Noticia, Estrenos de cine | 8 de febrero | Las ventajas del retorno del gánster - 07/02/2013 10:42:59 p.m.
" Esta semana los estrenos se marcan a golpe de metralleta y, es que después de un sonoro retraso, el gánster vuelve a la pantalla grande. Además de eso, contamos con géneros para todos los gustos, el terror de la mano de Jessica Chastain o el drama romántico de la nueva película de Emma Watson, entre otros. Que empiece el espectáculo."Gangster Squad"
Dirección: Ruben Fleischer. País: USA. Año: 2013. Duración: 113 min. Género: Thriller. Interpretación: Josh Brolin (sargento John O"Mara), Ryan Gosling (sargento Jerry Wooters), Sean Penn (Mickey Cohen), Nick Nolte (jefe Parker), Emma Stone (Grace Faraday), Anthony Mackie (agente Coleman Harris), Giovanni Ribisi (agente Conwell Keeler), Michael Peña (agente Navidad Ramirez), Robert Patrick (agente Max), Mireille Enos (Connie O"Mara). Guión: Will Beall, basado en el libro "Gangster squad", de Paul Lieberman. Producción: Dan Lin, Kevin McCormick y Michael Tadross. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Dion Beebe. Montaje: Alan Baumgarten y James Herbert. Diseño de producción: Maher Ahmad. Vestuario: Mary Zophres. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.
Sinopsis: Los Ángeles, 1949. El mafioso Mickey Cohen (Sean Penn) lleva la batuta en su ciudad, cosechando los sucios beneficios de las drogas, las armas, la prostitución y de todas las apuestas que se hagan al oeste de Chicago. Y todo esto lo hace bajo la protección no sólo de sus matones a sueldo, sino también de la policía y de los políticos bajo su control. Es suficiente como para intimidar incluso al policía más valiente y avezado, pero no al pequeño grupo secreto de los adjuntos al Departamento de Policía de Los Ángeles, encabezado por el sargento John O"Mara (Josh Brolin) y Jerry Wooters (Ryan Gosling), que aunaron sus fuerzas para intentar descuartizar el mundo de Cohen. "Gangster squad (Brigada de élite)" es el relato sobre los acontecimientos en torno a los esfuerzos del Departamento de Policía de Los Ángeles para recuperar su ciudad natal de las manos de uno de los mafiosos más peligrosos de todos los tiempos.
¿Qué podemos esperar? Uno de los estrenos más anticipados de la semana, que vio retrasado su estreno a causa de la masacre de Aurora del año pasado. Tiene como aliciente elementos que remiten al cine negro y un reparto en el que destacan Ryan Gosling, Josh Brolin, Nick Nolte, Sean Penn y Emma Stone. Habrá que ver el resultado final después de la demora del film y de su consiguiente polémica.
Todo sobre la película "Gangster Squad"
"Mamá"
Dirección: Andy Muschietti. Países: Canadá y España. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Terror. Interpretación: Jessica Chastain (Annabel), Nikolaj Coster-Waldau (Lucas), Megan Charpentier (Victoria), Isabelle Nélisse (Lilly), Daniel Kash (Dr. Dreyfuss), Javier Botet (mamá), Jane Moffat (Jean). Guión: Neil Cross, Andy Muschietti y Barbara Muschietti; basado en el cortometraje homónimo dirigido en 2008 por el mismo Andy Muschietti. Producción: J. Miles Dale y Barbara Muschietti. Producción ejecutiva: Guillermo del Toro. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Antonio Riestra. Montaje: Michele Conroy. Diseño de producción: Anastasia Masaro. Vestuario: Luis Sequeira. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.
Sinopsis: El día que su padre mató a su madre, las hermanas Victoria y Lilly desaparecieron en el bosque cercano a la urbanización donde vivían. Su tío Lucas y su novia Annabel las han buscado sin cesar durante cinco años. Cuando ocurre lo imposible y las niñas aparecen en una cabaña medio derruida, la pareja empieza a preguntarse si no ha llegado alguien más a su casa acompañando a las niñas. Annabel intenta ofrecer una vida normal a las niñas, pero acaba convencida de que hay una presencia malévola en la casa. ¿Sufren las hermanas de estrés traumático o viene un fantasma a visitarlas? Mientras intenta contestar a estas inquietantes preguntas, la nueva madre acabará descubriendo que los susurros que se oyen a la hora de dormir proceden de los labios de una presencia letal.
Crítica en Blogdecine: Mamá, las niñas de sus ojos
Todo sobre la película "Mamá"
"Las ventajas de ser un marginado"
Título original: The perks of being a wallflower. Dirección: Stephen Chbosky. País: USA. Año: 2012. Duración: 102 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Logan Lerman (Charlie), Emma Watson (Sam), Ezra Miller (Patrick), Paul Rudd (Sr. Anderson), Mae Whitman (Mary Elizabeh), Kate Walsh (madre), Dylan McDermott (padre), Nina Dobrev (Candace), Joan Cusack (Dra. Burton), Johnny Simons (Brad), Melanie Lynskey (tía Helen). Guión: Stephen Chbosky; basado en su novela "Somos infinitos". Producción: John Malkovich, Lianne Halfon y Russell Smith. Música: Michael Brook. Fotografía: Andrew Dunn. Montaje: Mary Jo Markey. Diseño de producción: Inbal Weinberg. Vestuario: David C. Robinson. Distribuidora: eOne Films Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.
Sinopsis: Es el año 1991, y Charlie (Logan Lerman), un chico académicamente precoz y poco sociable, es un marginado, siempre observando desde la distancia, hasta que un par de jóvenes carismáticos le acogen bajo su ala. La bella Sam (Emma Watson), de espíritu libre, y su hermanastro Patrick (Ezra Miller), sin miedo a nada, cuidan de Charlie ofreciéndole nuevas amistades, el primer amor, sexualidad floreciente, fiestas sin fin, pases a medianoche de "The Rocky Horror Picture Show" y la búsqueda de la canción perfecta. Al mismo tiempo, su profesor de inglés, el Sr. Anderson (Paul Rudd), le introduce en el mundo de la literatura, fomentando su sueño de ser escritor. Pero a pesar de que Charlie prospera en su nuevo y cada vez más creciente mundo, el dolor de su pasado (el cual incluye el suicidio de su mejor amigo Michael y la muerte accidental de su amada abuela), se esconde bajo la superficie. Mientras sus viejos amigos planean dejar el hogar para ir a la Universidad, el precario equilibrio de Charlie comienza a desmoronarse, hallándose en su tristeza una revelación desconcertante.
