Que opina? Añorando estrenos: Odio entre hermanos de Joseph L. Mankiewicz - 05/02/2013 02:32:26 a.m.
" Joseph L. Mankiewicz cometió durantes dos años seguidos una de esas proezas que rara vez se ven en los Oscars, ganar los premios a mejor guión y mejor director por "Carta a tres esposas" ("A Ltter to Three Wives", 1949) y "Eva al desnudo" ("All About Eve", 1950) esta, la película con más nominaciones en la historia, consiguió seis Oscars, entre ellos mejor película, siendo nominado además por el guión de "Un rayo de luz" ("No Way Out", 1950). Todo un logro que curiosamente está redondeado con una de las típicas injusticias de la Academia, no haberle nominado por su labor en "Odio entre hermanos" ("House of Strangers", 1949), magistral obra que suele quedar injustamente en un segundo plano cuando se habla de la obra de Mankiewicz, pero que poco o nada tiene que envidiar al film protagonziado por Bette Davis y sí es superior a los otros dos films citados. Se trata curiosamente de un film que en estos momentos es más actual que nunca al retratar la figura del banquero como un usurero que se aprovecha de los demás.Basada en la novela de Jerome Weidman, en el guión está acreditado el gran Philip Yordan el escritor de films tan apasionantes como "Johnny Guitar" (id, Nicholas Ray, 1954), "Agente especial" ("The Big Combo", Joseph H. Lewis, 1955) o "El hombre de Laramie" ("The Man From laramie", Anthony Mann, 1955), pero Mankiewicz le ayudó creando unos excelentes diálogos, no pudiendo colocar su nombre en los títulos de crédito debido a una de esas estúpidas reglas del gremio de guionistas de Hollywood. Lo cierto es que el realizador natural de Pensylvannia debió estar acreditado por su genio lleno de rabia en un guión cuya crítica social es punzante. El realizador, que decía que Ernst Lubitsch le enseñó todo lo que no hay que hacer en una película, lo contextualiza en un drama familiar con resonancias Shakesperianas y bíblicas, y en el que no faltan elementos del Film Noir, en cuyo subgénero podríamos incluirla también.
(From here to the end, Spoilers) "Odio entre hermanos", título español algo efectista el original, "Casa de estraños", es mucho mejor, más sugerente da comienzo con la salida de la cárcel de Max Monetti Richard Conte, sin duda lo más flojo de la película, a quien vemos dirigirse a un banco del que pronto sabremos que su padre era el dueño. Una tensa escena con su hermanos, que intentan sobornarle, dará paso a un tétrico momento a solas con Max en la casa de la familia, ahora abandonada. Allí, a modo de flashback se nos narrará qué sucedió hasta llegar a ese momento, preámbulo de una venganza familiar. El primer cambio visible es el carácter de Max; si en los primeros minutos su rencor le convirte en alguien temible atención a la brillante frase de uno de sus hermanos cuando Max rechaza el dinero: "me preocupa alguien que tira un fajo de billetes a la basura", en este "inicio de la historia" le vemos como alguien alegre, vividor y que haría cualquier cosa por mantener a la familia unida.
La familia protagonista de "Odio entre hermanos" es una de esas familias italianas que emigraron a los Estados Unidos, donde poco a poco y con mucho esfuerzo, algo que es citado continuamente en la película por el patriarca, lograron un imperio. Gino Maretti (Edward G. Robinson) pasó de una barbería a crear un banco en el que concede préstamos sin aval y luego cobra unos intereses desproporcionados, de lo cual Gino acumula su fortuna, mientras a sus propios hijos los tiene mal pagados. Pronto aparecerán los problemas el gobierno lleva a juicio a Gino y con ellos saldrá el verdadero carácter de cada uno. Mientras los hermanos de Max ven una oportunidad de salir de la tiranía de su padre, aquel se verá superado por la situación y por el amor que un hijo debe a su padre acabará en la cárcel donde germinará una profunda semilla de venganza. El odio que sólo engendra odio. El hermano enfrentado al hermano y al padre. Y un crescendo dramático de los que hacen historia.
