Interesante, Gore Verbinski dirigirá Pyongyang - 03/02/2013 18:08:36
" La franquicia cinematográfica de Piratas del Caribe siempre estará unida al nombre de Johnny Depp y Gore Verbinski. Todo indica que el primero volverá a dar vida a Jack Sparrow en la futura quinta entrega, pero el realizador de "El hombre del tiempo" ("The Weather Man", 2005) ya la abandonó tiempo atrás, primero para liderar la notable "Rango" (2011) y este próximo verano podremos ver su visión de "El llanero solitario" ("The Lone Ranger", 2013), pero sigue empeñado en huir de todo posible encasillamiento, ya que ha aceptado tomar las riendas de "Pyongyang".Estamos ante lo que supondrá la adaptación cinematográfica del cómic de título homónimo de Guy Delisle, un técnico de animación canadiense. Delisle narra en él su experiencia en la capital Corea del Norte cuando fue contactado para llevar a cabo una colaboración con el principal estudio de animación del país. El cómic es una acertada mezcla de retrato social, humor y no pocas referencias a "1984", esa obra maestra de la literatura escrita por George Orwell.
El cómic de Delisle ha sido adaptado para la ocasión por Steve Conrad, que ya había colaborado con anterioridad con Verbinski en la ya mencionada "El hombre del tiempo", pero también es el responsable de los libretos de otros títulos como "En busca de la felicidad" ("The Pursuit of Happiness", Gabriele Muccino, 2006). Veo con muy buenos ojos este regreso de Verbinski a producciones más pequeñas, pero lo que sí os recomendaría es leeros el cómic original de Delisle, ya que merece mucho la pena y sería una pena dejarlo de lado por el mero hecho de que se va a convertir en una película.
Vía | Deadline
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Es Noticia, Duncan Jones dirigirá la película de World of Warcraft - 30/01/2013 23:18:27
" Seguimos con los fichajes de directores para alguno de los títulos más potentes de los próximos años, ya que si hace unos días se confirmaba que J.J. Abrams va a encargarse de "Star Wars: Episodio VII", hoy la noticia de última hora es que Duncan Jones ha sido el realizador elegido para llevar a la gran pantalla "World of Warcraft", el famoso videojuego que cuenta con millones de seguidores a lo largo de todo el planeta.Otra coincidencia entre ambos proyectos es que está previsto que su estreno tenga lugar a lo largo de 2015, pero parece que será "Warcraft" el primero en rodarse. Más complicado resulta daros un posible argumento para esta adaptación cinematográfica del célebre videojuego de Blizzard, ya que se trata de un universo enorme con tantas tipologías de personaje que la única gran duda es cómo enfocarán el hecho de que todo está dividido en dos facciones: La Horda y La Alianza. Lo que es seguro es que no faltarán las quejas sobre la forma de abordar la historia, ya que el fanatismo de no pocos de sus seguidores se sale de toda escala.
Duncan Jones prosigue así con una muy interesante carrera en el cine de ciencia ficción. Comenzó con la notable "Moon" (2009), con la cual ya consiguió evitar toda fama de enchufado por ser el hijo de David Bowie, dando el salto después a una propuesta más comercial con la muy disfrutable "Código fuente" ("Source Code", 2011). Se ve que sus méritos no han pasado desapercibidos para Legendary Pictures, la productora detrás de esta versión cinematográfica en imagen real de "World of Warcraft". Yo he de reconocer que nunca llegué a jugar al videojuego original , yo era más del "Diablo 2", la verdad- , por lo que no tengo muy claro qué esperar de esta película, pero la presencia de Jones tras las cámaras es más que suficiente para que puedan contar con mi entrada, ¿os pasa lo mismo?
