Que opina usted? Mira el tráiler de "Mi villano favorito 2? - 07/11/2012 16:10:51
"Filme animado de Universal Pictures se estrenará el 4 de julio del 2012Mi villano favorito 2 se estrena el 4 de julio del 2013 y ya se conoció el primer tráiler oficial del filme animado, que tiene como protagonistas a los "minions".
El tráiler muestra a estas fabulosas criaturas amarillas sobre las que recayó el éxito de la primera parte de la historia de "Mi Villano Favorito", película que se estrenó en 2010.
"Mi Villano Favorito 2" presentará el regreso del señor Gru con una nueva aventura, la cual promete el ingreso de nuevos personajes.
Cabe señalar que las voces de Steve Carell (Gru), Kristen Wiig, la estrella de "Nickelodeon" Miranda Cosgrove, Russell Brand y Al Pacino, dan vida a los divertidos personajes de esta producción cinematográfica de Universal Pictures.
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Fuente: El Comercio
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Que opina usted? El amor en 32 películas (IV): La muerte de vacaciones de Mitchell Leisen - 06/11/2012 19:44:26
" Mitchell Leisen ha sido una de las figuras cinematográficas más curiosas de cuantas han existido en el noble arte del cine. Su carrera ha pasado por conocer la fama en vida, sobre todo a raíz del éxito de películas como "La muerte de vacaciones" ("Death Takes a Holiday", 1934), para años más tarde, caer casi en el olvido y también despreciado por otras personalidades, entre ellas Billy Wilder, quien declaró hacerse director entre otras cosas porque estaba cansado de que Leisen estropease sus guiones. Demostración palpable de que los genios se equivocan, a tenor de lo visto en films como "Medianoche" ("Midnight", 1939) o "Si no amaneciera" ("Hold Back the Dawn", 1941), suficientes para no estar en absoluto de acuerdo con Wilder.El paso del tiempo le dio la vuelta a la tortilla y Leisen fue devuelto al lugar que le pertenece, el de los grandes, gracias a la difusión de muchas de sus películas en televisión y una profunda revisión de su obra. Aún recuerdo aquel ciclo de la 2 en el que se proyectaron joyas como la que nos ocupa. Basada en la obra teatral del italiano Alberto Casella, y que conoció una segunda adaptación cinematográfica de mano de Martin Brest y para absoluto lucimiento de Brad Pitt haciendo el tonto, me refiero a la insufrible y eterna "¿Conoces a Joe Black?" ("Meet Joe Black", 1998), uno de esos remakes que en lugar de invitar a revisar el original, provoca el no querer acercarse más a una sala de cine.
(From here to the end, Spoilers) La acción se desarrolla en una majestuosa casa, propiedad del duque Lambert papel a cargo de Guy Standing, actor secundario muy característico en los años 30, quien una noche recibe una fantasmal visita, la mismísima Muerte, a la que le mueve una gran curiosidad, el saber el porqué del enorme miedo que los humanos sienten cuando ella se les presenta. Para averiguarlo llegará a un acuerdo con Lambert, se hará pasar por un conocido suyo, el príncipe Sirki, fallecido hace poco. Y así será, hasta que la Muerte descubre el gran secreto de la vida, esa cosa a la que llamamos amor y que nos hace fuertes ante cualquier cosa. Casi toda la acción transcurre en la citada casa/mansión y uno de los aciertos del relato es presentar a la Muerte como un personaje, no como un estado o lugar, una especie de intermediario entre este mundo y el resto.
El personaje más importante de la función está interpretado por Fredric March, quien realiza una composición inolvidable llena de gestos muy sutiles. La Muerte experimentará todos los posibles placeres del ser humano, pues su permanencia en la casa de Lambert durante tres días será bajo una apariencia totalmente humana, incluyendo los sentimientos y sensaciones que provocan absolutamente todo lo que le rodea. Así conocerá el placer de saborear un buen vino, o de sorprenderse abiertamente cuando le coloquen una flor en el ojal y esta no se marchite como vemos que hace una cuando la toca, antes de convertirse en mortal en la muy inteligente e interesante conversación que tiene con Lambert cuando se le aparece en medio de la noche en una de esas secuencias que se quedan grabadas en la retina para siempre, nunca mejor dicho.
