Que opina? Oz, un mundo de fantasía, la magia que necesitamos - 07/03/2013 09:31:37 a.m.
" El escepticismo es la postura más razonable antes de acometer el visionado de una gran superproducción de Hollywood. Hay casos en los que podremos encontrar grandes películas como "Skyfall" (id., Sam Mendes, 2012), pero lo más habitual es que no pasen de ser meros pasatiempos más o menos conseguidos o directamente mediocridades indignas de nuestra atención. El problema adicional es que son más comunes los casos en los que estos blockbusters de calidad discutible dan beneficios que los que obligan a sus productores a replantearse la situación, por lo que parece difícil que esto vaya a ir a mejor en el futuro. El último gran ejemplo que hiciera tambalearse a la compañía que había detrás fue "John Carter" (id., Andrew Stanton, 2012), y ahora existe cierto miedo en Disney sobre la posibilidad de que pase lo mismo con "Oz, un mundo de fantasía" ("Oz: The Great and Powerful", Sam Raimi, 2013).El gran problema para Disney es que han gastado la friolera de 325 millones de dólares entre costes de producción e inversión publicitaria y, por regla general, se entiende que se ha recuperado lo invertido cuando una película logra recaudar el doble de lo que ha costado. "Oz, un mundo de fantasía" tendría entonces que convertirse en una de las 63 películas más taquilleras de todos los tiempos todo ello sin contar los ajustes inflacionarios para no considerarse una fracaso o, como mínimo, una decepción. La gran diferencia entre "Oz, un mundo de fantasía" y "John Carter" es que la película de Sam Raimi cuenta a su favor para conseguirlo el ser un estupendo entretenimiento para toda la familia que cuenta con el cariño añadido de muchos espectadores hacia "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz", Victor Fleming, 1939) y no un, siendo generoso, fallido intento de crear un universo propio como sucedía con la cinta de Andrew Stanton.
Me gustaría aclarar antes de nada que nunca he tenido una especial debilidad hacia "El mago de Oz". De hecho, ni siquiera me gustaba siendo niño y fue en un visionado ya como adulto cuando conseguí ver casi todas las virtudes que muchos adjudican a este clásico inmortal de la historia del cine. "Oz, un mundo de fantasía" intenta jugar con las mismas cartas en su función de precuela de la película de Victor Fleming, tanto en contenido un mensaje esperanzador pese a los obstáculos que surjan por el camino como en forma mucha atención al acabado visual, en especial a la viveza de algunos colores, algo llevado más al extremo en la cinta de Sam Raimi. Otra asunto distinto es que todo no esté igual de equilibrado ,un poco menos de metraje le hubiera venido muy bien a la cinta que ahora ocupa- y que "Oz, un mundo de fantasía" no consigue replicar la magia cinematográfica de "El mago de Oz", aunque eso no quiere decir que esté exenta de ella.
El ingenuo optimismo es cada vez más escaso en una época dominada por el cinismo o la desesperanza ante la crisis económica global que está afectando con especial fuerza a los españoles. "Oz, un mundo de fantasía" es una respuesta a esa necesidad de volver a creer en que todo se arreglará si colaboramos juntos en esa dirección. La experiencia vital antes de llegar a Oz del encantador sinvergüenza interpretado con soltura por James Franco sirve para recordarnos que el individualismo sólo te permitirá llegar hasta cierto punto, siendo imposible llegar a conocer la auténtica felicidad. Quizá por ello y por el simple lucimiento visual Raimi opta por remarcar la importancia del grupo dentro de Oz mediante una clara tendencia a la utilización de planos abiertos, sólo cerrando realmente el encuadre para escenas íntimas claves en la evolución interior del protagonista y del propio espectador.