Vía | Hollywood Reporter
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Interesante, Elena, la auténtica familia - 05/12/2012 7:49:19
" Se acercan las navidades e inevitablemente uno echa la vista atrás en busca de los títulos más destacados, esos que para bien o para mal han dejado su huella en la cosecha cinematográfica de 2012. Hoy os voy a hablar de una de las mejores películas que he visto a lo largo de este año y de las menos indicadas para ver en familia, "Elena" (Andrey Zvyagintsev, 2011), estrenada en los cines españoles el pasado 20 de julio."Elena" es uno de esos trabajos de sello europeo que van acumulando galardones premio del jurado (sección "Un certain regard") en Cannes 2011, mejor actriz en el festival europeo de Sevilla… y buenas críticas, y cuando por fin llegan a las carteleras, con escasa publicidad y pocas copias, son eclipsadas por novedades con mayor gancho comercial. No pretendo decir que con más anuncios en prensa o televisión y una mayor presencia en salas este film ruso habría conseguido entrar en el top 10 de la taquilla, pero tengo la sensación de que las distribuidoras son demasiado conformistas y cobardes, no confían en el público y lo dividen en grupos que alimentan según su propia (y equivocada) clasificación. Sí, "Elena" es un relato difícil, incómodo, seco, pero también lúcido, emocionante y (a pesar de la cruda realidad que muestra) hermoso; no dejará a nadie indiferente.
La historia parte de un guion escrito por el director junto a Oleg Negin, quien empezó a elaborar la trama a raíz de un caso auténtico, las amargas sospechas sobre la verdadera causa de la muerte de un familiar. Cuenta Zvyagintsev que le interesaba plasmar cómo el dinero transforma al ser humano así como el deseo de supervivencia a toda costa. Y abarca estos temas con sutileza y precisión, sin cargar las tintas ni forzar el relato, logrando dar la sensación de estar observando el comportamiento de sujetos auténticos que han accedido a ser grabados por un respetuoso documentalista. Los escasos y elegantes movimientos de cámara así como unas tomas de larga duración capturan los pequeños detalles que hacen creíbles la "realidad" de los personajes y su entorno.
Es muy significativa la secuencia inicial. En la primera escena la cámara permanece inmóvil solo hay un ligero cambio de enfoque y el espectador busca el elemento de interés: ¿las ramas?, ¿el cuervo?, ¿la casa? La luz del Sol entra en el encuadre, está amaneciendo, y entonces Zvyagintsev te introduce en el apartamento. Por el espacio y la decoración uno deduce que la vivienda pertenece a gente adinerada. Sin embargo, la primera persona que vemos no encaja en ese escenario. El dormitorio, el aspecto y la actitud de Elena (Nadezhda Markina) son más propios de una empleada del hogar. Cuando acude a despertar a Vladimir (Andrey Smirnov) y le prepara el desayuno, las piezas empiezan a encajar… No se explica nada, el espectador debe obtener la información sobre los personajes y los conflictos mientras transcurre la acción. Y durante el proceso, cada uno interpretará los hechos desde su punto de vista.
Puede que la puesta en escena asuste a un determinado público acostumbrado a la velocidad y la sobredosis de información del cine norteamericano pero es absolutamente coherente con la narración y fundamental para crear la ilusión, para dar vida a los personajes y mantener al espectador pendiente de cada plano, de cada gesto y cada frase. Vladimir y Elena están casados y cada uno tiene un hijo de un matrimonio anterior; pero no forman una familia, Vladimir y su hija van por un lado y Elena con su hijo, nuera y dos nietos van por otro. Cuando surge un problema económico en la rama familiar de ella, el marido subraya los límites de la relación fijados por él (que tiene el dinero, el poder) de manera fría y "razonable" y aconseja a Elena que sea más severa con su vástago. Ella pone entonces sobre la mesa la relación de Vladimir con su hija y éste zanja el asunto negándose a discutir. Pero la preocupación sigue ahí…
Aunque la película tiene lugar en Rusia, y Zvyagintsev nos muestra las tripas de su país, lo esencial es el descarnado y certero retrato de las relaciones humanas y familiares y de cómo el dinero lo cambia todo. De igual modo, el cineasta ruso plantea interesantes cuestiones sobre la educación, el entorno, la crisis económica, la moralidad, la culpa e incluso el futuro del ser humano. Allí, aquí y en cualquier parte, porque en esencia no somos tan diferentes. Se le puede achacar cierta parsimonia quizá podría el realizador haber agilizado determinados tramos, como hace en la extraordinaria secuencia de la pelea callejera pero la formidable labor de creación de personajes, la exquisita puesta en escena apoyada en los impecables trabajos de fotografía (Mikhail Krichman) y acompañamiento musical (Philip Glass) y la lucidez en la exposición del amplio abanico temático convierten el film en una experiencia fascinante.