Leisen logra en ese momento algo muy especial con su puesta en escena, esquivando continuamente el origen teatral del material algo que por ejemplo no puede esquivar en alguno de los diálogos, y es dotar todo el conjunto de una marcada atmósfera irreal acorde con la más que interesante propuesta. En la primera aparición de la Muerte, Leisen utiliza trucos de iluminación y algunos espejos para dotar de cierta transparencia al personaje. El resultado es simple y llanamente espectacular y Leisen logra un impacto pocas veces alcanzado. Con la ayuda del excelente Charles Lang quien realiza una fotografía muy parecida al de otro film que repasaremos en este especial y su tan característica mano para la elegancia, juguetea con la profundidad de campo años antes de Orson Welles, y provoca en el espectador cierta sensación de desasosiego y al mismo tiempo fascinación.
Si bien el hecho de que la Muerte descanse durante tres días da lugar a situaciones muy interesantes el propio príncipe Sirki bromea sobre ello y lo encuentra especialmente divertido, amén de soltar ciertas reflexiones realmente espeluznantes, como el deseo inmortal de los hombres de matarse los unos a los otros, lo más destacado reside en la deducción de que los tres temas más importantes del ser humano, el amor, la guerra y el dinero, se reducen a un sólo: el amor. Dicho sentimiento tiene totalmente intrigado a la Muerte pues en el mismo encuentra la respuesta para llenar las vacías y superficiales vidas de los seres humanos, y lo encontrará en una mujer llamada Grazia (Evelyn Venable), a la cual Leisen dota del mismo misterio que a la Muerte, como si dicha mujer no perteneciera a este mundo. La presentación del personaje no deja lugar a dudas, y sus continuas ansias de ir "más allá" más su revelación final cuando el príncipe Sirki le desvela su verdadera identidad, "siempre te he visto así", dotan a Grazia de un carácter que va más allá de la propia vida, la de haber encontrado el amor verdadero y correspondido.
El amor subsiste pues más allá de la vida podría ser el mensaje más claro de "La muerte de vacaciones", película que subraya el carácter eterno que se le ha querido dar al sentimiento más importante que poseemos. Para el recuerdo quedan instantes tan poderosos como aquel en el que la Muerte, mientras experimenta dentro del cuerpo del príncipe Sirki, muestra su verdadero yo a una mujer por miedo a ser rechazado efecto conseguido únicamente con cambios de luz y un poco de maquillaje; también por la sensible capacidad de Mitchell Leisen para combinar géneros, una de las cualidades de su cine al igual que el lirismo con el que bañaba sus historias, mirada que repetiría en films como "Recuerdo de una noche" ("Remember the Night", 1939), film que tranquilamente podría haber entrado en este especial.
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Es Noticia, Entrevista con el vampiro, el monstruo de las dos espaldas - 08/10/2012 2:27:20
" Un periodista (Christian Slater) recibe la llamada de Louis de Pointe du Lac (Brad Pitt) en medio de la noche. Y no, no es un conde de una película de época, aunque casi, porque es un vampiro (¡uno de verdad y legendario!) que les contará el peculiar viaje que vivió junto a Lestat (Tom Cruise) y su extraña "adoptada" vampira, Claudia (Kirsten Dunst). A través de ellos, se nos contarán las crónicas vampíricas.Siempre he apreciado las películas de Neil Jordan. Me encanta "Juego de lágrimas" (The Crying Game, 1992), pero, sobre todo, me encanta "En compañía de lobos" (The company of the Wolves, 1984) que es tan enfermiza, tan retorcida y tan psicoanalítica que la considero directamente inconcebible en el actual panorama industrial, pero también en el de entonces pues ¿quién iba a filmar una película episódica con lecturas tan perversas del mito de Caperucita Roja que hubieran hecho las delicias de Bruno Bettelheim?