"Oz, un mundo de fantasía" hace gala de un tremendo despliegue de medios visuales muy efectivos en general, aunque haya algunos detalles, en especial al poco de llegar a Oz, que delaten su artificiosidad para sumergir al espectador en la trama. Raimi acierta de pleno al apostar por el blanco y negro y una imagen con un aspect ratio de 4:3 propio del cine mudo y que fue cayendo en desuso con la llegada del color para contarnos las peripecias iniciales del protagonista como un mago mujeriego de poca monta. Ya aquí se nos recuerda la utilización del 3D algo intrascendente cuando la acción tiene lugar en Oz como una tecnología exógena a esa época al aparecer en los márgenes negros de la imagen. Este detalle puede desconcertar a los espectadores que sólo estén habituados al cine moderno, pero su presencia va mucho más allá de ser un mero capricho de Raimi, ya que es el punto de apoyo de la naturaleza de "Oz, un mundo de fantasía" como homenaje al propio cine. Y lo mejor de todo es que lo consigue sin tener que decírselo de forma directa al espectador, sino incidiendo en los deseos de su protagonista y mostrando la capacidad de fascinación del séptimo arte pese a sus innegables raíces de "simple" ficción.
Uno de mis grandes miedos ante "Oz, un mundo de fantasía" es que cayera en la más baja forma del infantilismo a través de Finley el mono sirviente parlante y con alas y de otros elementos en los que la ingenuidad de su propuesta afectase al resultado final, pero lo cierto es que no hay nada realmente insoportable. Es cierto que la bondad de la bruja buena y sus seguidores puede resultar frustrante y que hay situaciones en las que Finley no deja de ser un secundario cómico pero de humor blanco no, blanquísimo bastante prescindible, pero no son más que pequeños bajones del guión de Mitchell Kapner y David Lindsay-Abaire a partir de la novela de L. Frank Baum que abría la extensa serie ambientada en el mundo de Oz. Eran otros tiempos y por aquel entonces lo habitual era remarcar al máximo la diferencia entre el bien y el mal, dejando un espacio casi inexistente para esos grises que tanto valoramos en la actualidad. Esto se traduce en pequeñas decepciones como que una, eso sí, radiante Michelle Williams no pueda desplegar todo su talento interpretativo, pero es un sacrificio en aras de un objetivo mayor: Hacer sentir bien al espectador sin caer en lo ofensivo hacia su inteligencia.
Puede que "Oz, un mundo de fantasía" diste mucho de ser una película perfecta, pero sí es un entretenimiento muy recomendable en los tiempos que corren. Con el pesimismo cada vez más presente en nuestra sociedad, estamos ante una agradable experiencia cinematográfica que ofrece un mensaje de esperanza a todos aquellos que estén pasando por un mal momento. Un sentido homenaje a la magia del cine, un espectáculo de primer nivel en lo visual y, sobre todo, una película en la que merece la pena emplear nuestro tiempo. No será un ejemplo del cine que realmente queremos, pero sí del que necesitamos en la actualidad.
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Interesante, X Muestra de cine fantástico de Madrid | De Oz, un mundo de fantasía a El último exorcismo 2 - 06/03/2013 05:24:07 p.m.
" En apenas unas horas dará comienzo la X Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid, una cita ineludible para los amantes del cine español que vivan en la capital española y sus alrededores. La película elegida para iniciar la Muestra de este año, que tendrá lugar en el céntrico cine Callao y será nuevamente presentada por la actriz Leticia Dolera, no es otra que la esperada "Oz, un mundo de fantasía" ("Oz: The Great and Powerful", Sam Raimi, 2013), aunque los que no tengan especial interés en ella podrán disfrutar a la misma hora de la mítica "Nosferatu" (F. W. Murnau, 1922) con música en directo del grupo Prin"Lala. Sin embargo, habrá que esperar al viernes para empezar a disfrutar del grueso de cintas, ya que entonces podrán verse "Kenshin, el guerrero samurái" ("Rurôni Kenshin: Meiji kenkaku roman tan", Keishi Otomo, 2012) adaptación del célebre manga de Nobuhiro Watsuki, "Grabbers" (Jon Wright, 2012) una comedia de terror con alienígenas, el cortometraje "Amor de madre" (2013) debut tras las cámaras del actor Eduardo Casanova, "Boneboys" (Duane Graves y Justin Meeks, 2012) una variante moderna de la seminal "La matanza de Texas" ("The Texas Chainsaw Massacre", Tobe Hooper, 1974) y "John Dies at the End" (Don Coscarelli, 2012) una comedia sobre una invasión que amenaza la