una actuación, como una creación, ya que es de lo que se enamora el protagonista, de un hombre que, exclusivamente para él, se comporta como una mujer, una muy concreta a la que idolatra. No le fascina una persona irresistiblemente atractiva (sin duda este enfoque habría tenido más éxito) sino lo que ésta representa; como dice en una escena del final de la película, René Gallimard (alter ego de Bernard) amaba a una mujer creada por un hombre.
En la escena del juicio (organizada como si se tratase del penúltimo espectáculo teatral), cuando se pregunta cómo es posible que René no descubriera el engaño, Song responde que nunca llegó a desnudarse, y que en cuanto al sexo, inventó unas costumbres supuestamente ancestrales que le permitían ocultar su entrepierna (hay un contraste muy claro entre el comportamiento reservado de Song y la vulgaridad de la mujer occidental que se entrega fácilmente, siendo esto último desagradable para René). Los allí presentes intentan hacerse una idea de la relación de una forma convencional, superficial, sin entender la complejidad de la fantasía que han vivido estos personajes. Porque René se enamoró de una representación, su amor era solo una ilusión. Como en otros relatos "cronenbergianos", las alteraciones que alteran el cuerpo afectan también a la identidad y por tanto a su sexualidad; a pesar de su actuación seria y confiada ante los demás (el enlace con el partido, la criada, la justicia francesa), con el tiempo Song también ha llegado a creerse su mentira, a sentirse realmente en la carne de esa mujer ideal que creó para René. No entiendo cómo alguien puede decir que este film no encaja en la obra de Cronenberg, quizá si en lugar de un chino fuese una enorme oruga… Pero la transformación definitiva tiene lugar en la última secuencia: René, traicionado, humillado, abandonado, se presenta ante sus compañeros de celda con el maquillaje, la ropa y la pose de "Madame Butterfly", esa fantasía que había amado y sin la cual no puede vivir. De nuevo, la tragedia irrumpe en el cine del canadiense.
Un aspecto muy interesante de "M. Butterfly" es el juego que se establece con "Madama Butterfly", la famosa ópera de Puccini, representada hasta en tres ocasiones en el film de Cronenberg, con formas y efectos muy diferentes; la primera vez, en una modesta representación en Pekín, une a los protagonistas, la segunda, en un edificio más lujoso de París, muestra a René echando de menos a Song, y la última, en el deprimente escenario de la cárcel, sirve de catarsis y despedida. La historia de la ópera habla de una japonesa obligada a casarse con un estadounidense, al que, según su particular código, debe y aprende a amar con devoción; sin embargo, el hombre no estaba realmente interesado en ella, y se marcha a su país poco después de consumar el matrimonio. La mujer espera su regreso e incluso rechaza un compromiso con un príncipe que la pretende, para acabar descubriendo la verdad, que no había sido amada, que todo había sido un engaño. Lo curioso aquí es que, a priori, se mantienen los papeles de este falso romance entre una oriental y un occidental, pero lo que vamos descubriendo es que conforme avanza la película, se fusionan y al final se intercambian los papeles; a mujer asiática se convierte en un hombre occidental que traiciona a su amante, un hombre occidental que se ha transformado en una mujer asiática, que exclama "es mejor morir con amor que vivir con deshonor", antes de ejecutar un haraquiri.
He ahí otra de las características más llamativas de la película, la mezcla de culturas, como peligro y como deseo, y la visión estereotipada que se tiene desde fuera. Parece ser que en el texto original había más elementos que subrayaban los tópicos a los que recurrimos los occidentales cuando retratamos las culturas orientales, pero Cronenberg quiso restarle importancia para centrarse en lo que consideraba más importante, la distorsionada "realidad" en la que se sumerge René, en la que es crucial su creencia de que está siendo aceptado en una cultura asombrosa de la que desea formar parte, pues la suya parece en declive, acabada y aburrida. Hay dos detalles que me parecen impagables; uno es ese picnic junto a la mismísima muralla china (en "El almuerzo desnudo" bromean con que los norteamericanos van al extranjero a comer hamburguesas) y el otro es cuando regalan a René una libélula, y él se la queda, como un símbolo del cambio que se está originando en su interior. Bellísima, intensa, cruda, turbadora, "M. Butterfly" es uno de los trabajos más atrevidos y logrados de Cronenberg, con una reflexión extraordinaria sobre el modo en el que se construye una relación íntima con otra persona, cómo podemos elaborar y entregarnos a nuestra propia fantasía compartida (que a ojos de los demás puede resultar imposible o ridícula), resultando tan terrible cuando esa ilusión termina, y es hora de enfrentarse a la fría y amarga realidad.
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