Bettelheim ha escrito un libro conocido entre la gente del tema, el "psicoanálisis de los cuentos de hadas" y esta versión explícita de las relaciones (carnales) de la Caperucita (en su pubertad, como señala el rojo) y el Lobo (en otra pubertad, más, uhm, salvaje) me dejaron trastocado en su momento. En todo caso ¿es Jordan un director rarísimo del que ojalá viéramos más películas? Lo es, lo es y "Desayuno en Plutón" (Breakfast on Pluto, 2005) demuestra que no ha perdido su forma (del todo).
Bien, presentado al director, pasemos a la película. Esta es una adaptación del libro de Anne Rice, del mismo título, por cierto, y que fue un éxito desde su publicación en Estados Unidos en el año 1976. Anne Rice completó su trilogía y hasta pasó de ser una libertina romántica y decadentista a darse a los credos religiosos (¡y volver al cristianismo!). El asunto es que su best seller cumplió la función y rescató al vampiro como último eslabón del amor y la sexualidad victorianas y, lo que a veces equívocamente, es atribuido al Drácula coppoliano fue, en realidad, fruto de Anne Rice, la primera que puso de moda un vampiro que era un amante inmortal y que rescataba, por supuesto, materiales lejanos.: desde la condesa Bathory al legado de las películas de la Hammer pasando por el romanticismo desatado de los ingleses como Byron.
Bien. Como la vida no es sencilla, ni el tiempo es lineal, la versión cinematográfica de la novela de Rice se hizo ¿adivináis? debido al éxito del "Drácula de Bram Stoker" (Bram Stoker"s Dracula, 1992) de Francis Ford Coppola que, en su momento, fue un éxito de crítica y público y creó una especie de corriente de remakes de mitos del terror pero además les dio un insólito ademán de respetabilidad. Los despistados pensarán que Stoker tiene algo que ver, pero su novela original en nada se parece a la versión de Coppola, más allá de líneas argumentales vagamente similares, la novela original hacía énfasis en el aspecto menos romántico y más vil del personaje.
¿Y entonces? Pues Anne Rice, que creó una moda, tuvo que esperar a que fuera una película, que no adaptaba su novela, para tener su propia adaptación. ¿No os resulta curioso? Bien, así son las influencias y así son las decisiones que respectan a la industria del cine, más cara y con ello más lenta de producir que otros medios. Rice, por otra parte, firma el libreto, con lo cual se explica lo fiel que es a su propio material y también lo bien que entiende el cine, como sabéis un medio muy distinto a la novela.
Rice escribió esta película con Alain Delon en mente (En el papel del Louis que interpreta Pitt), lo cual me parece, francamente, una idea deliciosa.: ¿no es Delon, ese diablo frívolo que solía matar a pleno sol y se paseaba como un samurai, un actor perfecto para ser un vampiro? ¿No es acaso su belleza, con esos rasgos suaves y sus inquebrantables ojos, lo más parecido a un vampiro aristocrático? Yo creo que sí.
Jordan opta por otro camino, y es un camino hollywoodiense, pero no en su vertiente calamitosa, sino más barroca y exitosa. Largos movimientos de cámara usando la grúa, absolutamente acertado diseño de producción del ya de por sí bestial Dante Ferretti, un admirable trabajo lumínico de Philippe Rousselot con gran talento para iluminar sets y dar uso al chiaroscuro y sacar un partido pictórico al sur estadounidense, representado con un gusto insólito. El talento de los implicados brilla, pero Jordan y Rice dan a Kirsten Dunst un papel ambiguo, y se atreven a dibujar una infante vampírica con pulsiones sexuales que devienen, en realidad, el romanticismo de amar y no saberse correspondido o, incluso peor, necesitado.