supervivencia de la humanidad.Pasando ya al sábado, los madrugadores tendrá la oportunidad de disfrutar de un pase de "Viaje a la luna" ("Le Voyage dans la lune", Georges Méliès, 1902) acompañado de música en directo de Hidrogenesse, mientras que los que prefieran dormir un poco podrán ver por la tarde "Wolf Children" ("Ôkami Kodomo no Ame to Yuki", Mamoru Hosoda, 2012) un sensible anime sobre la licantropía, "Twixt" (2011) aproximación en 3D de Francis Ford Coppola al cine de asesinos en serie, "Antiviral" (Brandon Cronenberg, 2012) podéis leer aquí la opinión de Juan Luis sobre el primer largometraje del hijo de David Cronenberg, el cortometraje "Voice Over" (Martin Rosete, 2011), "La cabaña en el bosque" ("The Cabin in the Woods", Drew Goddard, 2011) aquí podéis leer la crítica de mi compañero Sergio sobre la película, "Garras humanas" ("The Unknown", Tod Browning, 1927) joya del cine mudo que se exhibirá con música en directo de Hidrogenesse- y "Dead Sushi" un delirio sólo apto para aquellos con capacidad de disfrute para el mal cine. La muestra llegará a su fin el domingo con una sesión cinematográfica muy variada, ya que empezará por la mañana con el clásico "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz", Victor Fleming, 1939), proseguirá con una nueva edición de Phenomena donde podrá verse de forma consecutiva "Alien, el octavo pasajero" ("Alien", Ridley Scott, 1979) y "Desafío total" ("Total Recall", Paul Verhoeven, 1990), intentará posteriormente hacernos reír con "Cockney vs. Zombies" (Matthias Hoene, 2012) y concluirá finalmente con un pase iniciado en el que cortometraje "Horizonte" (Aitor Uribarri, 2012) servirá como antesala a "El último exorcismo 2" ("The Last Exorcism. Part II", Ed Gass-Donnelly, 2013).
Más información | Web oficial de la Muestra
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Noticia, Egg, I Get Wet, The Origins of Electricity y Glory at Sea, los cortometrajes de Benh Zeitlin - 19/02/2013 09:02:48 a.m.
" El director Benh Zeitlin ha conseguido llamar la atención de medios mundo con "Bestias del sur salvaje" ("Beasts of the Southern Wild", 2012), una de las mayores sorpresas del cine americano del año pasado. Cierto que sus inesperadas candidaturas al Oscar , aunque creo que finalmente se va a ir para casa de vacío el próximo domingo- han ayudado lo suyo, pero era una película de la que ya se estaba hablando mucho desde que fue la gran triunfadora del Festival de Sundance del año pasado.Sin embargo, Zeitlin no ha aparecido de la nada, sino que ha sido uno de los muchos directores que se han curtido en el mundillo del cortometraje antes de dar el triunfal salto con "Bestias del sur salvaje". Ya os comenté varios casos en los que el director decidía convertir un cortometraje previo en una película, pero el caso de Zeitlin es distinto, ya que "Bestias del sur salvaje", cinta que he de confesar que me decepcionó profundamente, no surge a partir de ninguna de sus cuatro obras previas, las cuales voy a comentaros en los próximos párrafos.
Benh Zeitlin estudió en la universidad Wesleyan en Connecticut, siendo allí donde encontramos el origen de "Egg" (2005), su primer trabajo profesional, aunque quizá haya que relativizar esta última afirmación, pues es una obra que surge dentro de la carrera para así poder conseguir los créditos académicos necesarios para poder licenciarse. Un poco más arriba podéis ver un cortometraje en el que ya se nota la peculiar personalidad cinematográfica de Zeitlin, pues para la ocasión apostó por hacer una adaptación libre de "Moby Dick", con la peculiaridad de adaptar las formas del cine mudo a través del uso de la animación en stop-motion. Casi nada, y encima todo ello con un exiguo presupuesto de apenas 4.000 dólares.
El éxito no tardó en llegar para "Egg", pues su estreno tuvo lugar en Slamdance, prestigioso festival de cine alternativo que surgió como respuesta por la mayor comercialización del festival de Sundance , en Slamdance sólo pueden participar títulos que hayan costado menos de un millón de dólares- a entender de sus fundadores. Los entendidos en la materia consideran que ya es todo un privilegio la mera posibilidad de que una de tus obras sea exhibida allí, pero Zeitlin no tuvo que conformarse con el dicho de que lo importante es participar, ya que "Egg", en la que él ejerce como director, guionista, animador y montador, consiguió llevarse un premio para casa, iniciando así su periplo hasta el éxito internacional finalmente conseguido con "Bestias del sur salvaje".