No cabe la menor duda de que la interpretación de Edward G. Robinson es uno de los elementos fuertes del film. Con una controlada intensidad el actor logra que su Gino Maretti sea adorable y odioso al mismo tiempo. Baste fijarse en instantes como el de la mujer que va al banco a pedirle dinero y Gino se lo da con toda la amabilidad del mundo, o en cómo trata a su hijo predilecto, Max, al que considera el más listo de los cuatro hermanos, y compararlos con sus intervenciones en el juicio, donde parece mostrarse por encima de la ley, o en el que le pide a Max, ya encarcelado que le vengue de sus hermanos. Es tan poderoso el personaje de Gino que Mankiewicz se encarga de hacerlo si cabe más presente cuando aquel ya está muerto, y lo consigue con la presencia de un retrato de Gino que parece tener vida propia única y exclusivamente por el encuadre en el plano. Tanto en el prólogo como en el epílogo, y sobre todo en la secuencia del velatorio, Gino parece estar hablando. La fotografía, en magnífico blanco y negro, obra de Milton Krasner, acentúa la tensión de dichos instantes y oscurece el relato.
No falta en la película una historia de amor, la que Max vive con Irene Bennett, interpretada por Susan Hayward, personaje que flirtea con las femmes fatales del cine negro, y cuya presencia supone la tabla de náufrago de Max. Los diálogos entre ambos son una muestra más del genio de Mankiewicz con la palabra, los mismos no dejan títere con cabeza en el sempiterno tema de las relaciones entre hombres y mujeres, y termina de redondear una película fascinante y llena de fuerza. Tan sólo cinco años después Hollywood lanzaría un remake de "Odio entre hermanos" en clave de western. Su título, "Lanza rota" ("Broken Lance", Edward Dmytryk, 1954), con una ironía sangrante, el guión, mucho más esquemático, ganaría el Oscar. De ella hablaremos en el ciclo del western.
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Información: Estrenos de cine | 25 de enero | El lado bueno de las bestias - 24/01/2013 05:57:17 p.m.
"Quedan aún varias semanas para que se anuncien los ganadores de los Oscar, pero este año se ha impuesto la cordura y es hoy 25 de enero cuando se estrenan en España los últimos títulos nominados como mejor película que quedaban por llegar a nuestro país. Es cierto que los focos se van a centrar en "El lado bueno de las cosas" ("Silver Linings Playbook", David O. Russell, 2012), pero también se lanza con mucho retraso , en Estados Unidos hasta está ya editada en dvd y blu-ray- "Bestias del sur salvaje" ("Beasts of the Southern Wild", Benh Zeitlin, 2012), aunque no dejéis cegaros por el glamour los premios, ya que hay otras seis películas para todos los gustos que llegan hoy a los cines de nuestro país."El lado bueno de las cosas"
Dirección: David O. Russell. Título original: Silver linings playbook. País: USA. Año: 2012. Duración: 122 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Bradley Cooper (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie). Guion: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick. Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012.
Sinopsis: El profesor Pat (Bradley Cooper) vuelve a casa con sus padres después de una estancia en una institución mental, e intenta reconciliarse con su ex mujer. Las cosas se vuelven más desafiantes cuando Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con sus propios problemas.
Crítica de la película: "El lado bueno de las cosas", en busca de la felicidad
"Bestias del sur salvaje"
Dirección: Benh Zeitlin. Título original: Beasts of the southern wild. País: USA. Año: 2012. Duración: 92 min. Género: Drama, fantasía. Interpretación: Quvenzhané Wallis (Hushpuppy), Dwight Henry (Wink), Levy Easterly (Jean), Lowell Landes (Walrus), Pamela Harper (Little Jo), Gina Montana (Miss Bathsheba), Amber Henry (LZA), Jonshel Alexander (Joy), Joseph Brown (Winston). Guion: Lucy Alibar y Benh Zeitlin; basado en la obra "Juicy and delicious", de Lucy Alibar. Producción: Michael Gottwald, Dan Janvey y Josh Penn. Música: Dan Romer y Benh Zeitlin. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Crockett Doob y Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Alex DiGerlando. Vestuario: Stephani Lewis. Distribuidora: Golem. Estreno en USA: 27 Junio 2012.