¿Qué podemos esperar? Un reclamo para la taquilla ,sobretodo para el público más joven, son Logan Lerman y, especialmente, Emma Watson. El enorme éxito de la novela, ha llevado a su autor a dirigir la adaptación cinematográfica. Con una historia con la que parece sencillo conectar, puede que nos sorprenda o, al menos, nos deje buen sabor de boca.
"No"
Dirección: Pablo Larraín. Países: Chile, USA y México. Año: 2012. Duración: 110 min. Género: Drama. Interpretación: Gael García Bernal (René Saavedra), Luis Gnecco (Urrutia), Néstor Cantillana (Fernando), Alfredo Castro (Luis Guzmán), Antonia Zegers (Verónica), Pascal Montero (Simón), Jaime Vadell (ministro), Manuela Oyarzún (Sandra), Marcial Tagle (Alberto). Guion: Pedro Peirano; basado en la obra "El plebiscito", de Antonio Skármeta. Producción: Daniel Marc Dreifuss, Juan de Dios Larraín y Pablo Larraín. Fotografía: Sergio Armstrong. Montaje: Andrea Chignoli y Catalina Marín Duarte. Diseño de producción: Estefanía Larraín. Distribuidora: Golem.
Sinopsis: Ante la presión internacional, el dictador chileno Augusto Pinochet se ve obligado a organizar un referéndum de apoyo a su presidencia en 1988. Los líderes de la oposición convencen a René Saavedra, un joven y atrevido ejecutivo publicitario, para que se encargue de la campaña a favor del NO. A pesar de disponer de recursos muy limitados y del férreo control de la policía del déspota, Saavedra y su equipo llevan a la práctica un plan audaz para ganar el referéndum y liberar al país de la opresión.
¿Qué podemos esperar? Candidata al Oscar como mejor película de habla no inglesa, supone el cierre del director chileno sobre la dictadura de Pinochet, iniciada por "Tony Manero" (2008) y "Post mortem" (2010). Tiene a Gael García Bernal como protagonista y, posiblemente, sea una buena manera de acercarnos a la evolución de este período de la historia de Chile que también retrató Costa-Gavras en "Missing" (1982).
"Muertos de amor"
Dirección: Mikel Aguirresarobe. País: España. Año: 2013. Duración: 103 min. Género: Comedia. Interpretación: Javier Veiga (Ángel), Marta Hazas (Reme), Ramón Esquinas (Gabriel), Iván Massagué (Carlos), Cesc Casanovas (Jaume), Carmen Ruiz (Manoli), Ana Milán (Marta), Gabriel Chamé (psiquiatra), Rulo Pardo (parapsicólogo). Guión: Juan Ramón de Somavía y Mikel Aguirresarobe; basado en la novela de Carlos Cañeque. Producción: Cristina Mª Blanco y Mikel Aguirresarobe. Música: Simone Tarsitani. Fotografía: Miguel Leal. Montaje: Alex Alonso. Dirección artística: Héctor Leiro. Vestuario: Mercedes Famos. Distribuidora: Karrakela Films. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.
Sinopsis: Ángel Peláez es un hombre muy celoso. Desde que perdió el brazo en un accidente, y con el brazo su empleo de camarero en el Hotel Ritz, se pasa el día imaginando que Reme, su mujer, le traiciona con la mayoría de los hombres que se cruzan en su vida. A estos celos se le unen otros problemas, por lo que Ángel se vuelve cada vez más irascible. La única vía de escape para Reme de una realidad que la maltrata son las novelas de Jacinto Camacho, en las que, como ella misma reconoce, encuentra una vida que en nada se parece a la suya. Un día, Reme, a través de su amiga Marta, encuentra trabajo en el prestigioso restaurante de Gabriel Cavestany, un famoso cocinero y un don Juan, que se fija en ella…
¿Qué podemos esperar? La verdad, no creo que demasiado a juzgar por su argumento, tal vez me equivoque. Una trama y un protagonista que, a priori, resultan un tanto difíciles de digerir, nunca mejor dicho.
"Marina Abramovic: The artist is present"
Dirección: Matthew Akers. Co-dirección: Jeff Dupre. País: USA. Año: 2012. Duración: 102 min. Género: Documental. Intervenciones: Marina Abramovic, Ulay, Klaus Biesenbach, Chrissie Iles, Davide Balliano, Arthur Danto, David Blaine, James Franco. Producción: Maro Chermayeff y Jeff Dupre. Música: Nathan Halpern. Fotografía: Matthew Akers. Montaje: E. Donna Shepherd y Jim Hession. Distribuidora: Karma Films. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.
Sinopsis: Seductora, valiente y atrevida, Marina Abramovic ha redefinido el arte de la performance en los últimos cuarenta años. A través de su cuerpo, la artista serbia crea un trabajo provocativo que emociona a todo el que lo ve. El documental sigue a la artista mientras se prepara para lo que puede ser el momento más importante de su vida: una gran retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
¿Qué podemos esperar? Un documental premiado el año pasado en el Festival de Berlín. Una propuesta minoritaria para los amantes del arte contemporáneo y de la performance, destinada a ensalzar la figura de esta artista montenegrina.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Que opina usted? Añorando estrenos: Odio entre hermanos de Joseph L. Mankiewicz - 05/02/2013 02:32:26 a.m.
" Joseph L. Mankiewicz cometió durantes dos años seguidos una de esas proezas que rara vez se ven en los Oscars, ganar los premios a mejor guión y mejor director por "Carta a tres esposas" ("A Ltter to Three Wives", 1949) y "Eva al desnudo" ("All About Eve", 1950) esta, la película con más nominaciones en la historia, consiguió seis Oscars, entre ellos mejor película, siendo nominado además por el guión de "Un rayo de luz" ("No Way Out", 1950). Todo un logro que curiosamente está redondeado con una de las típicas injusticias de la Academia, no haberle nominado por su labor en "Odio entre hermanos" ("House of Strangers", 1949), magistral obra que suele quedar injustamente en un segundo plano cuando se habla de la obra de Mankiewicz, pero que poco o nada tiene que envidiar al film protagonziado por Bette Davis y sí es superior a los otros dos films citados. Se trata curiosamente de un film que en estos momentos es más actual que nunca al retratar la figura del banquero como un usurero que se aprovecha de los demás.Basada en la novela de Jerome Weidman, en el guión está acreditado el gran Philip Yordan el escritor de films tan apasionantes como "Johnny Guitar" (id, Nicholas Ray, 1954), "Agente especial" ("The Big Combo", Joseph H. Lewis, 1955) o "El hombre de Laramie" ("The Man From laramie", Anthony Mann, 1955), pero Mankiewicz le ayudó creando unos excelentes diálogos, no pudiendo colocar su nombre en los títulos de crédito debido a una de esas estúpidas reglas del gremio de guionistas de Hollywood. Lo cierto es que el realizador natural de Pensylvannia debió estar acreditado por su genio lleno de rabia en un guión cuya crítica social es punzante. El realizador, que decía que Ernst Lubitsch le enseñó todo lo que no hay que hacer en una película, lo contextualiza en un drama familiar con resonancias Shakesperianas y bíblicas, y en el que no faltan elementos del Film Noir, en cuyo subgénero podríamos incluirla también.