Aún más curioso es el caso de "I Get Wet" (Behn Zeitlin y Kabir Green, 2005), ya que en su creación participaron varios niños de una actividad extraescolar de la escuela elemental Grace Church de Manhattan. "I Get Wet" nos cuenta la historia de un niño de 8 años que es atormentado por un grupo de niñas de su colegio y cómo a él y a su mejor amigo , ¡Super Dog!- no les gusta nada la perspectiva de acabar cada día en un cubo de basura. No es un gran corto técnicamente hablando y la actuación de los chavales no deja de ser la que uno podría esperar en un caso así, pero lo que no se le puede negar es tener un encanto especial, en especial durante su tramo final.
El buen recibimiento de "Egg" en Slamdance está detrás del origen de "The Origins of Electricity" (2006), en el que Zeitlin se enfrentó a un reto bastante llamativo propuesto desde el propio Festival: Rodar un cortometraje en 99 días con un presupuesto de apenas 99 dólares. Recurriendo de nuevo a la animación en stop-motion, Zeitlin nos cuenta la trágica historia de cómo dos bombillas descubren el origen de la electricidad. Una curiosa rareza que hay que valorar como tal, en especial por sus limitaciones presupuestarias y de tiempo.
"Glory at Sea" (2008) fue el último cortometraje de Zeitlin antes de ponerse manos a la obra con "Bestias del sur salvaje", y en el mismo ya se nota una mayor ambición artística por su parte, habiendo varios paralelismos con su primer largometraje, estando más que claro que "Bestias del sur salvaje" sigue las mismas líneas maestras que definen a este corto. "Glory at sea" es una bella reflexión sobre la situación de Nueva Orleans tras el desastre causado en la ciudad por el huracán Katrina. Es cierto que consiguió llevarse varios premios, pero uno de los grandes reconocimientos conseguidos por "Glory at sea" fue la utilización del tema principal de la película durante la campaña presidencial de 2008 por Barack Obama. Un cuento de hadas que terminó alcanzó su máxima expresión con "Bestias del sur salvaje". ¿Conseguirá Zeitlin mantener esta línea ascendente en su carrera o ya habrá tocado techo? Habrá que esperar para saberlo.
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Que opina? Cinco packs para regalar estas navidades - 23/12/2012 08:41:50 a.m.
" El tiempo pasa volando y ya no queda nada para que empiece la Navidad de este 2012 en el que las cosas no han ido precisamente a mejor pese a la llegada al poder del partido político que decía tener la solución para todos los males que nos asolaban. Sin embargo, ahora llegan días de celebración, comilonas en familia y de dar y recibir regalos. Ya el año pasado os propuse una selección de blu-rays con los que salir del paso en tan señaladas fechas, y como este año parece que al final no se va acabar el mundo, he decido retomar y matizar la idea recomendándoos cinco estupendos packs editados a lo largo de este año para que quedéis de maravilla regalando uno de ellos a algún familiar cinéfilo , yo eso he hecho en el caso de mi hermana- o comprarlas para vosotros si sois, como es mi caso, de aquellos a los que hay quienes os dan directamente dinero ante la incapacidad para decidir que compraros. Vamos allá."Alfred Hitchcock: Colección obras maestras"
Una delicia imperdible para todo amante de la etapa americana de Alfred Hitchcock, ya que se incluyen hasta 14 títulos de la misma: "Sabotaje" (Saboteur, 1942), "La sombra de una duda" (Shadow of a Doubt, 1943), "La soga" (Rope, 1948), "La ventana indiscreta" (Rear Window, 1954) , mi favorita personal-, "Pero… ¿quién mató a Harry?" (The Trouble with Harry, 1955), "El hombre que sabía demasiado" (The Man Who Knew Too Much, 1956), "De entre los muertos (Vértigo)" (Vertigo, 1958), "Psicosis" (Psycho, 1960), "Los pájaros" (The Birds, 1963), "Marnie la ladrona" (Marnie, 1964), "Cortina rasgada" (Torn Curtain, 1966), "Topaz" (1969), "Frenesí" (Frenzy, 1972) y "La trama" (Family Plot, 1976). Y además, como ya nos informó Juan Luis en su momento, multitud de regalitos (mi favorito son la reproducción de un par de cartas destinadas al propio Hitchcock) y una presentación de lujo. ¿El precio? Por 150 euros podéis haceros con él en blu-ray, mientras que hace ya un tiempo que salió una especie de equivalente en dvd por 100 euros, pero éste incluye también "Atrapa a un ladrón" (To Catch a Thief, 1955) y las tres primeras temporadas de la mítica serie "Alfred Hitchcock presenta" (1955-1962).