Sinopsis: La historia de "Bestias del sur salvaje" nos traslada a una olvidada y orgullosa comunidad, instalada en una zona pantanosa formada por los meandros del río Mississippi, apartada del mundo por un inmenso dique, donde la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga. Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua, y que el universo depende de que todo encaje a la perfección. Pero cuando una tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, su papá enferma de pronto, y Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas.
¿Qué podemos esperar? La gran sorpresa de las nominaciones de los Oscar que habrá que ver aunque sólo sea para comprobar si la lluvia de alabanzas que está recibiendo es merecida o no.
"El vuelo"
Dirección: Robert Zemeckis. Título original: Flight. País: USA. Año: 2012. Duración: 138 min. Género: Drama. Interpretación: Denzel Washington (Whip Whitaker), Kelly Reilly (Nicole Maggen), Don Cheadle (Hugh Lang), Bruce Greenwood (Charlie Anderson), Brian Geraghty (Ken Evans), Melissa Leo (Ellen Block), John Goodman (Harling Mays), Nadine Velazquez (Katerina), Tamara Tunie (Margaret Thomason), James Badge Dale, Garcelle Beauvais (Deana). Guion: John Gatins. Producción: Laurie MacDonald, Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey y Walter F. Parkes. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Montaje: Jeremiah O"Driscoll. Diseño de producción: Nelson Coates. Vestuario: Louise Frogley. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 2 Noviembre 2012.
Sinopsis: Whip Whitaker (Denzel Washington) es un experimentado piloto de avión que consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros de un vuelo. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre lo que sucedió exactamente.
¿Qué podemos esperar? El regreso de Zemeckis al cine de actores con carne y hueso tras muchos años centrado en la animación. Se habla muy bien de la secuencia del accidente del avión y de la actuación de Denzel Washington, pero hay opiniones muy enfrentadas sobre lo demás. Yo la veré lo antes que pueda.
"Movie 43"
Dirección: Elizabeth Banks, Steven Brill, Steve Carr, Rusty Cundieff, James Duffy, Griffin Dunne, Peter Farrelly, Patrik Forsberg, James Gunn, Bob Odenkirk, Brett Ratner, Jonathan van Tulleken. País: USA. Año: 2013. Duración: 97 min. Género: Comedia. Interpretación: Emma Stone (Veronica), Gerard Butler (duende), Hugh Jackman (Davis), Elizabeth Banks (Amy), Dennis Quaid (Charlie), Chloë Grace Moretz (Amanda), Kristen Bell (Supergirl), Anna Faris (Vanessa), Naomi Watts (Samantha), Kate Winslet (Beth), Uma Thurman (Lois Lane), Halle Berry (Emily), Josh Duhamel (Anson), Richard Gere (jefe), Kate Bosworth (Arlene), Chris Pratt (Jason), Jason Sudeikis (Batman), Kieran Culkin (Neil), Patrick Warburton (padre), Christopher Mintz-Plasse (Mikey), Justin Long (Robin), Liev Schreiber (Robert), Johnny Knoxville (Pete), Terrence Howard (entrenador), Aasif Mandvi (Robert), Leslie Bibb (Wonder Woman), Seann William Scott (Brian), Bobby Cannavale (Superman), Jimmy Bennett (Nathan), Greg Kinnear (Griffin). Guion: Will Carlough, Steve Baker, Patrik Forsberg, Matthew Alec Portenoy, Greg Pritikin, Rocky Russo, Jeremy Sosenko y Elizabeth Wright Shapiro. Producción: Ryan Kavanaugh, John Penotti, Charles B. Wessler y Peter Farrelly. Música: William Goodrum. Fotografía: Frank G. DeMarco, Steve Gainer, William Rexer y Tim Suhrstedt. Montaje: Jon Corn, Debra Chiate, Craig Herring, patrick J. Don Vito, Jason Macdonald, Sam Seig, Cara Silverman, Paul Zucker, Hakan Wärn y Sandy S. Solowitz. Diseño de producción: Tim Burgin, Toby Corbett, Russell Barnes, Robb Wilosn King y Arlan Jay Vetter. Vestuario: Roseanne Fiedler, Nancy Ceo, Sydney Maresca, Kerrie Kordowski, Salvador Pérez Jr. y Judianne Makovsky. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 25 Enero 2013.