(From here to the end, Spoilers) "Odio entre hermanos", título español algo efectista el original, "Casa de estraños", es mucho mejor, más sugerente da comienzo con la salida de la cárcel de Max Monetti Richard Conte, sin duda lo más flojo de la película, a quien vemos dirigirse a un banco del que pronto sabremos que su padre era el dueño. Una tensa escena con su hermanos, que intentan sobornarle, dará paso a un tétrico momento a solas con Max en la casa de la familia, ahora abandonada. Allí, a modo de flashback se nos narrará qué sucedió hasta llegar a ese momento, preámbulo de una venganza familiar. El primer cambio visible es el carácter de Max; si en los primeros minutos su rencor le convirte en alguien temible atención a la brillante frase de uno de sus hermanos cuando Max rechaza el dinero: "me preocupa alguien que tira un fajo de billetes a la basura", en este "inicio de la historia" le vemos como alguien alegre, vividor y que haría cualquier cosa por mantener a la familia unida.
La familia protagonista de "Odio entre hermanos" es una de esas familias italianas que emigraron a los Estados Unidos, donde poco a poco y con mucho esfuerzo, algo que es citado continuamente en la película por el patriarca, lograron un imperio. Gino Maretti (Edward G. Robinson) pasó de una barbería a crear un banco en el que concede préstamos sin aval y luego cobra unos intereses desproporcionados, de lo cual Gino acumula su fortuna, mientras a sus propios hijos los tiene mal pagados. Pronto aparecerán los problemas el gobierno lleva a juicio a Gino y con ellos saldrá el verdadero carácter de cada uno. Mientras los hermanos de Max ven una oportunidad de salir de la tiranía de su padre, aquel se verá superado por la situación y por el amor que un hijo debe a su padre acabará en la cárcel donde germinará una profunda semilla de venganza. El odio que sólo engendra odio. El hermano enfrentado al hermano y al padre. Y un crescendo dramático de los que hacen historia.
No cabe la menor duda de que la interpretación de Edward G. Robinson es uno de los elementos fuertes del film. Con una controlada intensidad el actor logra que su Gino Maretti sea adorable y odioso al mismo tiempo. Baste fijarse en instantes como el de la mujer que va al banco a pedirle dinero y Gino se lo da con toda la amabilidad del mundo, o en cómo trata a su hijo predilecto, Max, al que considera el más listo de los cuatro hermanos, y compararlos con sus intervenciones en el juicio, donde parece mostrarse por encima de la ley, o en el que le pide a Max, ya encarcelado que le vengue de sus hermanos. Es tan poderoso el personaje de Gino que Mankiewicz se encarga de hacerlo si cabe más presente cuando aquel ya está muerto, y lo consigue con la presencia de un retrato de Gino que parece tener vida propia única y exclusivamente por el encuadre en el plano. Tanto en el prólogo como en el epílogo, y sobre todo en la secuencia del velatorio, Gino parece estar hablando. La fotografía, en magnífico blanco y negro, obra de Milton Krasner, acentúa la tensión de dichos instantes y oscurece el relato.
No falta en la película una historia de amor, la que Max vive con Irene Bennett, interpretada por Susan Hayward, personaje que flirtea con las femmes fatales del cine negro, y cuya presencia supone la tabla de náufrago de Max. Los diálogos entre ambos son una muestra más del genio de Mankiewicz con la palabra, los mismos no dejan títere con cabeza en el sempiterno tema de las relaciones entre hombres y mujeres, y termina de redondear una película fascinante y llena de fuerza. Tan sólo cinco años después Hollywood lanzaría un remake de "Odio entre hermanos" en clave de western. Su título, "Lanza rota" ("Broken Lance", Edward Dmytryk, 1954), con una ironía sangrante, el guión, mucho más esquemático, ganaría el Oscar. De ella hablaremos en el ciclo del western.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Información: Estrenos de cine | 25 de enero | El lado bueno de las bestias - 24/01/2013 05:57:17 p.m.
"Quedan aún varias semanas para que se anuncien los ganadores de los Oscar, pero este año se ha impuesto la cordura y es hoy 25 de enero cuando se estrenan en España los últimos títulos nominados como mejor película que quedaban por llegar a nuestro país. Es cierto que los focos se van a centrar en "El lado bueno de las cosas" ("Silver Linings Playbook", David O. Russell, 2012), pero también se lanza con mucho retraso , en Estados Unidos hasta está ya editada en dvd y blu-ray- "Bestias del sur salvaje" ("Beasts of the Southern Wild", Benh Zeitlin, 2012), aunque no dejéis cegaros por el glamour los premios, ya que hay otras seis películas para todos los gustos que llegan hoy a los cines de nuestro país."El lado bueno de las cosas"
Dirección: David O. Russell. Título original: Silver linings playbook. País: USA. Año: 2012. Duración: 122 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Bradley Cooper (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie). Guion: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick. Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012.
Sinopsis: El profesor Pat (Bradley Cooper) vuelve a casa con sus padres después de una estancia en una institución mental, e intenta reconciliarse con su ex mujer. Las cosas se vuelven más desafiantes cuando Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con sus propios problemas.
Crítica de la película: "El lado bueno de las cosas", en busca de la felicidad
"Bestias del sur salvaje"
Dirección: Benh Zeitlin. Título original: Beasts of the southern wild. País: USA. Año: 2012. Duración: 92 min. Género: Drama, fantasía. Interpretación: Quvenzhané Wallis (Hushpuppy), Dwight Henry (Wink), Levy Easterly (Jean), Lowell Landes (Walrus), Pamela Harper (Little Jo), Gina Montana (Miss Bathsheba), Amber Henry (LZA), Jonshel Alexander (Joy), Joseph Brown (Winston). Guion: Lucy Alibar y Benh Zeitlin; basado en la obra "Juicy and delicious", de Lucy Alibar. Producción: Michael Gottwald, Dan Janvey y Josh Penn. Música: Dan Romer y Benh Zeitlin. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Crockett Doob y Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Alex DiGerlando. Vestuario: Stephani Lewis. Distribuidora: Golem. Estreno en USA: 27 Junio 2012.