Como alternativa más económica para vuestros bolsillos también podéis encontrar un pack en blu-ray con "Crimen perfecto" (Dial M For Murder, 1954) , que también incluye la versión en 3D de la película-, "Con la muerte en los talones" (North By Northwest, 1959) y "Extraños en un tren" (Strangers On a Train, 1951) por 35 euros, o podéis comprarlos ambos si alguno de vosotros está entre los pocos españoles que no está sufriendo lo más mínimo los efectos de lo que empezó siendo una simple desaceleración económica…
"James Bond: Colección 50 aniversario"
Hace ya un par de meses que os dí mi opinión sobre este fabuloso pack que recopilaba las 22 películas oficiales estrenadas hasta aquel entonces de la saga protagonizada por el más famoso agente con licencia para matar. Se dejaba también un hueco para introducir el disco de "Skyfall" (Sam Mendes, 2012) en cuanto salga a la venta, una gran idea para que no quede obsoleto antes de tiempo. Eso sí, me temo que el estupendo libro que se incluía de regalo ha dejado de incluirse en las últimas reediciones del mismo, por lo que yo no me lo pensaría mucho si sosi fans de la franquicia y aún encontraís alguno que lo tenga. ¿El precio? 180 euros por la versión en blu-ray, que es la única que incluía el libro, y 100 si optáis por el dvd, aunque ya os aviso que el pack es mucho menos vistoso en este formato.
"Harry Potter: La colección para magos"
Hay muchos packs que huelen a operación comercial para sacarnos los cuartos para sacar un tiempo después una edición mucho más trabajada, motivo por el cual he descartado la inclusión de alguno en esta selección que estáis leyendo. Eso es lo que pasó en el caso de las ocho películas de la franquicia Harry Potter, pero hace poco más de tres meses os informaba sobre la aparición de "Harry Potter: La colección para magos", el pack definitivo para los amantes de las adaptaciones cinematográficas del personaje creado por J. K. Rowling. ¿Cómo sé que es el definitivo? Su abultada presentación , pude tenerlo en mis manos hace un par de semanas- no es más que el primer paso para un pack que incluye las películas tanto en dvd como en blu-ray y multitud de pequeños añadidos que harán las delicias de los seguidores de la saga. Los 300 euros que vale son su principal punto en contra, pero su tamaño también es algo a tener en cuenta, que yo pude hacerme con él por la mitad de su precio y decidí desestimarlo porque sencillamente no tenía sitio donde ponerlo.
"Pack Monsters: Universal"
Universal se caracterizó durante muchos años por las producciones de cine de terror que realizaba. Bien es cierto que muchas de ellas no son especialmente memorables, pero la cosa cambia en el caso de este fabuloso pack que agrupa los 8 grandes trabajos de su edad dorada: "Drácula" (Tod Browning, 1931), "El doctor Frankenstein" (Frankenstein, James Whale, 1931), "La momia" (The Mummy, Karl Freund, 1932), "El hombre invisible" (The Invisible Man, James Whale, 1933), "La novia de Frankenstein" (The Bride Of Frankenstein, James Whale, 1935), "El hombre lobo" (Thw Wolf Man, George Waggner, 1941), "El fantasma de la opera" (Phantom Of The Opera, Arthur Lubin, 1943) y "La mujer y el monstruo" (Creature From The Black Lagoon, Jack Arnold, 1954). Sólo llama la atención que la versión que se incluye de "El fantasma de la opera" no sea la dirigida por Rupert Julian en 1925, pero tal vez hayan preferido dejar de lado las producciones del cine mudo para un pack posterior.