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Es Noticia, Especial Walter Hill en Blogdecine - 23/10/2012 12:20:10
" Para el 2013 uno de los platos más esperados por un servidor en la oferta cinematográfica que nos depara el año, es "Bullet to the Head", el regreso de Walter Hill al cine de acción después de cierta inactividad en los últimos años, en los que destaca su labor en la impresionante "Deadwood" de la HBO, y atendiendo a sus labores de producción en productos como la inefable "Prometheus" (id, Ridley Scott, 2012).Mientras esperamos con ganas el film protagonizado por Sylvester Stallone, quien parece estar viviendo una segunda juventud, y dada la cantidad de veces que vosotros los lectores citáis a Hill cuando hablamos de buen cine de acción, apelando a otro tiempo pasado que, como en otras muchas ocasiones, fue indudablemente mejor, en Blogdecine hemos decidido dedicar un especial a tan significativo director, un poco olvidado últimamente. Repasaremos su labor como director, la cual empezó en 1975 con un producto al servicio de Charles Bronson, "El luchador" ("Hard Times"), tras haber escrito libretos para Sam Peckipnah y John Huston nada menos.
Heredero director de realizadores como el citado Peckinpah, en su cine puede entreverse su influencia de otros directores como el siempre presente Sergio Leone probablemente el realizador más influyente en aquellos años, que supuso en cierto modo una guía para muchos directores surgidos en los 70 o el aún más europeo Jean-Pierre Melville. Aunque su filmografía presenta algún despropósito, indigno de Hill, cabe señalar que la misma está llena de películas, algunas de ellas muy poderosas, con personajes casi siempre abocados al límite de sus existencias. Algunos de los títulos más significativos de esa época tan dudosa como los ochenta llevan la firma de Hill, un director que haciendo gala de una perfecta asimilación en sus influencias, tenía y espero que aún tenga lo que muchos realizadores actuales no tienen: cojones.
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Noticia, El caballero oscuro: La leyenda renace, espectacular, irregular y decepcionante final de la trilogía - 18/07/2012 9:09:57
" Los desenlaces de las sagas cinematográficas suelen provocar una sensación contradictoria; por un lado hay una gran curiosidad por saber cómo acaba todo, pero en el fondo no es una idea agradable, uno sabe que echará de menos a esos personajes, la expectativa y el debate sobre futuros acontecimientos, otro título en el horizonte. El año pasado tocó decir adiós a Harry Potter (en mi opinión, un final digno) y el próximo fin de semana nos llega la conclusión de la trilogía sobre Batman de Christopher Nolan. Como ya hiciera con la franquicia del joven mago, Warner Bros. ha conseguido convertir el estreno de "El caballero oscuro: La leyenda renace" ("The Dark Knight Rises") en todo un acontecimiento, en un evento imprescindible, se dice que superará las cifras de taquilla de "Los Vengadores" ("The Avengers"), el mayor éxito de este año. Es posible, pero lo importante era cerrar la historia del caballero oscuro de manera impecable, y Nolan no ha sido capaz.Podéis seguir leyendo con tranquilidad, como todavía no se ha estrenado, no hay spoilers en la crítica.
En todo caso, deje satisfecho o no el final, consiga o no superar el récord del (en cierto modo milagroso) film de Joss Whedon, hay que reconocer el mérito del trabajo realizado por Nolan, que ya en su ópera prima ("Following") parecía dejar patente el sueño de dirigir una película sobre Batman. El realizador nacido en Londres tomó el mando de una franquicia de gran potencial que se encontraba moribunda; erigida por Tim Burton (de quien Nolan ha robado ideas e imágenes) en 1989 y hundida ocho años después por Joel Schumacher, quien llegó a pedir perdón por "Batman & Robin". Con "Batman Begins", Nolan resucitó al personaje creado por Bob Kane en 1939, presentando la génesis del hombre murciélago, los cimientos sobre los que construyó "El caballero oscuro" ("The Dark Knight"), más grande y mejor valorada por público y crítica, hasta el punto de ser considerada la mejor película de cómics y de superhéroes filmada hasta el momento ("El protegido", o "Unbreakable", sigue siendo mi favorita).