Sinopsis: La historia de "Bestias del sur salvaje" nos traslada a una olvidada y orgullosa comunidad, instalada en una zona pantanosa formada por los meandros del río Mississippi, apartada del mundo por un inmenso dique, donde la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga. Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua, y que el universo depende de que todo encaje a la perfección. Pero cuando una tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, su papá enferma de pronto, y Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas.
¿Qué podemos esperar? La gran sorpresa de las nominaciones de los Oscar que habrá que ver aunque sólo sea para comprobar si la lluvia de alabanzas que está recibiendo es merecida o no.
"El vuelo"
Dirección: Robert Zemeckis. Título original: Flight. País: USA. Año: 2012. Duración: 138 min. Género: Drama. Interpretación: Denzel Washington (Whip Whitaker), Kelly Reilly (Nicole Maggen), Don Cheadle (Hugh Lang), Bruce Greenwood (Charlie Anderson), Brian Geraghty (Ken Evans), Melissa Leo (Ellen Block), John Goodman (Harling Mays), Nadine Velazquez (Katerina), Tamara Tunie (Margaret Thomason), James Badge Dale, Garcelle Beauvais (Deana). Guion: John Gatins. Producción: Laurie MacDonald, Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey y Walter F. Parkes. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Montaje: Jeremiah O"Driscoll. Diseño de producción: Nelson Coates. Vestuario: Louise Frogley. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 2 Noviembre 2012.
Sinopsis: Whip Whitaker (Denzel Washington) es un experimentado piloto de avión que consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros de un vuelo. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre lo que sucedió exactamente.
¿Qué podemos esperar? El regreso de Zemeckis al cine de actores con carne y hueso tras muchos años centrado en la animación. Se habla muy bien de la secuencia del accidente del avión y de la actuación de Denzel Washington, pero hay opiniones muy enfrentadas sobre lo demás. Yo la veré lo antes que pueda.
"Movie 43"
Dirección: Elizabeth Banks, Steven Brill, Steve Carr, Rusty Cundieff, James Duffy, Griffin Dunne, Peter Farrelly, Patrik Forsberg, James Gunn, Bob Odenkirk, Brett Ratner, Jonathan van Tulleken. País: USA. Año: 2013. Duración: 97 min. Género: Comedia. Interpretación: Emma Stone (Veronica), Gerard Butler (duende), Hugh Jackman (Davis), Elizabeth Banks (Amy), Dennis Quaid (Charlie), Chloë Grace Moretz (Amanda), Kristen Bell (Supergirl), Anna Faris (Vanessa), Naomi Watts (Samantha), Kate Winslet (Beth), Uma Thurman (Lois Lane), Halle Berry (Emily), Josh Duhamel (Anson), Richard Gere (jefe), Kate Bosworth (Arlene), Chris Pratt (Jason), Jason Sudeikis (Batman), Kieran Culkin (Neil), Patrick Warburton (padre), Christopher Mintz-Plasse (Mikey), Justin Long (Robin), Liev Schreiber (Robert), Johnny Knoxville (Pete), Terrence Howard (entrenador), Aasif Mandvi (Robert), Leslie Bibb (Wonder Woman), Seann William Scott (Brian), Bobby Cannavale (Superman), Jimmy Bennett (Nathan), Greg Kinnear (Griffin). Guion: Will Carlough, Steve Baker, Patrik Forsberg, Matthew Alec Portenoy, Greg Pritikin, Rocky Russo, Jeremy Sosenko y Elizabeth Wright Shapiro. Producción: Ryan Kavanaugh, John Penotti, Charles B. Wessler y Peter Farrelly. Música: William Goodrum. Fotografía: Frank G. DeMarco, Steve Gainer, William Rexer y Tim Suhrstedt. Montaje: Jon Corn, Debra Chiate, Craig Herring, patrick J. Don Vito, Jason Macdonald, Sam Seig, Cara Silverman, Paul Zucker, Hakan Wärn y Sandy S. Solowitz. Diseño de producción: Tim Burgin, Toby Corbett, Russell Barnes, Robb Wilosn King y Arlan Jay Vetter. Vestuario: Roseanne Fiedler, Nancy Ceo, Sydney Maresca, Kerrie Kordowski, Salvador Pérez Jr. y Judianne Makovsky. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 25 Enero 2013.
Sinopsis: Película compuesta de sketches cómicos y un reparto plagado de estrellas. Los protagonistas son dos hermanos que buscan en internet la mítica "Movie 43", prohibida en casi todo el mundo.
¿Qué podemos esperar? Una comedia paródica con un reparto que quita el hipo. Lo más probable es que sea un completo desastre o que solamente alguna de sus historias sea realmente graciosa.
"La banda Picasso"
Dirección y guion: Fernando Colomo. País: España. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Comedia. Interpretación: Ignacio Mateos (Pablo Picasso), Pierre Bénézit (Guillaume Apollinaire), Lionel Abelanski (Max Jacob), Raphaëlle Agogué (Fernande Olivier), Jordi Vilches (Manolo Hugué), Louise Monot (Marie Laurencin), Stanley Weber (George Braque), Alexis Michalik (El Barón). Producción: Beatriz de la Gándara. Música: Juan Bardem. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: María Lara y Antonio Lara. Dirección artística: Patrice Vermette. Vestuario: Vicente Ruiz. Distribuidora: Alta Classics.
Sinopsis: París, 1911. La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos y enfrentados. Pablo recuerda cómo Guillaume le había presentado a un atlético joven a quien llaman El Barón y que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, "Las señoritas de Avignon". Pablo es español, Guillaume es polaco y El Barón es belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. "La banda Picasso" está basada en la historia real del robo de "La Gioconda" del Museo del Louvre en 1911; a raíz de aquel hecho, Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire fueron detenidos y acusados de cometer el delito.
¿Qué podemos esperar? Una comedieta española de escaso nivel que no sabrá desarrollar su simpática premisa.
"Coriolanus"
Dirección: Ralph Fiennes. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 123 min. Género: Drama. Interpretación: Ralph Fiennes (Cayo Marcio Coriolano), Gerard Butler (Tullus), Brian Cox (Menenius), Vanessa Redgrave (Volumnia), Jessica Chastain (Virgilia), James Nesbitt (Sicinius), Lubna Azabal (Tamora), Dragan Micanovic (Titus Lartius), John Kani (general Cominius). Guion: John Logan; basado en la obra de William Shakespeare. Producción: Ralph Fiennes, Gabrielle Tana, Julia Taylor-Stanley y Colin Vaines. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Barry Ackroyd. Montaje: Nicolas Gaster. Diseño de producción: Ricky Eyres. Vestuario: Bojana Nikitovic. Distribuidora: Emon. Estreno en Reino Unido: 20 Enero 2012.