Otro de los grandes alicientes del pack es su presentación en forma de ataud, dentro del cual se esconden las ocho cintas señaladas, postales con el cartel de cada una de ellas y un libreto de 48 páginas con imágenes e información sobre la película. El precio del mismo se dispara hasta los 85 euros, pero también podéis optar por comprar cualquiera de las dos ediciones inglesas , una similar a ésta y otra sólo con el pack que hay dentro del ataud, que imagino que acabará apareciendo también en España-, ya que compartimos edición con el Reino Unido, es decir, los discos y el contenidos de los mismos son idénticos.
"Colección Tim Burton"
Tim Burton ha estrenado dos películas a lo largo de 2012, la discreta "Sombras tenebrosas" (Dark Shadows) y la correcta "Frankenweenie", pero hace ya bastante que no logra alcanzar ese nivel que le hizo merecedor de múltiples alabanzas. Algunos de sus mejores trabajos se recopilan en este pack que salió a la venta el pasado mes de mayo, para ser más concretos incluye "La gran aventura de Pee-Wee" (Pee-Wee"s Big Adventure, 1985), "Bitelchús" (Bettlejuice, 1988), "Batman" (1989), "Batman vuelve" (Batman Returns, 1992), "Mars Attacks" (1996), "Charlie y la fábrica de chocolate" (Charlie And The Chocolate Factory, 2005), "La novia cadáver" (The Corpse Bride, 2005) y "Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet" (Sweeney Todd: The Demon Barber Of Fleet Street, 2007). También encontraréis un libro de 78 páginas con información e imágenes inéditas de las ocho películas. ¿El precio? 50 euros en blu-ray y 40 en dvd.
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Que opina usted? Green Hell, film maldito de James Whale - 12/04/2012 10:21:33 a.m.
" A lo largo y ancho de la historia del cine podemos encontrar en la mayoría de las filmografías de grandes directores algún que otro film maldito, expresión que no tiene por qué ir unida a la calidad del mismo. En el caso de James Whale para el que suscribe merece un lugar de honor dentro del séptimo arte por "El doctor Frankenstein" ("Frankenstein", 1931), "El hombre invisible" ("The Invisible Man", 1933), "La novia de Frankenstein" ("Bride of Frankenstein", 1935) y sobre todo "El caserón de las sombras" ("The Old Dark House", 1932) tendríamos que referirnos a "Green Hell" (1939), film extraño donde los haya, y que el director realizó con todo despliegue de medios y gran reparto. Un film que fue maldito desde incluso antes de su estreno, provocando rechazo en casi todo el mundo, estando a día de hoy prácticamente olvidado.Uno de los actores secundarios que aparecen en la película, el gran Vincent Price era su quinta aparición cinematográfica, confesaba años después en la cima de su carrera, que "Green Hell" era probablemente la película más estúpida en la que había trabajado no entendiendo como no formaba parte de las listas de los peores films de la historia. Algo de razón no le faltaba a Price, ya que el film es una muy loca mezcla de géneros y tonos con situaciones dramáticas delirantes algunas de ellas, pero sinceramente tampoco creo que nos encontremos ante un film totalmente desdeñable y es justo rescatarlo del olvido para descatar algunos de sus curiosos aciertos, que son tantos como fallos.
El film se construyó como un producto al servicio de Douglas Fairbanks Jr. quien siguió los pases de su padre Douglas Fairbanks, una de las grandes estrellas del cine mudo aunque sin conseguir el prestigio de su progenitor. En "Green Hell" se rodeó de un elenco realmente espectacular, la siempre fascinante Joan Bennett inolvidable en varios títulos de Fritz Lang, las grandes presencias de George Sanders y Vincet Price, más George Bancroft, Alan Hale y John Howard. Casi nada para una película que se pierde un poco en su arriesgada propuesta suponiendo uno de los primeros casos de película de aventuras con drama insertado, camino por el cual recorrería el género en años siguientes. El problema en el film de Whale y que hace que nos preguntemos en qué estaría pensando Frances Marion, el guionista, cuando escribió la historia es que dicho drama está metido a calzador, por lo que el contraste es inmenso.