Sinopsis: Película compuesta de sketches cómicos y un reparto plagado de estrellas. Los protagonistas son dos hermanos que buscan en internet la mítica "Movie 43", prohibida en casi todo el mundo.
¿Qué podemos esperar? Una comedia paródica con un reparto que quita el hipo. Lo más probable es que sea un completo desastre o que solamente alguna de sus historias sea realmente graciosa.
"La banda Picasso"
Dirección y guion: Fernando Colomo. País: España. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Comedia. Interpretación: Ignacio Mateos (Pablo Picasso), Pierre Bénézit (Guillaume Apollinaire), Lionel Abelanski (Max Jacob), Raphaëlle Agogué (Fernande Olivier), Jordi Vilches (Manolo Hugué), Louise Monot (Marie Laurencin), Stanley Weber (George Braque), Alexis Michalik (El Barón). Producción: Beatriz de la Gándara. Música: Juan Bardem. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: María Lara y Antonio Lara. Dirección artística: Patrice Vermette. Vestuario: Vicente Ruiz. Distribuidora: Alta Classics.
Sinopsis: París, 1911. La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos y enfrentados. Pablo recuerda cómo Guillaume le había presentado a un atlético joven a quien llaman El Barón y que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, "Las señoritas de Avignon". Pablo es español, Guillaume es polaco y El Barón es belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. "La banda Picasso" está basada en la historia real del robo de "La Gioconda" del Museo del Louvre en 1911; a raíz de aquel hecho, Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire fueron detenidos y acusados de cometer el delito.
¿Qué podemos esperar? Una comedieta española de escaso nivel que no sabrá desarrollar su simpática premisa.
"Coriolanus"
Dirección: Ralph Fiennes. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 123 min. Género: Drama. Interpretación: Ralph Fiennes (Cayo Marcio Coriolano), Gerard Butler (Tullus), Brian Cox (Menenius), Vanessa Redgrave (Volumnia), Jessica Chastain (Virgilia), James Nesbitt (Sicinius), Lubna Azabal (Tamora), Dragan Micanovic (Titus Lartius), John Kani (general Cominius). Guion: John Logan; basado en la obra de William Shakespeare. Producción: Ralph Fiennes, Gabrielle Tana, Julia Taylor-Stanley y Colin Vaines. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Barry Ackroyd. Montaje: Nicolas Gaster. Diseño de producción: Ricky Eyres. Vestuario: Bojana Nikitovic. Distribuidora: Emon. Estreno en Reino Unido: 20 Enero 2012.
Sinopsis: Coriolanus regresa a su patria como gran triunfador tras vencer a los invasores. Sin embargo, sus políticas le hacen impopular entre sus conciudadanos, que le condenan al exilio. Coriolanus, en un ataque de furia, se une a sus rivales para atacar a su país y se pone a las órdenes del que hasta ahora había sido su enemigo. Pero Coriolanus, ante su ciudad, dudará entre su orgullo y su patriotismo.
Crítica de la película: "Coriolanus", la caída de un guerrero
"El cuarteto"
Dirección: Dustin Hoffman. Título original: Quartet. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Maggie Smith (Jean Horton), Tom Courtenay (Reginald Paget), Billy Connolly (Wilf Bond), Pauline Collins (Cissy Robson), Michael Gambon (Cedric Livingston), Sheridan Smith (Dra. Lucy), Trevor Peacock (George), Michael Byrne (Frank White), Eline Powell (Angelique), Luke Newberry (Simon). Guion: Ronald Harwood, basado en su obra. Producción: Finola Dwyer y Stewart Mackinnon. Música: Dario Marianelli. Fotografía: John de Borman. Montaje: Barney Pilling. Diseño de producción: Andrew McAlpine.Vestuario: Odile Dicks-Mireaux. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en Reino Unido: 1 Enero 2013.