Sinopsis: Coriolanus regresa a su patria como gran triunfador tras vencer a los invasores. Sin embargo, sus políticas le hacen impopular entre sus conciudadanos, que le condenan al exilio. Coriolanus, en un ataque de furia, se une a sus rivales para atacar a su país y se pone a las órdenes del que hasta ahora había sido su enemigo. Pero Coriolanus, ante su ciudad, dudará entre su orgullo y su patriotismo.
Crítica de la película: "Coriolanus", la caída de un guerrero
"El cuarteto"
Dirección: Dustin Hoffman. Título original: Quartet. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Maggie Smith (Jean Horton), Tom Courtenay (Reginald Paget), Billy Connolly (Wilf Bond), Pauline Collins (Cissy Robson), Michael Gambon (Cedric Livingston), Sheridan Smith (Dra. Lucy), Trevor Peacock (George), Michael Byrne (Frank White), Eline Powell (Angelique), Luke Newberry (Simon). Guion: Ronald Harwood, basado en su obra. Producción: Finola Dwyer y Stewart Mackinnon. Música: Dario Marianelli. Fotografía: John de Borman. Montaje: Barney Pilling. Diseño de producción: Andrew McAlpine.Vestuario: Odile Dicks-Mireaux. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en Reino Unido: 1 Enero 2013.
Sinopsis: La Casa Beecham es un hervidero. Circula el rumor de que esta residencia para músicos retirados pronto acogerá a un nuevo huésped. Y se dice que será alguien famoso. Para Reginald Paget (Tom Courtenay), Wilfred Bond (Billy Connolly) y Cecily Robson (Pauline Collins) es solo un cotilleo más. Cuando de repente ven entrar por la puerta a su ex compañera del cuarteto, Jena Horton (Maggie Smith), se quedan en estado de shock. Su carrera como solista, con el ego correspondiente que le acompañaba, acabó no sólo con su gran amistad, sino también con su matrimonio con Reggie, el cual se toma las nuevas noticias muy mal. ¿Puede el tiempo cerrar viejas heridas? ¿Podrá el famoso cuarteto solventar sus diferencias para la celebración de la gala en La Casa Beecham?
¿Qué podemos esperar? Una cinta en la que brillará su reparto mayoritariamente inglés, pero en la que no tengo demasiada fe más allá de ese punto. Una lástima que Dustin Hoffman se limite únicamente a su puesta en escena.
"Il villaggio di cartone"
Dirección y guion: Ermanno Olmi. País: Italia. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Drama. Interpretación: Michael Lonsdale (cura), Rutger Hauer (sacristán), Massimo De Francovich (doctor), Alessandro Haber, Irma Pino Viney (Magdahà), Fátima Alì (Fátima). Producción: Luigi Musini. Música: Sofia Gubaidulina. Fotografía: Fabio Olmi. Montaje: Paolo Cottignola. Diseño de producción: Giuseppe Pirrotta. Vestuario: Maurizio Millenotti. Distribuidora: Paco Poch Cinema. Estreno en Italia: 7 Octubre 2011.
Sinopsis Un anciano sacerdote (Michael Londsale) observa, con impotencia, la desacralización de su parroquia, que tiene que cerrar las puertas a causa de la ausencia de fieles y de las desavenencias con el sacristán. Todos los elementos de culto de la iglesia se retiran; incluso el gran crucifijo del altar. El párroco se resiste a abandonar lo que había sido su casa al mismo tiempo que experimenta una crisis de fe. Aquella misma noche, un grupo de inmigrantes clandestinos procedentes del norte de África se refugian dentro de la iglesia, ya desmantelada. El sacerdote decide concederles asilo y protegerles lo mejor que puede, prohibiendo la entrada a las fuerzas de seguridad. Totalmente dedicado al deber de solidaridad, el cura se entregará a los indigentes hasta agotar sus últimas fuerzas. Su vida, que hasta entonces reposaba en la palabra de Dios, toma una nueva dirección con el acto de la caridad. "Cuando la caridad es un riesgo, es el momento de la caridad", dirá. Descubre así el poder del bien más allá de la fe y el verdadero significado de la vida.
¿Qué podemos esperar? La película artística de la semana, con una marcada carga religiosa que, al menos para mí, , casi- siempre suele quitar atractivo a cualquier propuesta cinematográfica-
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Noticia, Las diez mejores películas de 2012 - 31/12/2012 03:47:10 a.m.
" Hace unos días os dejé una lista de las peores películas estrenadas en 2012, y hoy os traigo una selección del mejor cine que vi este año, del que estamos a punto de despedirnos con la esperanza de que 2013 sea un poco mejor.Y lo digo en general, no me refiero a lo cinematográfico. Porque la cosecha de 2012 no ha sido mala en absoluto, ni siquiera floja. Se han estrenado numerosos bodrios y trabajos lamentables, desde luego, como siempre, pero también muchas películas estupendas, y a mí al menos me ha costado hacer una lista con solo diez títulos, de ahí que haya incluido cinco más en el apartado de menciones especiales (así son quince largometrajes, como en la selección de lo peor del año). Sin más, a continuación tenéis las mejores películas de 2012, sin orden y según mi particular punto de vista.
"La invención de Hugo" ("Hugo", Martin Scorsese, 2011)
James Cameron nos vendió el 3D pero Scorsese nos convenció de que el formato era mucho más que un sacacuartos, que podía usarse en beneficio de una historia y aumentar su impacto, disfrutarla de un modo especial, único. Maravilloso homenaje a uno de los pioneros del séptimo arte, además de un imaginativo entretenimiento para todos los públicos. Podéis leer varias críticas haciendo clic aquí.
"Los miserables" ("Les Misérables", Tom Hooper, 2012)
Apabullante adaptación del musical basado en el clásico de Victor Hugo a cargo de Hooper, que vuelve a demostrar su talento para la dirección de actores. Espectacular diseño de producción, brillantes interpretaciones y algunas de las escenas más emocionantes del año. Tenéis mi crítica aquí.
"Mátalos suavemente" ("Killing Them Softly", Andrew Dominik, 2012)
Es el segundo año en el que he estado en el festival de Cannes y el segundo en el que al hacer balance del cine que he visto, me doy cuenta que muchas de las mejores películas del año las vi en el prestigioso certamen y aún falta por estrenarse la justa ganadora de la Palma de Oro, "Amor" ("Amour"). Lo nuevo de Dominik me impactó y me atrapó, es un crudo retrato de Estados Unidos en clave de cine negro con potentes diálogos y excelente reparto. Lo que dije sobre ella al poco de verla lo tenéis aquí.