"Green Hell" narra la historia de un aventurero, Keith Brandon (Fairbanks Jr.), que reúne a un equipo de lo más peculiar, amigos personales y amantes de las aventuras, con los que se irá a un país sudamericano para encontrar un templo inca en el que se haya un fabuloso tesoro de oro. A ellos se les unirá el misterioso David Richardson (Price) cuyos motivos para ir a la expedición no terminan de estar claros para el resto. Pronto descubriremos estupefactos que Richardson se había enamorado de dos mujeres y su decisión al respecto es… ¡¡huir a la selva sudamericana!! Tan loco detalle argumental desencadenará toda la parte dramática del film, con la que uno le entra literalmente la risa. Pensemos por un momento en la situación: un grupo de hombres viviendo durante más de un año en el centro de la selva sudamericana se ven desconcertados ante la imponente presencia de una mujer que ha venido en busca de Richardson. Esa mujer además es Joan Bennett preciosa donde las haya y para la ocasión incluso se ha llevado consigo zapatos de tacón. Olé.
Dejando de lado las divertidas situaciones y digo divertidas, porque hay que tomárselas de ese modo que se producen entre un montón de machos ante la presencia de una hembra y que pasará por celos estúpidos hasta declaraciones de amor ridículas los logros de "Green Hell" se encuentran en la puesta en escna de Whale cuando el relato es pura aventura. A pesar de cierto apresuramiento en algunos momentos encuentran demasiado pronto el templo, y más tarde la sala de tumbas con el oro, hay brillantez en otros, como todo lo relacionado con la inundación del templo o aquellos que trascurren en una selva de estudio muy bien ambientada y en la que Whale realiza ingeniosos travellings laterales marca de su estilo dotando de tensión esas partes. Instantes como el del acoso a la cabaña en los que Whale filma con un movimiento de cámara lateral de derecha a izquierda los pies de los protagonistas mientras vemos cajas llenas de municiones y tras un leve fundido la cámara vuelve hacia la izquierda y las mencionadas cajas se están quedando vacías, brillan con intensidad en un conjunto a todas luces desconcertante pero a su modo atractivo.
Tampoco se puede negar el cariño que la película desprende hacia los relatos de aventuras, aquellas que llevan a los hombres a arriesgarlo todo por conseguir un objetivo y sin las cuales no serían capaces de vivir. "Green Hell" puede verse como un loco canto, con cierto punto de ingenuidad, a una forma de vida tal y como queda patente en esa simpática escena final en la que los personajes están a las puertas de una nueva aventura, conscientes de lo que harán hasta el último de sus días. Por eso y porque salvo Fairbanks Jr. es una gozada ver al resto de los actores Sanders haciendo gala de su típica ironía y Hall tan entrañable como siempre "Green Hell" no merece el desprecio que obtuvo en su momento, y tampoco el olvido al que ha sido sometida con el paso del tiempo. Como detalle anecdótico decir que los inmensos decorados del templo fueron utilizados en futuras realizaciones de la Universal como "The Mummy"s Hand" (Christy Cabanne, 1940) o "El fantasma de la ópera" ("Phantom of the Opera", Arthur Lubin, 1943).
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Información: Las cinco mejores películas de Billy Wilder - 28/03/2012 10:30:39 a.m.
" Hace algo más de diez años nos dejaba Samuel Wilder, al que todos conocemos por Billy Wilder, uno de los más grandes directores que el séptimo arte ha dado en su corta existencia. Alumno aventajado de otro grande, Ernst Lubitsch, Wilder trabajó primero como guionista para más tarde debutar como director. Cuentan que una de las razones del salto de la escritura a la realización tuvo que ver con el desacuerdo que Wilder tenía con Mitchell Leisen para el que suscribe, un gran, gran desconocido, al que le achacaba el destruir sus libretos a la hora de ponerlos en imágenes. Para el mismo escribió las imprescindibles "Medianoche" ("Midnight", 1939) o "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn", 1941), y resulta cuanto menos curioso que Wilder no estuviese satisfecho de los resultados.En ese juego macabro que es el celebrar el fallecimiento de alguien, en Blogdecine voy con una de esas listas que tanto odio, pero de las que no puedo desprenderme, y porque a vosotros en el fondo os gustan más que nada. Elegir entre las 27 películas dirigidas por Billy Wilder no ha sido tarea fácil, y sin cambiar EL título por excelencia de su filmografía, tal vez en otro momento elegiría otras, pero hoy son estas. Sin más dilación, y a juicio de quien suscribe, las cinco mejores películas de Wilder:
"Perdición"
A pesar del error de la puerta una puerta de un piso o apartamento jamás abre hacia fuera una de las cumbres del cine negro. Con un triángulo interpretativo de primer orden al margen de Edward G. Robinson y Barbara Stanwyck, Fred MacMurray nunca estuvo tan bien Wilder con Raymond Chandler consiguen la perfección con una historia cautivadora, en la que la figura de la femme fatale lo es todo. Una de esas películas que pueden verse las veces que sea, como tantas otras en esta lista.