Por lógica, la siguiente película de Batman debía ser aún mayor, y siendo la última (tanto el director como Christian Bale así lo manifestaron en repetidas ocasiones antes del rodaje), también la más dramática. Un reto complicado pero no había motivos para desconfiar de Nolan. Tras ver la entrega final, "El caballero oscuro: La leyenda renace", me queda la sensación de que es la mejor película que el realizador ha podido hacer en este momento. Quizá no había otra salida (imagino que Warner/DC habrá presionado, no solo por dinero, tienen en marcha "La Liga de la Justicia") o puede que él tampoco quisiera demorarlo más (para poder pasar página y comenzar otra etapa en su carrera), pero creo que habría sido mejor esperar, lo que fuera necesario, hasta tener la mejor historia para culminar el viaje de Bruce Wayne/Batman iniciado en 2005. Lo que presenta Nolan es una película por debajo de sus posibilidades. No solo es peor que "El caballero oscuro", también es inferior a "Batman Begins".
Escrita por el cineasta y su hermano Jonathan Nolan, "El caballero oscuro: La leyenda renace" arranca ocho años después de la resolución de "El caballero oscuro". Tal como acordaron Batman y el comisario Gordon, la versión oficial es que el justiciero enmascarado mató a Harvey Dent, quien nunca fue el criminal conocido como Dos Caras sino un hombre valiente y honrado que dio su vida por la justicia cuando la ciudad estaba aterrorizada por el Joker. Son tiempos de paz, aparentemente, sin el "asesino" de Batman merodeando por las calles. Todo cambia cuando aparece un tal Bane, otro enmascarado, un peligroso líder terrorista que ha surgido de la nada. A través de una habilidosa y escurridiza ladrona llamada Selina Kyle, Batman encuentra a Bane y descubre con horror un elaborado y despiadado plan para volver a sembrar el caos en Gotham… ¿Podrá derrotar a este poderoso enemigo y salvar la ciudad, siendo un fugitivo perseguido por la policía?
El punto de partida da mucho juego y Nolan no decepciona; saca partido de su experiencia tanto en "El caballero oscuro" como en "Origen" ("Inception") para presentar al público algunas de las secuencias más impresionantes del cine comercial moderno. No es tan impactante como la del Joker pero la presentación de Bane es muy efectiva y le deja a uno clavado a la butaca. Tom Hardy, como ya hiciera Heath Ledger, saca el máximo partido al diseño del personaje (incluyendo también una extraña y característica voz) y compone un excelente villano, imponente. Mi mayor temor era Selina, alias Catwoman (aunque en el film nunca la llaman así), no me imaginaba a Anne Hathaway siguiendo los pasos de Michelle Pfeiffer; el acierto ha sido crear a una mujer muy alejada de la que vimos en "Batman vuelve" ("Batman Returns") y la actriz realiza un estupendo trabajo. Siempre se ha dicho que a Nolan no se le dan bien los personajes femeninos, y aquí la balanza queda equilibrada con el lamentable papel de Marion Cotillard, uno de los mayores puntos débiles de la película, en la que el realizador cae en el error de rizar el rizo, de forzar las cosas buscando el doble salto mortal. Y ha tropezado.
Nada que objetar a las interpretaciones de Bale, Gary Oldman, Morgan Freeman, Michael Caine (en TODAS sus escenas buscando la lágrima desesperadamente) o Joseph Gordon-Levitt (con un personaje que dará mucho que hablar). Lo cierto es que la trilogía ha contado con un reparto sensacional y salvo contadas excepciones todos los actores han cumplido de sobra con lo que se les pedía; aparte de un par de cameos estelares, cabe destacar la breve participación en "El caballero oscuro: La leyenda renace" de intérpretes tan aprovechables como Aidan Gillen (Little Finger en "Juego de tronos"), Matthew Modine, Juno Temple o Ben Mendelsohn. Nolan debe mucho a los actores y a la música de Hans Zimmer, que usa de manera incansable (hay momentos donde entorpece las conversaciones) para dotar de épica a una historia que queda dividida a partir del primer enfrentamiento entre Bane y Batman, lo más salvaje que hay en toda la trilogía. Lo que sucede luego nunca es tan interesante como se pretende.