"Holy Motors" (Leos Carax, 2012)
Una película tan extraña, valiente, hermosa y cautivadora no puede puede faltar en una lista del mejor cine de 2012. Hay unos tramos más inspirados que otros pero en todos destaca la extraordinaria labor del camaleónico Denis Lavant. Aquí podéis leer lo que dije sobre este film.
"Cosmopolis" (David Cronenberg, 2012)
Exigente, controvertido, inteligente, turbador… Cronenberg. El canadiense se sirve de la novela de Don DeLillo para realizar un profundo y devastador estudio del momento presente y el posible futuro, una crítica feroz al capitalismo y una búsqueda implacable de la naturaleza humana en un mundo cada vez más artificial. Y además: ¡Pattinson actúa! Mi crítica, aquí.
"Elena" (Andrey Zvyagintsev, 2011)
La película menos indicada para estas fechas, expone de modo brutalmente honesto las miserias y la hipocresía del matrimonio y la familia, además de tocar temas como la codicia, la supervivencia o las consecuencias del capitalismo. No deja títere con cabeza. Y lo hace Zvyagintsev con exquisita sutileza, una puesta en escena minimalista y un portentoso reparto. Pinchad aquí para leer mi crítica.
"Looper" (Rian Johnson, 2012)
Al igual que otra novedad de este año, "Prometheus", se nos propone un espectáculo de ciencia-ficción con un guion cargado de errores o incoherencias que pueden arruinar el visionado al espectador más quisquilloso. Sin embargo, a diferencia del film de Ridley Scott, "Looper" es un trabajo personal y apasionado, escrito y realizado con mucho coraje por Johnson, cuyo talento visual y amor por el noir convierten el viaje en el tiempo en una excusa para explorar las posibilidades del cine y la fantasía. Mi crítica, aquí.
"César debe morir" ("Cesare deve morire", Paolo y Vittorio Taviani, 2012)
Absorbente trabajo de los Taviani que fue galardonado con el Oso de Oro en el festival de Berlín. A través de una representación teatral en una prisión, donde los actores son presos, los veteranos cineastas plantean una singular reflexión sobre el arte y la vida. Tengo la crítica a medias, espero poder publicarla en los próximos días, una vez que se pase todo el lío de nochevieja.
"La vida de Pi" ("Life of Pi", Ang Lee, 2012)
Otro fuerte apoyo al 3D como herramienta narrativa, de nuevo al servicio de una historia que coquetea con la fantasía, filmada con inteligencia, talento y rigor. Lee consigue algo que está al alcance de muy pocos, que la magia digital y las pretensiones comerciales no se coman la película. Fascinante adaptación de la obra de Yann Martel, cargada de momentos memorables. Aquí mi crítica.
"Profesor Lazhar" ("Monsieur Lazhar", Philippe Falardeau, 2011)
Para un servidor, la mejor película estrenada en España durante este año. Me gusta mucho "El profesor (Detachment)" ("Detachment", 2011) pero carga las tintas en el drama y en su visión pesimista del mundo y la educación. El trabajo de Falardeau mantiene un equilibrio prodigioso y no cae en el fácil subrayado, no manipula, deja que el espectador saque sus propias conclusiones en esta historia de redención. Mi crítica, aquí.
Menciones especiales
No entraron en el top 10 pero quiero destacar cinco títulos más:
"Moonrise Kingdom" (Wes Anderson, 2012)
Anderson mantiene su característico estilo y sus encantadores personajes excéntricos, pero se centra esta vez en una pareja de adolescentes para reflexionar sobre la inocencia, el amor y la madurez. ¿Hacerse mayor significa enfriar el corazón y encerrarse en uno mismo? ¿Levantarse amargado cada mañana y procurar que tus hijos repitan tus mismos errores? Podéis leer lo que dije sobre este film aquí.
"Reality" (Matteo Garrone, 2012)
Afilado retrato de los sueños y aspiraciones de una parte importante de la sociedad, modelada a imagen y semejanza de esos héroes del pueblo que participan en los reality shows, el camino más directo al éxito, a la riqueza y a la adoración de los demás (por muy triste que resulte). Gran papel de Aniello Arena. Podéis leer mi opinión sobre "Reality" aquí.
"Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres" ("The Girl with the Dragon Tattoo", David Fincher, 2011)
Ejemplar thriller orquestado por Fincher que nos descubrió a la prometedora Rooney Mara. Tensa, violenta, formalmente impecable, muy entretenida… no se le podía pedir más a esta nueva adaptación del best seller de Stieg Larsson. Podéis encontrar mi crítica aquí.
"Brave (Indomable)" ("Brave", Brenda Chapman, Mark Andrews, 2012)
Después de la tontorrona "Cars 2" (2011), Pixar recuperó su mágico toque narrativo con esta emotiva, cómica y bella historia sobre una madre y una hija en un mundo de hombres y bestias. No está al nivel de "Ratatouille" (2007) o "Toy Story 3" (2010), pero es muy buena. Podéis leer mi crítica haciendo clic aquí.
"Los Vengadores" ("The Avengers", Joss Whedon, 2012)
Whedon logró lo que parecía imposible: un espectáculo con superhéroes cargado de humor y diálogos ingeniosos en tiempos marcados por la seriedad y la oscuridad que ha puesto de moda la trilogía sobre Batman de Christopher Nolan. Tiene algunos de los momentos más divertidos del año aunque imagino que al público que no conozca los cómics no le harán tanta gracia. Mi crítica, aquí.
Y esto es todo. Recordad que tenéis a vuestra disposición una encuesta donde podéis votar lo mejor y lo peor del cine estrenado en 2012. Por cierto, ¡feliz año nuevo!
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Información: Los miserables, indiferencia musical - 25/12/2012 11:35:10 a.m.