Sinopsis: La Casa Beecham es un hervidero. Circula el rumor de que esta residencia para músicos retirados pronto acogerá a un nuevo huésped. Y se dice que será alguien famoso. Para Reginald Paget (Tom Courtenay), Wilfred Bond (Billy Connolly) y Cecily Robson (Pauline Collins) es solo un cotilleo más. Cuando de repente ven entrar por la puerta a su ex compañera del cuarteto, Jena Horton (Maggie Smith), se quedan en estado de shock. Su carrera como solista, con el ego correspondiente que le acompañaba, acabó no sólo con su gran amistad, sino también con su matrimonio con Reggie, el cual se toma las nuevas noticias muy mal. ¿Puede el tiempo cerrar viejas heridas? ¿Podrá el famoso cuarteto solventar sus diferencias para la celebración de la gala en La Casa Beecham?
¿Qué podemos esperar? Una cinta en la que brillará su reparto mayoritariamente inglés, pero en la que no tengo demasiada fe más allá de ese punto. Una lástima que Dustin Hoffman se limite únicamente a su puesta en escena.
"Il villaggio di cartone"
Dirección y guion: Ermanno Olmi. País: Italia. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Drama. Interpretación: Michael Lonsdale (cura), Rutger Hauer (sacristán), Massimo De Francovich (doctor), Alessandro Haber, Irma Pino Viney (Magdahà), Fátima Alì (Fátima). Producción: Luigi Musini. Música: Sofia Gubaidulina. Fotografía: Fabio Olmi. Montaje: Paolo Cottignola. Diseño de producción: Giuseppe Pirrotta. Vestuario: Maurizio Millenotti. Distribuidora: Paco Poch Cinema. Estreno en Italia: 7 Octubre 2011.
Sinopsis Un anciano sacerdote (Michael Londsale) observa, con impotencia, la desacralización de su parroquia, que tiene que cerrar las puertas a causa de la ausencia de fieles y de las desavenencias con el sacristán. Todos los elementos de culto de la iglesia se retiran; incluso el gran crucifijo del altar. El párroco se resiste a abandonar lo que había sido su casa al mismo tiempo que experimenta una crisis de fe. Aquella misma noche, un grupo de inmigrantes clandestinos procedentes del norte de África se refugian dentro de la iglesia, ya desmantelada. El sacerdote decide concederles asilo y protegerles lo mejor que puede, prohibiendo la entrada a las fuerzas de seguridad. Totalmente dedicado al deber de solidaridad, el cura se entregará a los indigentes hasta agotar sus últimas fuerzas. Su vida, que hasta entonces reposaba en la palabra de Dios, toma una nueva dirección con el acto de la caridad. "Cuando la caridad es un riesgo, es el momento de la caridad", dirá. Descubre así el poder del bien más allá de la fe y el verdadero significado de la vida.
¿Qué podemos esperar? La película artística de la semana, con una marcada carga religiosa que, al menos para mí, , casi- siempre suele quitar atractivo a cualquier propuesta cinematográfica-
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Es Noticia, Clint Eastwood: Million Dollar Baby - 10/11/2012 01:52:23 p.m.