No me agrada escribirlo, no quiero contribuir a la creciente ola de absurda hostilidad contra el talento del director, pero Nolan parece haber agotado todos sus recursos, como si hubiera llegado al límite con la anterior entrega y aquí simplemente estuviera obligado a saldar una deuda, no tanto con la Warner sino con el público, con los fans. Ha montado un apabullante espectáculo (saca partido a 250 millones de dólares de presupuesto) donde reúne todas las ideas visuales y narrativas que tuvieron éxito en sus últimos trabajos, como diciendo "esto es todo lo que sé hacer, disfrutadlo". No ha podido (o no ha querido por falta de motivación) dar ese paso más que cabía esperar. El resultado es muy irregular, se alternan tramos extraordinarios, que emocionan y dejan sin aliento, con otros muy torpes y aburridos (los discursos de Bane en el estadio o frente a las cámaras son escandalosamente blandos). Falta ingenio, auténtica tragedia y una satisfactoria catarsis en el tramo final de la película, a la que le sobran casualidades, "sorpresas" de última hora y explicaciones (las escenas de Alfred en la terraza del bar es bochornosa), quizá necesarias para enganchar al mayor número posible de espectadores. De nuevo, el maldito negocio.
En Blogdecine: Especial Christopher Nolan
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Interesante, Hideo Nakata dirigirá la película de El bosque de los suicidas - 17/06/2012 7:40:50
" Parece que estos días están llegando unas cuantas buenas noticias para el cine de terror, ya que, por ejemplo, hace nada que pudimos ver el muy apreciable tráiler de "Sinister", la nueva película del realizador de "El exorcismo de Emily Rose", y casi en paralelo surgió la noticia de que Hideo Nakata, director de varias joyas del cine de terror asiático como "The Ring" o "Dark Water" (ambas cuentan con inferiores, aunque no insultantes, remakes americanos), va a ser el encargado de poner en imágenes la adaptación de "El bosque de los suicidas" ("The Suicide Forest", un reputado cómic de terror.Para los que no lo sepáis, "El bosque de los suicidas" es un cómic escrito por El Torres y dibujado por Gabriel Hernández que cuenta la siguiente historia: Aokigahara es un bosque situado a las afueras de Tokyo que cuenta con el privilegio de ser el lugar del mundo con una mayor tasa de suicidios. Las leyendas cuentan que los espíritus de los que allí se suicidaron aún deambulan por el lugar. La acción nos presenta a Alan, un americano que está inmerso en una relación poco sana con una chica, y el guardabosques el lugar que es el encargado de retirar los cuerpos de las personas que se quitaron la vida allí. Los destinos de ambos se entrecruzan y puede que los espíritus con sed vengativa tengan algo que decir sobre el futuro de ambos.
Por ahora, no se ha fijado un objetivo de en qué año nos llegará, algo a lo que seguro que ayuda mucho el hecho de que aún estén buscando a un guionista que se encargue de adaptar la obra original. Lo que sí se sabe es que será una adaptación en imagen real y que será un coproducción entre Taka Ichise y Roy Lee. Quizá estos nombres no os digan nada, pero seguro que la confianza sube un poco si os comento que entre los trabajos de Lee podemos encontrar cintas como "Infiltrados", la maravillosa película de Martin Scorsese que remakeaba a la asiática "Infernal Affairs", o la excepcional "Cómo entrenar a tu dragón". Entre sus futuros proyectos también encontramos la adaptación cinematográfica de "It" de la que ya os hablé recientemente.