"El crepúsculo de los dioses"
De esa especie de subgénero de cine dentro del cine, "El crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard", 1950) es probablemente una de las citas imprescindibles con el mismo. Echando mano de Gloria Swanson y Erich Von Stroheim todo un canto al séptimo arte, a Hollywood, y a los gloriosos tiempos del cine mudo. Tan ácida como nostálgica, con una reflexiva parada sobre la decadencia humana y de las estrellas, posee la brillantez de estar narrada por un muerto. Imprescindible.
"Traidor en el infierno"
Oscar para William Holden probablemente hizo sus mejores interpretaciones a las órdenes de Wilder en uno de los films menos considerados de su director, pero que a mí me parece una obra maestra. La opresión en un campo de concentración, las subtramas, el traidor, la fuga, y un final glorioso hacen de esta cinta un disfrute mayúsculo, en el que Wilder lleva a su máxima expresión sus tres principales mandamientos a la hora de hacer cine: No aburrirás, no aburrirás y no aburrirás. ¿Quién después de verla no sigue silbando su última melodía? Y además con Otto Preminger en un papel.
"El apartamento"
Para muchos, por no decir todo el mundo, la mejor película de Wilder, ergo, una de las mejores de toda la historia del cine lo cual no es poco. Tragicomedia sin ninguna concesión, aventura sobre la vida misma con un héroe o mejor dicho, un antihéroe de excepción, C.C. Baxter, al que da vida un más que perfecto Jack Lemmon en una de sus colaboraciones con el director, también amigo íntimo. Cualquiera puede verse reflejado en él, y he ahí una de sus principales cualidades. Como es habitual en Wilder, el final antológico.
"La vida privada de Sherlock Holmes"
El punto álgido de la mirada amarga del cineasta en su última etapa, y su película más arriesgada. Un acercamiento al lado más humano del personaje de ficción que más adaptaciones cinematográficas posee, a través de una historia apasionante, llena de misterio y aventuras. Los ciegos productores mutilaron el film, pero con ello no lograron anular su calidad, un bella película llena de un arrebatador lirismo que desvela poco a poco sus innegables cualidades ganando con el paso del tiempo.
Críticas en Blogdecine:
"El apartamento", el espejo roto
"La vida privada de Sherlock Holmes", la mutilada obra maestra de Billy Wilder
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Es Noticia, "El Exorcista" y "Star Wars V" fueron designados patrimonio cultural de Estados Unidos - 29/12/2010 10:55:32 a.m.
"Ambas películas y otras 23, entre ellas "¿Y dónde está el piloto?" y "Fiebre del sábado por la noche", son parte desde hoy de la Biblioteca del Congreso estadounidense.Como todos los años, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos seleccionó 25 obras audiovisuales ,largometrajes, documentales, cortometrajes, videoclips- para ser incluidas en el archivo de filmes que son considerados patrimonio cultural de ese país.
Este año, forman parte de la lista "Star Wars: Episodio V , El imperio contraataca" (1980), "El Exorcista" (1973), "¿Y dónde está el piloto?" (1980), "La Pantera rosa" (1964) y "Fiebre del sábado por la noche" (1977) debido a "su importancia cultural y estética".
Estos filmes fueron escogidos de entre un total de 2.112 y con su inclusión, el archivo nacional de cine cuenta con 550 obras.
"El archivo nacional del cine está allí para recordar a la nación que la preservación de nuestra creación cinematográfica debe ser una prioridad, puesto que la mitad de las cintas producidas antes de 1950 y un 90% de aquellas producidas antes de 1920 se perdieron", sostuvo el presidente de la biblioteca, James H. Billington, según reporta AFP.
Películas de la época del cine mudo también fueron incluidas, al igual que obras de famosos directores como Elia Kazán y John Huston.
Fuente: El Comercio.pe
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