La película termina con una coda metaficcional.: es decir, se nos habla del papel del cine dentro de la propia película. Es cierto que ya había referencias al cine en la versión vampírica de Coppola, pero este poético y hermoso final de Jordan bien se dirige a otro destino.: las imágenes, también su transcurrir en el que vamos del blanco y negro al color y superponemos nuestra manera de soñar amaneceres, hablan al vampiro como una epifanía final. ¿No es hermoso?
Shakespeare, un verdadero genio que viene a la mente tras ver este romántico y decadente paseo por el amor inmortal, definió una vez al sexo como ese "monstruo de las dos espaldas". El vampirismo de Rice no es un vampirismo de dominación, o incluso de una pulsión romántica no resuelta como el Gary Oldman que pierde a Winona Ryder, es, también, el mismo deseo: se reproduce y perdura, y sus paseantes, estos vampiros, son prisioneros en busca de este monstruo de las dos espaldas en distintos objetos de deseo, amantes que se van perdiendo.
Por ser inesperadamente profunda, por ser tremendamente bella, por ser enigmática, por entretener en sus más de dos horas de duración, juzgo y considero a esta película mi favorita del subgénero vampírico, pero, al margen de preferencias, una de las mejores y de las más excéntricas y sensuales. Por cierto, hay una película enloquecida de Neil Jordan que me encanta y nadie recuerda: "El hotel de los fantasmas" (High Spirits, 1984), de los ochenta, cuando el cine se permitía mezclar fantástico y terror como si fueran compañeros de cuna y dejar que la imaginación dinamitara los tópicos con salidas de tono maravillosas. Otro día nos dedicamos a ella.
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Es Noticia, El amor en 32 películas (II): Amanecer de F.W. Murnau - 17/09/2012 13:50:17
" "Amanecer" ("Sunrise", F.W. Murnau, 1927) es una película irrepetible, única y en ella se encuentras las bases de todo lo que vendría después. Una de esas películas sobre las que todo está dicho, y lo único que podemos hacer ahora es continuar hablando para que su recuerdo no se pierda en la inmensidad de ese cruel invento llamado tiempo. François Truffaut decía que en el futuro los críticos hablarían del séptimo arte sin conocer el cine de Murnau, una aseveración quizá demasiado atrevida o exagerada, pero que poco a poco, como una lenta amenaza, se vierte sobre los nuevos cinéfilos/críticos, contagiados de tanto desorden posterior. En cualquier caso, esta película, bautizada en su momento como la obra maestra del especialista en obras maestras, no deja indiferente a nadie en su primer visionado, uno de esos irrepetibles impactos que todo amante del cine recuerda siempre.Tras el éxito de "Fausto" ("Faust", 1926), e impresionado por la calidad de "El último" ("Der letzte Mann", 1924) recordemos, una película muda sin un sólo intertítulo demostrando así que la puesta en escena es la herramienta narrativa más importante del cine, el productor William Fox ofreció a Murnau la oportunidad de estrenarse en suelo estadounidense, y concretamente en el soñado Hollywood. Para ello el director alemán tuvo a sus disposición el prespuesto más alto jamás concedido a una producción cinematográfica y una libertad absoluta, algo que hoy día parece impensable. Invitados por Fox, en el rodaje estuvieron Frank Borzage, John Ford y Howard Hawks, muy cerca de Murnau, aprendiendo, tanto que en los mismos decorados se filmó "El séptimo cielo" ("The 7th Heaven", 1927) y "Cuatro hijos" ("Four Sons", 1928), films que beben sin disimulo de "Amanecer".
(Spoilers) La trama de "Amanecer" es sencilla en apariencia, una historia de amor que en todo momento corre el peligro de caer en la ñoñería. Es más, esta película hoy día sería inviable, a no ser que alguien tenga la capacidad de abstracción que tenía Murnau en este momento sólo me viene a la mente Paul Thomas Anderson, y cuya mano convirtió esta historia en pura poesía visual. La historia de un hombre de pueblo, casado y con una pérfida amante que le convence para vender su granja e irse a la ciudad, teniendo para ello que asesinar a su propia esposa, navega por los lugares más comunes no lo eran cuando el film se estrenó, el próximo sábado hará 85 años justos, sin caer jamás en la vulgaridad o la evidencia. El secreto está en la puesta en escena de Murnau, que encierra numerosos detalles en cada plano, haciendo verdad aquella opinión de Andrei Tarkovsky sobre la inutilidad de buscar contenidos en una película cuando lo verdaderamente importante son las formas y los misterios que las mismas encierran.