Vía | Collider y Zona Fandom
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Que opina usted? Cannes 2012 | On the Road se queda en una bonita superficie, Holy Motors es una estimulante rareza - 23/05/2012 15:32:46
" Si ayer fue el día de Brad Pitt, hoy lo ha sido de Kristen Stewart. La estrella de la saga "Crepúsculo", para algunos una prometedora actriz (yo la encuentro bastante limitada aunque es joven y valiente, puede mejorar), es una de las protagonistas de "On the Road", lo nuevo de Walter Salles y uno de los 22 títulos que compiten este año por la Palma de Oro. La han acompañado el director y otros famosos compañeros de reparto, como Viggo Mortensen, pero la chica ha sido la más buscada por los medios en esta octava jornada del festival de Cannes. Otra visita que ha despertado mucha expectación ha sido la de la cantante Kylie Minogue, que tiene un breve papel en "Holy Motors", el último trabajo de Leos Carax, también en la sección oficial."On the Road"
Una de las películas más esperadas de la 65ª edición del festival (que me está pareciendo más flojo que el año pasado) era la adaptación largamente gestada de la obra cumbre de la Generación Beat, "On the Road", escrita por Jack Kerouac y editada en España bajo el título de "En el camino". Francis Ford Coppola y su hijo Roman figuran entre los productores del film, dirigido por Salles a partir de un guion de Jose Rivera; Gustavo Santaolalla pone la música y el reparto es espectacular (aunque algunos actores tienen poca participación). La historia gira en torno a Sal Paradise (seudónimo de Kerouac), un joven neoyorquino aspirante a escritor que tras la muerte de su padre conoce al impulsivo y carismático Dean Moriarty (en realidad, Neal Cassady). Juntos emprenderán un viaje en busca de libertad, diversión y experiencia que cambiará sus vidas, y que Sal usará como base para su primer libro. 55 años después de su publicación, nos llega la versión cinematográfica del influyente texto; por las reacciones del pase de prensa y lo que he estado oyendo por aquí, en el Palais, la sensación general es de decepción. Personalmente no me he llevado ningún chasco, es un relato muy cuidado visualmente, entretenido en su mayor parte y con buenas interpretaciones. No esperaba otra cosa viniendo del realizador brasileño.
Salles se confiesa como un gran admirador del libro "On the Road" y ha tratado de ser lo más fiel posible, buscando las localizaciones auténticas e incluyendo líneas escritas por Kerouac tanto con voz en off como escritas en la pantalla. El resultado es una adaptación plana y superficial, que no se adentra en las emociones y el punto de vista poético de las vivencias de Sal. No explotar la imagen, no busca metáforas, opta por lo fácil, agarrarse al texto. Así que cuenta lo que ocurre, expone lo exterior, y lo hace con delicadeza y corrección, pero no consigue plasmar el espíritu, el interior. La más humilde "Howl" triunfaba donde esta fracasa. También tropieza el director con el ritmo de la película, haciéndose difícil de seguir con interés todo el último tramo. En parte es culpa de su desacierto con el punto de vista, enfoca a demasiados personajes y le queda una narración fragmentada, descompensada, en lugar de mantenerse cerca del protagonista, pegarse a su mirada y su modo de captar el mundo. Se trataba, creo yo, de poner en imágenes las intensas experiencias y reflexiones de un individuo, una visión inspiradora de la vida, pero lo que hay es una sucesión de hermosas postales (Eric Gautier firma la fotografía) con muchachos guapos disfrutando del alcohol, las drogas y el sexo.
Algo que llama la atención, de manera positiva, es el tratamiento de las escenas sexuales. Están filmadas con sensibilidad e interpretadas de manera honesta y atrevida; sorprende ver a Kristen Stewart desnuda en varias ocasiones o protagonizando una morbosa escena de masturbación doble (a lo "Novecento"), no creo que muchas actrices con su edad y su estatus aceptaran cruzar ese umbral. Sam Riley no me convence como Sal/Jack, está algo desconectado y posa demasiado, pero tampoco le ayuda la puesta en escena Salles, poco inspirado reflejando la labor creativa del escritor (mejor tratada en la adaptación de "El almuerzo desnudo", otro clásico "beat" llevado al cine por Cronenberg). Garrett Hedlund fue otra buena decisión de casting, su interpretación es entregada y auténtica, nada que ver con su papel en la hueca "Tron: Legacy". Terrence Howard, Kirsten Dunst, Amy Adams, Steve Buscemi (tiene una de esas escenas que se quedan grabadas), Alice Braga y Viggo Mortensen (en la piel de William S. Burroughs) se dejan ver brevemente por la pantalla, enriqueciendo con su presencia y talento una película con mucho esfuerzo y muy buenas intenciones, pero carente de coraje e ingenio. No logra su objetivo y no se merece estar en el palmarés.