" Ha llegado un punto en la historia del cine en el que es prácticamente imposible llegar al día del estreno de una gran producción sabiendo lo mínimo sobre ella. La maquinaria publicitaria de Hollywood es la responsable de ello, pero es también normal que quieran hacer todo lo que esté en su mano para que los espectadores se mueran de ganas por ver esas producciones en las que se dejan una buena cantidad de millones. Sin embargo, aún es posible limitar casi por completo el impacto de la publicidad e incluso la fama previa de una obra basada en un libro de prestigio internacional. Eso es lo que sucedió en mi caso, ya que no he leído la novela de Victor Hugo, tampoco he visto ninguna de sus adaptaciones cinematográficas y el musical teatral del que parte "Los miserables" (Les Misérables, Tom Hooper, 2012) para mí nunca ha sido más que eso de lo que habla bien tanta gente. Cierto que había visto los dos avances que se lanzaron en su momento, pero poco más sabía de una película tan esperada como ésta.Canción sin emoción
Soy el primero en dejarme llevar en ocasiones por el poder del hype, pero las expectativas que soy consciente que algunas personas tienen con "Los miserables" se sale de toda escala, siendo una decepción todo aquello que no equivalga a un segundo advenimiento de Jesucristo, y ya siento deciros que el nuevo trabajo de Tom Hooper está muy lejos de estar a ese nivel. De hecho, no tengo reparo alguno en asegurar que la indiferencia fue el sentimiento que más despertó en mi persona, algo difícilmente perdonable en un largometraje en el que las canciones son la gran estrella de la función. Es cierto que la función emocional de la música varía mucho según nuestro estado de ánimo, pero me cuesta creer que ninguna buena canción busque dejar indiferente a su oyente.
Nada más lejos de mi intención está el criticar las canciones originales de la obra teatral, ya que son extremadamente pegadizas y en sus letras hay material suficiente para que "Los miserables" hubiera conseguido su objetivo de tocarnos la fibra sensible, pero no es el caso. ¿Qué es lo que sucede? Puede sonar contradictorio, pero las canciones son al mismo tiempo omnipresentes y , relativamente- secundarias. Hooper no parece confiar lo suficiente en el poder de la música y aligera el dramatismo de la mayoría de ellas. Tal vez sea un peaje de rodar las escenas en directo y los protagonistas no quisieron dejarse llevar por el torrente emocional de los temas que interpretaban, pero en muchas ocasiones son simplemente actores que cantan en lugar de recitar sus diálogos. Hay excepciones, ya sea gracias a la persona que lo interpreta, porque alguna situación sigue funcionando perfectamente así o porque Hooper finalmente se deja llevar por la fuerza de las canciones, pero esos oasis ocasionales sólo sirven para refrendar la extraña indiferencia que despiertan el resto.
Una dirección del montón
Los trabajos previos de Tom Hooper no invitaban a pensar en un trabajo de puesta en escena memorable. Acusado por algunos de telefílmico por su académico trabajo en "El discurso del rey" (The King"s Speech, 2010) e ignorado por muchos en "The Damned United" (2009), aún hoy su mejor película , aunque más por el trabajo de los actores y la fuerza de la historia-, no tengo el placer de haber visto su ópera prima, pero todo indica que está totalmente alejado de la grandilocuencia característica de los musicales. ¿Cuál fue entonces el motivo de su contratación más allá del sorprendente Oscar que se había llevado para casa? Aún tengo mis dudas, pero lo que queda claro tras ver "Los miserables" es que los productores se equivocaron al elegirlo.
No todo son pegas en el trabajo de Hooper, ya que sí demuestra su capacidad en instantes ocasionales, en especial cuando apuesta por la intimidad en ciertas canciones a través de los primeros planos sostenidos , una forma previsible pero efectiva para resaltar su componente emocional- o algunos momentos para resaltar la superioridad de Javert sobre Valjean, pero ahí acaban sus logros. La tónica dominante del resto se balancea entre pasar completamente desapercibido y los movimientos de cámara alocados que restan empaque a lo que vemos en lugar de insuflar esa energía que la película suplica cada dos por tres, por no mencionar los instantes en los que está a punto de provocar innecesarios mareos en el espectador.
Un esforzado reparto
El a priori impecable reparto de "Los miserables" no tiene demasiada culpa de que la película haya acabado siendo un espectáculo muy por debajo de sus posibilidades, pero sí es cierto que su tendencia a actuar en lugar de dejarse llevar por las canciones , hay que recordar que las canciones se grabaron en el momento y no a posteriori- resta mucha fuerza al conjunto. Mucho se habló de la presencia de Anne Hathaway cuando se lanzó el primer tráiler, ya que su desgarrada voz era muy llamativa, pero luego sólo esa canción suya realmente consigue llegar al corazón del público. Sin embargo, la cosa es mucho peor en el caso de los personajes interpretados por Amanda Seyfried y Eddie Redmayne, ya que la trama amorosa que comparten ya es de por sí uno de los puntos más débiles del guión de William Nicholson , se ven una vez a lo lejos y ya están perdidamente enamorados-, y eso destruye cualquier implicación personal por mi parte.
Por su parte, Hugh Jackman y Russell Crowe cumplen a la perfección en el apartado vocal y mostrando las algo esquemáticas motivaciones de sus personajes, pero este punto, escasamente trabajado por Nicholson , al igual que el sentimiento revolucionario del pueblo francés previo a su alzamiento-, también afecta a su trabajo, ya que rara vez consiguen trascender esas limitaciones, aunque no es porque no den lo mejor de sí para lograrlo. Las grandes excepciones son una Samantha Barks que consigue que ignoremos el excesivo pagafantismo de Eponine, papel que ya interpretó en el teatro, y un Sacha Baron Cohen, correctamente secundado por Helena Bonham Carter como su esposa, a caballo entre lo simpático y lo gracioso como el mordaz delincuente al que interpreta.
En definitiva, "Los miserables" es un musical que sólo en raras ocasiones , la interpretación de "On my own" por parte de Samantha Barks- consigue transmitir al espectador las emociones latentes en sus muy pegadizas canciones. Nada malo puede decirse de unos actores que intentan dar lo mejor de sí para convertir a la película en un musical legendario, pero el errático trabajo de Tom Hooper tras las cámaras y la incapacidad para enganchar a un espectador primerizo , sospecho que los habrá ya vendidos de antemano ante lo que verán en pantalla- por parte de un guión que nunca crea el caldo de cultivo necesario para revolvernos por dentro acaba convirtiendo las excesivas dos horas y media de metraje en una experiencia mucho más vulgar de lo que aparenta.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Interesante, Bonsái, en busca del tiempo perdido - 23/08/2012 01:48:14 a.m.
" Lo que más me gusta de la segunda película del chileno Cristián Jiménez (1982), "Bonsái" (2011), es el concepto del cual surge su estructura, que a la vez permite un juego entre realidad y ficción: Julio recibe la oferta de transcribir la novela de un autor consagrado, que finalmente se echa atrás. Fingiendo que ha obtenido el empleo, escribe él mismo la obra a partir de un mínimo punto de partida que le dio el escritor. Esto le obliga a recordar un amor de juventud, que en la película se va intercalando con los sucesos actuales, en los que corre el riesgo de cometer el mismo error que entonces.La cinta se vertebra a través de la literatura, argumento por el que se conocen los enamorados y a partir del cual (o de las mentiras sobre este) construyen su romance juvenil. "En busca del tiempo perdido" no es un título elegido al azar pues, aparte de la chanza que supone que ambos mientan al afirmar que han leído a Proust, lo que hace el personaje de Julio durante todos los capítulos de su madurez consiste en buscar ese tiempo que ni los espectadores ni él sabemos cómo perdió. Otras obras cumbre de la literatura se van sucediendo en las menciones y, lo que es más interesante, un análisis sobre la pasión lectora juvenil y sobre la pose de intelectualidad.