Así pues "Amanecer" parece una obra sencilla, la diferencia entre lo que se quiere decir y lo expresado es muy breve. Dicho de otra forma más común, Murnau hace fácil lo difícil. El film posee un gran poder de magnetismo gracias a la labor de su director, quien debió prescindir de su querido Karl Freund en la fotografía, siendo sustituido por Charles Rosher y Karl Struss, con un extenso currículum y ganadores del Oscar por su labor en la película, manifestación perfecta de las inquietudes de Murnau, quien tenía la última palabra en todo. Murnau se adelantó a su tiempo escapando de la cámara estática tan de moda en aquellos primeros años del cine. Son famosos los travellings que acompañan al hombre (George O"Brien) al lado de su malvada amante (Margaret Livingston), presagio del mal, para más tarde realizar una idéntica operación cuando el matrimonio en la ciudad sale de una iglesia y uno de los besos más apasionados de la historia provoca un caos en el tráfico. De esta forma Murnau tiende al contraste de situaciones durante todo el film, para cada acción encuentra su reverso y viceversa.
"Amanecer" es una historia de enfrentamiento entre el amor carnal y el puro. La fisicidad contra el sentimiento. El mal contra el bien. El film nos muestra ya desde el inicio la infidelidad del hombre, engatusado por los placeres carnales y la loca vida en la ciudad. Sobrevivirá a ese infierno cuando se enfrente a la inocencia de su mujer en el momento de asesinarla, una de las secuencias más terribles que el cine recuerda. La purgación de los pecados del marido, totalmente arrepentido, se dará en la larga secuencia de la ciudad, en la que Murnau no le da la espalda al humor, y que culminará en la vuelta a la granja en una barca que volcará debido a una tormenta que hará que la esposa desaparezca para regocijo de la amante. Sólo un milagro la película puede verse como tal, en realidad la tenacidad de un pescador, devolverá a la esposa una bella Janet Gaynor que ganó un merecido Oscar por su tranajo en este film más "El séptimo cielo" y "El ángel de la calle" ("Street Angel", Frank Borzage, 1928) a los brazos de su marido, que está a punto de cometer un irónico crimen.
La noche se termina, dejando atrás su tentadora oscuridad, y al igual que Brad Pitt en "Entrevista con el vampiro" ("Interview with a Vampire", Neil Jordan, 1994) presenciaba el amanecer en un cine viendo el film de Murnau probablemente el mejor homenaje/guiño que se le ha hecho jamás al cine de Murnau uno se siente atrapado por ese baño de luz que aleja los problemas y trae la felicidad o lo más parecido a ella. Da igual las veces que vea "Amanecer", siempre siento lo mismo, el estar ante algo que va más allá del arte y que intentar encerrarlo en la tiranía de las palabras me sabe a poco. Cuando su torrencial de imágenes me invaden literalmente ya no me sueltan. Su poder de sugestión es tan poderoso que no sólo me hacen creer en el amor, sino también en los milagros. Pocas películas plasman de manera tan devastadora y visceral la aventura de amar, la más peligrosa y emocionante de todas las aventuras.