" Cuando Clint Eastwood parecía haber tocado de nuevo la cumbre de su carrera con "Mystic River" (id, 2003), hizo lo que nadie pensaba y parece sólo reservado a los grandes, seguir tocando la cumbre, manteniendo la coherencia de su mirada y al mismo tiempo evolucionando como artista. Si el film protagonizado por Sean Penn y Tim Robbins era un duro golpe del que es difícil reponerse con facilidad, la historia de Frankie y Maggie es capaz de llegar aún más adentro y revolver sin compasión lo que cada uno tenga en su interior. Una historia auténtica y sencilla en un momento en el que el séptimo arte está dominado por el consumismo y disfrutes inmediatos.El proyecto de "Million Dollar Baby" (id, Clint Eastwood, 2004) nació cuando Anjelica Huston leyó la novela de F.X. Toole "Rope Burns" y se la enseñó al productor Albert S. Ruddy con la esperanza de que se la ofreciera para dirigir. El paso del tiempo hizo que entrara en el proyecto Paul Haggis hubo muchos nombres que se barajaron en este proyecto, anotemos, Sandra Bullock, Arnold Schwarzengger, Isabel Coixet, Ashley Judd y Shekhar Kapur, entre otros quien mezcló hábilmente dos novelas de Toole mezclando personajes en un borrador que se le presentó a Clint Eastwood. Haggis también quería dirigirla, pero cuando Eastwood se vio involucrado quiso dirigirla e interpretarla, sorprendiendo a Haggis cuando acepta filmar el borrador y le pide colaboración para un futuro proyecto cierta película bélica producida por Steven Spielberg.
(From here to the end, Spoilers) "Million Dollar Baby" narra la historia de Frankie Dunn y Maggie Fitzgerald, el primero dueño de un gimnasio de mala muerte y que conoció tiempos mejores, al que acude la segunda persiguiendo un sueño: ser alguien en la vida boxeando. Esa línea podría resumir tranquilamente el esqueleto de la trama, en apariencia sencilla. Cualquiera podría esperarse una película más sobre boxeo, en la línea de los míticos títulos de la historia del cine y que no hace falta citar aquí. Pero Eastwood y Haggis van mucho más allá y utilizan el deporte como excusa para hablar de cosas mucho más profundas y que nos tocan más de cerca, sin obviar ni dejar de lado, y de forma muy inteligente, las razones por las que los personajes aman tanto el boxeo.
Frankie se negará en principio en entrenar a Maggie, no entrena chicas y ella ya tiene 31 años, una edad algo tardía para querer ser alguien en el boxeo. Pero tras el abandono de un chico al que estaba entrenando, y que huye de él para luchar por el título mundial, y ver como Maggie se esfuerza lo impensable, Frankie cambia de opinión y nace entre ellos una relación que se convertirá en lo más importante de sus vidas. Una relación en principio paterno filial, basada en el respeto y la admiración, y más tarde en el cariño. Incluso puede verse algo más atención a la expresión de Maggie cuando Frankie le insinúa en broma, o no, que él le propondrá matrimonio si nadie lo hace; o los besos que se dan, de una ternura exquisita y cada vez más cerca de la boca, pero como es costumbre en el cine de Eastwood, de forma muy sutil.
Si acaso es una historia de amor mucho más compleja que la narrada en su previa "Primavera en otoño" ("Breezy", 1973), donde un otoñal William Holden enamoraba a una jovencísima Kay Lenz. Maggie se empeña en perseguir a Frankie para que la entrene, el resto viene de la necesidad de ser amado, o querido, por alguien en esta vida perra. Frankie va a misa desde hace 23 años, sintiéndose culpable probablemente de la mala relación que tiene con una hija a la que escribe y jamás obtiene respuesta; y Maggie trabaja en un restaurante del que se lleva las sobras para ahorrar, mientras su familia la desprecia por dedicarse a algo que no debería (el boxeo). Dos seres solitarios que se encuentran en un especie de purgatorio, un gimnasio donde verán la oportunidad de limpiar juntos sus destrozadas almas. Y como colofón, todo ello narrado desde un punto de vista que se revela justo en el tramo final. Esa voz en off, que durante toda la película parece ser utilizada como el recurso de siempre, se descubre más tarde como una especie de epístola, una carta que el compañero de Frankie un maravilloso Morgan Freeman que se alzó con un Oscar por su trabajo, al lado de los premios a película, dirección y actriz principal escribe a la hija de aquel para contarle como era realmente su padre.