"Holy Motors"
El nuevo trabajo de Leos Carax es totalmente diferente a "On the Road". De hecho, no se parece a casi nada que yo recuerde, aunque me viene a la mente el cine más experimental de Takeshi Kitano, con ese humor del absurdo. Cuenta el realizador francés que "Holy Motors" nació como consecuencia del fracaso de varios proyectos, y es que su último largometraje, "Pola X", se estrenó hace ya trece años (también fue seleccionada para competir en Cannes). Al parecer, la producción de "Tokyo!", para la que dirigió un segmento (el personaje protagonista, señor Mierda, vuelve a aparecer aquí), le animó a realizar su quinto largometraje, que es una especie de cajón de sastre, una mezcla de ideas e imágenes de muy diversa índole. Hay, por ejemplo, una escena de sexo entre dos criaturas monstruosas animadas. Y no es lo más raro del film. No hay una trama corriente; un hombre, al que interpreta Denis Lavant, va participando en una serie de escenarios, sin aparente sentido ni orden, adoptando siempre una nueva identidad. La sensación de desconcierto se mantiene durante toda la película, que siempre gira hacia lo inesperado cuando uno cree que ya sabe lo que está pasando. Hay alguna pieza poco inspirada, y creo que sobra metraje, pero el conjunto es muy divertido y estimulante.
"Holy Motors" comienza con la imagen de un público dormido, o quizá muerto, en sus butacas. ¿Una crítica al acomodado espectador, una divertida amenaza, o simplemente algo sugerente y enigmático? Las preguntas solo acaban de empezar, y la mayoría no van a recibir respuesta, solo caben conjeturas, y la opción más acertada (pienso yo) es dejarse llevar sin buscar explicaciones, a ver qué pasa y qué se siente, qué queda. En la misma secuencia inicial, un prólogo, vemos al propio realizador en la pantalla, como un hombre que acaba de despertar en mitad de la noche y descubre una puerta escondida en la pared (una idea sacada de Kafka); al atravesarla, Carax llega a la sala que habíamos visto antes, con esos cuerpos desprovistos de vida. Tras esta misteriosa apertura, con cierto sabor a David Lynch, se nos presenta a Oscar (Lavant) saliendo de casa para ir al trabajo. Sube a una limusina y su chófer/secretaria le comunica que tiene programadas nueve citas. Ha leído informes y hablado con alguien por teléfono sobre cifras, y da la impresión de tener mucho dinero, así que la sorpresa es mayúscula cuando Oscar sale del vehículo disfrazado como un anciano mendigo, pidiendo monedas en la calle. Hasta once personas diferentes serán encarnadas por Oscar.
Uno de los escenarios es un oscuro estudio de grabación donde Oscar da vida a un actor al que capturan sus movimientos. En un momento dado, dispara a una pantalla verde subido a una cinta de correr cuya velocidad va en aumento. Carax ha comparado esta escena con esa famosa de "Tiempos modernos" en la que Chaplin queda atrapado entre los engranajes de la maquinaria que opera. Solo que la enorme maquinaria ha ido dejando paso a lo virtual, donde igualmente el trabajador puede quedar enredado y alienado. Según el autor, las grandes máquinas (como esa limusina/camerino donde se originan las transformaciones del protagonista) no son las únicas que están siendo sustituidas, también los seres humanos (nuestras emociones, nuestras relaciones) y los animales; a estas entidades se refiere con el título de "Holy Motors" ("motores sagrados"). Nos pregunta quién es y dónde queda el hogar del hombre (¿dentro del ordenador?, plantea Carax en una entrevista). Temas como la identidad, la vida, el arte y la fantasía (aquí entraría el cine) son tratados en esta singular y valiente película, con un protagonista que no sabría decir si es un alma, un intérprete o simplemente alguien que muestra un abanico de posibles alter egos. Quizá valga cualquier interpretación.
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