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Que opina? The 33, Patricia Riggen dirigirá la película sobre los mineros chilenos atrapados - 16/09/2012 8:43:14
" Al fin se pone en marcha la adaptación cinematográfica del caso real de los 33 mineros chilenos que en 2010 quedaron atrapados durante 69 días en un yacimiento San José, en el desierto de Atacama. La película se titulará "The 33", estará hablada en inglés aunque se filmará en Chile y la va a dirigir la realizadora mexicana Patricia Riggen."The 33" será el tercer trabajo para cine de Riggen, directora de "La misma luna" (2007) y "Girl in Progress" (2012). La mexicana llevará a la gran pantalla un guion de José Rivera "Diarios de motocicleta" (2004), "On the Road" (2012) y Mikko Alanne. Los otros nombres vinculado al proyecto son los de los productores Mike Medavoy, Edward McGurn y Bernie Williams; de momento no hay nada oficial sobre actores, hace tiempo se habló de Brad Pitt pero todo quedó en un mero rumor. El rodaje comenzará en enero así que aún tienen bastante tiempo por delante para el casting.
Ya veremos en qué queda todo, pero teniendo en cuenta que los verdaderos protagonistas de la historia tienen que dar el visto bueno al film no creo que "The 33" ofrezca un retrato crudo y honesto de lo ocurrido, supongo que se limitarán a ofrecer un entretenimiento convencional sobre el valor y la superación personal. ¿Qué opináis vosotros?
Vía | Variety
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Noticia, Guerra Mundial Z en graves problemas - 12/06/2012 4:40:02
" En Hollywood no es tan raro que una película tenga que aplazar su fecha de estreno inicial. Una de las cosas que más ayudan a ello es que se llegan a elegir con varios años de adelanto en plan gran anuncio para crear hype entre los fans. Sin embargo, hay otras ocasiones en las que los motivos son más aleatorios y suelen hacer pensar muy mal de lo que realmente sea la película en cuestión. El caso de la adaptación de "Guerra Mundial Z" parecía deberse a motivos meramente comerciales, pero ya se ha dado a conocer una realidad mucho más negativa.Paramount, productora de la película, ha llegado a barajar rodar una trilogía, pero para ello van a tener que arreglar lo que huele a desastre en el caso e la primera entrega, ya que se han visto obligados a fijar una nueva fecha de rodaje para regrabar determinadas escenas. Esto también sucede de vez en cuando, lo extraordinario es que esta vez van a ser seis o siete semanas para rehacer una película que no estaba dejando satisfecho a nadie. Al parecer, esta adaptación cinematográfica giraba en demasía alrededor del personaje interpretado por Brad Pitt y el hecho de que los zombis dan miedo cuando la novela original aborda multitud de temas que aquí iban a ser bastante residuales o directamente inexistentes.
Además, se ve que el tercer acto de la cinta era un desastre tremendo, ya que se ha contratado a Damon Lindelof (uno de los guionistas de "Prometheus", de la cual en España tenemos que conformarnos con ver su tráiler final mientras que en otros países ya se ha estrenado) para que haga las correcciones pertinentes en el guión originariamente escrito por Matthew Michael Carnahan, en especial de su tramo final. En definitiva, que no pinta demasiado bien el asunto.
Os recuerdo que "Guerra Mundial Z" es la adaptación de una novela de Max Brooks publicada por primera vez en 2006 que ha dirigido Marc Forster, y además de a Pitt, podremos ver a Mireille Enos, James Badge Dale y Anthony Mackie. Eso sí, desterrad por completo la idea de que su estreno se llevase a cabo en este 2012, ya que ahora su fecha de estreno prevista es el 21 de junio de 2013 en USA y el 2 de agosto del mismo año en España. Larga espera, pero no me voy a quejar si es que al menos así logran arreglar la película.