Para narrar su historia, Eastwood se poya en dos pilares fundamentales. Por un lado la fotografía, obra de Tom Stern, en el que quizá sea su mejor trabajo, y que una vez más en el cine de Eastwood, hace que sus personajes parezcan pertenecer a algún cuadro de Caravaggio, siempre ocultos entre sombras acorde con sus vidas, destrozadas hace ya tiempo, algunas de ellas con una última oportunidad de ser alguien, o de ayudar a alguien a serlo, y otras simplemente no. En ese aspecto "Million Dollar baby" es un film de contrastes, en el que las historias paralelas tan del gusto de Eastwood, cobran un mayor sentido al complementarse con el resto. Por otro lado, la cámara de Eastwood nunca ha estado tan bien utilizada, haciendo sutiles movimientos siguiendo a los personajes, y filmando a los mismos desde el ángulo perfecto o para querer decir algo. Cabe citar el momento en la gasolinera tras visitar a la madre de Maggie, y esta empieza a darse cuenta de que está sola en el mundo, de que solo le queda Frankie. Eastwood sitúa la cámara delante del parabrisas lleno de agua, la cual simula las lágrimas interiores de Maggie es una tipa dura, que no llorará tan fácilmente, Frankie limpia el agua. La metáfora no puede ser más clara. Lo que no podemos imaginarnos en ese momento es que limpiará sus lágrimas, su dolor, de una forma poco esperada.
"Million Dollar Baby" juega limpiamente con el espectador durante su primera hora y media. Es un drama sobre la familia perdida, es una película sobre boxeo, incluso a ratos una comedia las conversaciones entre Frankie y Scrap (Freeman) sobre calcetines son antológicas, y cuando presenciamos que Maggie va a cumplir su sueño hay que decir que las peleas en el ring están muy bien filmadas y que huyen de toda espectacularidad, tirando al realismo, el film nos da un derechazo, nunca mejor dicho, nos tumba y ya no nos levantamos. Lo que viene a continuación es literalmente insoportable del dolor que desprende excepcional la forma de prepararnos para ello, por un lado son varias las veces en las que Maggie demuestra no saber respirar, y el fatídico taburete, tantas veces enfocado hablar de la eutanasia sin trampas ni efectismos, ni moralinas de ningún tipo. El espectador, que bien podría ser Scrap, entiende las posturas de Maggie, cuando le pide a Frankie que la libere de ser un mero cuerpo apenas sin vida, y también la de Frankie, quien no pudo hacer nada para que su hija le escuchase y ahora no quiere deshacerse de Maggie.
La encrucijada final de Frankie en esos últimos instantes con una fotografía que se oscurece gradualmente cada vez más se debe a que es un católico convencido aunque una de sus diversiones es cabrear a su párroco con preguntas imposibles de contestar que sabe que si hace lo que Maggie le pide se perderá en un lugar aún más oscuro del que nunca saldrá, pero también comprende que lo que Maggie desea (morir) es totalmente coherente. Al fin y al cabo todos vamos a morir, no sabemos cuando, eso es lo que nos diferencia de Maggie, quien ha obtenido en su vida fama, dinero y que griten su nombre en realidad la expresión gaélica que lleva en su batín, y cuyo significado revelará Frankie en una amarga y bella secuencia, lo que siempre soñó. ¿Qué hay de malo en morir justo después de lograr lo que uno siempre ha amado? ¿Qué hay de malo en abandonar esta vida si no se vive dignamente? Maggie lo deja muy claro, y no somos quienes para juzgarla. Una vez más un personaje femenino en el cine de Eastwood que toma una decisión de lo más importante y que afectará poderosamente en los demás.