Vía | Heat Vision
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Información: Cannes 2012 | On the Road se queda en una bonita superficie, Holy Motors es una estimulante rareza - 23/05/2012 15:32:46
" Si ayer fue el día de Brad Pitt, hoy lo ha sido de Kristen Stewart. La estrella de la saga "Crepúsculo", para algunos una prometedora actriz (yo la encuentro bastante limitada aunque es joven y valiente, puede mejorar), es una de las protagonistas de "On the Road", lo nuevo de Walter Salles y uno de los 22 títulos que compiten este año por la Palma de Oro. La han acompañado el director y otros famosos compañeros de reparto, como Viggo Mortensen, pero la chica ha sido la más buscada por los medios en esta octava jornada del festival de Cannes. Otra visita que ha despertado mucha expectación ha sido la de la cantante Kylie Minogue, que tiene un breve papel en "Holy Motors", el último trabajo de Leos Carax, también en la sección oficial."On the Road"
Una de las películas más esperadas de la 65ª edición del festival (que me está pareciendo más flojo que el año pasado) era la adaptación largamente gestada de la obra cumbre de la Generación Beat, "On the Road", escrita por Jack Kerouac y editada en España bajo el título de "En el camino". Francis Ford Coppola y su hijo Roman figuran entre los productores del film, dirigido por Salles a partir de un guion de Jose Rivera; Gustavo Santaolalla pone la música y el reparto es espectacular (aunque algunos actores tienen poca participación). La historia gira en torno a Sal Paradise (seudónimo de Kerouac), un joven neoyorquino aspirante a escritor que tras la muerte de su padre conoce al impulsivo y carismático Dean Moriarty (en realidad, Neal Cassady). Juntos emprenderán un viaje en busca de libertad, diversión y experiencia que cambiará sus vidas, y que Sal usará como base para su primer libro. 55 años después de su publicación, nos llega la versión cinematográfica del influyente texto; por las reacciones del pase de prensa y lo que he estado oyendo por aquí, en el Palais, la sensación general es de decepción. Personalmente no me he llevado ningún chasco, es un relato muy cuidado visualmente, entretenido en su mayor parte y con buenas interpretaciones. No esperaba otra cosa viniendo del realizador brasileño.
Salles se confiesa como un gran admirador del libro "On the Road" y ha tratado de ser lo más fiel posible, buscando las localizaciones auténticas e incluyendo líneas escritas por Kerouac tanto con voz en off como escritas en la pantalla. El resultado es una adaptación plana y superficial, que no se adentra en las emociones y el punto de vista poético de las vivencias de Sal. No explotar la imagen, no busca metáforas, opta por lo fácil, agarrarse al texto. Así que cuenta lo que ocurre, expone lo exterior, y lo hace con delicadeza y corrección, pero no consigue plasmar el espíritu, el interior. La más humilde "Howl" triunfaba donde esta fracasa. También tropieza el director con el ritmo de la película, haciéndose difícil de seguir con interés todo el último tramo. En parte es culpa de su desacierto con el punto de vista, enfoca a demasiados personajes y le queda una narración fragmentada, descompensada, en lugar de mantenerse cerca del protagonista, pegarse a su mirada y su modo de captar el mundo. Se trataba, creo yo, de poner en imágenes las intensas experiencias y reflexiones de un individuo, una visión inspiradora de la vida, pero lo que hay es una sucesión de hermosas postales (Eric Gautier firma la fotografía) con muchachos guapos disfrutando del alcohol, las drogas y el sexo.
Algo que llama la atención, de manera positiva, es el tratamiento de las escenas sexuales. Están filmadas con sensibilidad e interpretadas de manera honesta y atrevida; sorprende ver a Kristen Stewart desnuda en varias ocasiones o protagonizando una morbosa escena de masturbación doble (a lo "Novecento"), no creo que muchas actrices con su edad y su estatus aceptaran cruzar ese umbral. Sam Riley no me convence como Sal/Jack, está algo desconectado y posa demasiado, pero tampoco le ayuda la puesta en escena Salles, poco inspirado reflejando la labor creativa del escritor (mejor tratada en la adaptación de "El almuerzo desnudo", otro clásico "beat" llevado al cine por Cronenberg). Garrett Hedlund fue otra buena decisión de casting, su interpretación es entregada y auténtica, nada que ver con su papel en la hueca "Tron: Legacy". Terrence Howard, Kirsten Dunst, Amy Adams, Steve Buscemi (tiene una de esas escenas que se quedan grabadas), Alice Braga y Viggo Mortensen (en la piel de William S. Burroughs) se dejan ver brevemente por la pantalla, enriqueciendo con su presencia y talento una película con mucho esfuerzo y muy buenas intenciones, pero carente de coraje e ingenio. No logra su objetivo y no se merece estar en el palmarés.
"Holy Motors"
El nuevo trabajo de Leos Carax es totalmente diferente a "On the Road". De hecho, no se parece a casi nada que yo recuerde, aunque me viene a la mente el cine más experimental de Takeshi Kitano, con ese humor del absurdo. Cuenta el realizador francés que "Holy Motors" nació como consecuencia del fracaso de varios proyectos, y es que su último largometraje, "Pola X", se estrenó hace ya trece años (también fue seleccionada para competir en Cannes). Al parecer, la producción de "Tokyo!", para la que dirigió un segmento (el personaje protagonista, señor Mierda, vuelve a aparecer aquí), le animó a realizar su quinto largometraje, que es una especie de cajón de sastre, una mezcla de ideas e imágenes de muy diversa índole. Hay, por ejemplo, una escena de sexo entre dos criaturas monstruosas animadas. Y no es lo más raro del film. No hay una trama corriente; un hombre, al que interpreta Denis Lavant, va participando en una serie de escenarios, sin aparente sentido ni orden, adoptando siempre una nueva identidad. La sensación de desconcierto se mantiene durante toda la película, que siempre gira hacia lo inesperado cuando uno cree que ya sabe lo que está pasando. Hay alguna pieza poco inspirada, y creo que sobra metraje, pero el conjunto es muy divertido y estimulante.
"Holy Motors" comienza con la imagen de un público dormido, o quizá muerto, en sus butacas. ¿Una crítica al acomodado espectador, una divertida amenaza, o simplemente algo sugerente y enigmático? Las preguntas solo acaban de empezar, y la mayoría no van a recibir respuesta, solo caben conjeturas, y la opción más acertada (pienso yo) es dejarse llevar sin buscar explicaciones, a ver qué pasa y qué se siente, qué queda. En la misma secuencia inicial, un prólogo, vemos al propio realizador en la pantalla, como un hombre que acaba de despertar en mitad de la noche y descubre una puerta escondida en la pared (una idea sacada de Kafka); al atravesarla, Carax llega a la sala que habíamos visto antes, con esos cuerpos desprovistos de vida. Tras esta misteriosa apertura, con cierto sabor a David Lynch, se nos presenta a Oscar (Lavant) saliendo de casa para ir al trabajo. Sube a una limusina y su chófer/secretaria le comunica que tiene programadas nueve citas. Ha leído informes y hablado con alguien por teléfono sobre cifras, y da la impresión de tener mucho dinero, así que la sorpresa es mayúscula cuando Oscar sale del vehículo disfrazado como un anciano mendigo, pidiendo monedas en la calle. Hasta once personas diferentes serán encarnadas por Oscar.
Uno de los escenarios es un oscuro estudio de grabación donde Oscar da vida a un actor al que capturan sus movimientos. En un momento dado, dispara a una pantalla verde subido a una cinta de correr cuya velocidad va en aumento. Carax ha comparado esta escena con esa famosa de "Tiempos modernos" en la que Chaplin queda atrapado entre los engranajes de la maquinaria que opera. Solo que la enorme maquinaria ha ido dejando paso a lo virtual, donde igualmente el trabajador puede quedar enredado y alienado. Según el autor, las grandes máquinas (como esa limusina/camerino donde se originan las transformaciones del protagonista) no son las únicas que están siendo sustituidas, también los seres humanos (nuestras emociones, nuestras relaciones) y los animales; a estas entidades se refiere con el título de "Holy Motors" ("motores sagrados"). Nos pregunta quién es y dónde queda el hogar del hombre (¿dentro del ordenador?, plantea Carax en una entrevista). Temas como la identidad, la vida, el arte y la fantasía (aquí entraría el cine) son tratados en esta singular y valiente película, con un protagonista que no sabría decir si es un alma, un intérprete o simplemente alguien que muestra un abanico de posibles alter egos. Quizá valga cualquier interpretación.
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