Todo lo que vemos en "Million Dollar baby" es el punto de vista de Scrap, ya sea por lo que él ha presenciado, o por lo que Frankie y Maggie le han contado. Esto cobra mucho significado en la escena de la visita de la familia de Maggie al hospital donde está ingresada. Atención a la cámara, desde el punto de vista de Frankie, enfoca las camisetas que llevan, recuerdos de parques de atracciones, y más tarde el intento de quedarse con el dinero de su hija en un artimaña de abogado que llegaría para odiar esa profesión. No es que la familia sea así, algo que se le criticó en el momento de su estreno como manipulación, es que Frankie los ve así. Scrap es como una especie de testigo de los hechos, alguien que no se atreve a juzgar a nadie, pero que es capaz de dar el mejor de los consejos a su mejor amigo en el momento que más lo necesita. Esa conversación final en los vestuarios del gimnasio, casi en oscuridad total, no deja lugar a dudas cuando Scrap le dice a Frankie que podría vivir muy tranquilo si Maggie muriese, pues sabría que alcanzó su sueño y él le ayudó a conseguirlo.
Scrap esperará por su amigo, al que vio irse del hospital después de hacer algo que no quería. Nunca más volverá a verle, y pensando sobre ello escribirá un carta a la hija de Frankie, porque pocos dolores hay en este mundo que se asemejen a que tu familia o tus seres más queridos no sepan como eres. Y mientras soñamos con el hecho de que la hija lea algún día las sentidas y emotivas palabras de Scrap, vemos, o mejor dicho percibimos, como Frankie permanece en algún lugar entre ninguna parte y el olvido.
Especial Clint Eastwood en Blogdecine:
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"Por un puñado de dólares"
"La muerte tenía un precio"
El final de la trilogía con Sergio Leone
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El encuentro con Don Siegel
"El desafío de las águilas"
"La leyenda de la ciudad sin nombre"
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El debut en la dirección
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"El jinete pálido"
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"Mystic River"
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Noticia, We Need to Talk About Kevin, ganadora en el BFI London Film Festival - 27/10/2011 12:03:06 a.m.
"Anoche se entregaron los premios del 55° BFI London Film Festival, es decir, la quincuagésimo quinta edición del Festival de Cine del British Film Institute en Londres, que había dado comienzo el día 12 de este mes en la capital británica y que se clausura esta tarde, con la proyección de "Deep Blue Sea", de Terence Davies, protagonizada por Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russell Beale. En una gala presentada por la actriz Gillian Anderson, se dieron a conocer las decisiones del jurado, presidido por John Madden, que eligió entre los 300 largos y cortometrajes llegados de 55 países.La ganadora fue la cinta "We Need to Talk About Kevin" ("tenemos que hablar de Kevin"), de Lynne Ramsay, de la que nos había hablado Juan Luis cuando la vio en Cannes, donde participó en competición por la palma de oro. Tilda Swinton y John C. Reilly protagonizan este drama, basado en la novela de Lionel Shriver, encarnando a los padres de un asesino adolescente, Kevin, a quien da vida Ezra Miller. Este film superó a otras ocho finalistas, incluyendo la película francesa muda "El artista", "Faust" de Aleksandr Sokurov, ganadora en Venecia, y "Shame" del director británico Steve McQueen.
El debut del realizador argentino Pablo Giorgelli, "Las acacias", fue galardonada con el Premio Sutherland al mejor primer largometraje. Esta cinta, interpretada por Germán de Silva y Hebe Duarte, también estuvo presente en el último Festival de Cannes, donde había obtenido la Cámara de Oro, premio a la mejor ópera prima del certamen. El film cuenta la historia de Rubén, un adusto camionero argentino que transporta acacias entre Asunción y Buenos Aires, y que durante un largo viaje al lado de una inmigrante paraguaya y su bebé, recobra sus ganas de vivir y su paternidad perdida.
Candese Reid, actriz de "Junkhearts", fue premiada como Revelación Británica. El Pemio Grierson al mejor documental recayó en "Into the Abyss: A Tale of Death", A Tale of Life, de Werner Herzog. Además, Ralph Fiennes y David Cronenberg fueron distinguidos por su trayectoria. Fiennes presentó "Coriolanus", su estreno como director, y Cronenberg su drama psicoanalítico "A Dangerous Method".
Vía | Terra.
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