La otra metáfora, la de la vida y lustre de una planta, ya sea un trébol o un bonsái, no pierde la efectividad por ser clara en su descifrado. Si bien se ha utilizado ya para hablar de las relaciones de pareja, no solo en el cuento "Tantalia", de Macedonio Fernández, que se parafrasea, sino en música ("Dos gardenias"), aquí más que encontrarla manida, la podemos percibir evidente, no en el sentido de obvia, sino de insustituible.
Pasiones desapasionadas
La dirección de Jiménez de sus actores , Diego Noguera, Natalia Galgani, Trinidad González y Gabriela Arancibia, busca la contención naturalista hasta tal punto que, paradójicamente, casi sobrepasa el realismo y llega a percibirse irreal por su falta de exaltación o apasionamiento. Hugo Medina, tal vez interpretándose a sí mismo más que un papel, es el único que escapa esta definición.
No estamos hablando de personajes flojos de carácter, sino de una elección de índole casi estética, ya que con el mismo poco ímpetu está marcado el humor. "Bonsái" introduce reflexiones simpáticas y hasta bromas visuales de fácil consecución. La interpretación de sus actores, no obstante, reduce el tono humorístico de forma intencionada, como para dejar caer el chiste, pero sin hacer ver que está buscando la risa.
Esa falsa modestia se ejerce asimismo en la elección de los escenarios y la composición de los encuadres, que es más intencionada de lo que quiere aparentar. Sin embargo, ni esto ni la elección de la escritura como eje narrativo ni su carácter metaficcional y paródico la convierten en una película tan pretenciosa como se podría temer.
Impulso creador
Como añoranza del amor, "Bonsái" me dice poco, por la mencionada falta de entusiasmo de los protagonistas ,el personaje de Blanca, la más lúcida de todos, habla de esos hombres que se dan cuenta cuando es demasiado tarde,. Sin embargo, como reflexión sobre la necesidad de crear, de expresarse… en definitiva, de lo que supone escribir, sí la encuentro valiosa. Considero así que cualquiera que alguna vez haya tratado de poner una palabra tras otra para transmitir sus vivencias literariamente, encontrará en "Bonsái" una complicidad. El ejercicio de escribir la novela de otro y que finalmente sea tan tuya, tan personal, me parece brillante y muy sugerente.
Basada en la novela homónima de Alejandro Zambra (2006), "Bonsái", que ha obtenido el premio Fipresci 2011 a la Mejor Película del Festival de cine de La Habana, se define a sí misma como una historia de amor, libros y plantas. Va creciendo y aumentando en intensidad según avanza, más que gracias a sus personajes, muy posiblemente a pesar de ellos. El quehacer diario y las costumbres cotidianas, carentes a simple vista de importancia, suponen una suma de experiencias que llevan a un final no por advertido de antemano menos emotivo. El conjunto funciona mejor que las partes y la profundidad de ciertas de sus observaciones compensa la insustancialidad de las acciones, así como el regusto a déjà vu ,cine francés, cine indie estadounidense, en todos los temas tocados y en la forma de aproximarse a ellos.
"Bonsái" se estrena mañana, 24 de agosto.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Información: Estrenos de cine | 17 de agosto | El nuevo Bourne, los piratas de Aardman y los chiflados de los Farrelly - 17/08/2012 08:00:46 a.m.
"Como cada fin de semana, toca hacer un repaso a las novedades de la cartelera española, algunas de las cuales nos llegaron el miércoles para aprovechar el día festivo. Entre los estrenos cabe destacar la cuarta entrega de la franquicia Bourne, el nuevo trabajo del estudio Aardman y el regreso de los hermanos Farrelly. Además, un remake de un clásico dirigido por Takashi Miike y hasta TRES producciones francesas para diferentes paladares. Echad un vistazo, seguro que algo os interesa:"El legado de Bourne"
Título original: "The Bourne Legacy". Dirección: Tony Gilroy. País: USA. Año: 2012. Duración: 135 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Jeremy Renner (Aaron Cross), Rachel Weisz (Dra. Marta Shearing), Edward Norton (coronel Eric Byer), Joan Allen (Pamela Landy), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch), Oscar Isaac (Nº 3), Stacy Keach (almirante Turso), Scott Glenn (Ezra Kramer), David Strathairn (Noah Vosen), Donna Murphy (Dita). Guion: Tony Gilroy y Dan Gilroy; basado en la novela de Eric van Lustbader, inspirada a su vez en los personajes creados por Robert Ludlum. Producción: Patrick Crowley, Frank Marshall, Ben Smith y Jeffrey M. Weiner. Música: James Newton Howard. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: John Gilroy. Diseño de producción: Kevin Thompson. Vestuario: Shay Cunliffe. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en USA: 10 Agosto 2012. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.
Sinopsis: Hace años conocimos a Jason Bourne mientras unos pescadores le sacaban del mar Mediterráneo. Durante tres películas seguimos sus pasos mientras intentaba sobrevivir y descubrir su identidad. Vimos a sus controladores de la CIA organizar auténticas operaciones internacionales para deshacerse de él. Descubrimos el programa Treadstone, las impresionantes habilidades de Bourne y, al concluir la trilogía, quizá pensamos que la historia había terminado. Pero "El legado de Bourne" desvela una intriga mucho más oscura, una mitología mucho más profunda y a un nuevo héroe que deberá luchar para seguir con vida cuando su programa se convierte en un peligro. Descubriremos que hay varios programas de inteligencia y que Treadstone, de la CIA, era simplemente uno de los primeros. Ahora se trata de impedir que salgan a la luz los otros programas. Aaron Cross es uno de los seis agentes secretos creados por el programa Outcome. Los agentes de este programa no pertenecen a la CIA, sino al Departamento de Defensa. No han sido diseñados para asesinar, sino para funcionar en solitario en misiones altamente arriesgadas de larga duración. El estudio del comportamiento que dio pie al programa Treadstone ha avanzado mucho, pero dado que ambos programas comparten el mismo origen, Outcome se convierte en un peligro cuando la historia de Bourne pasa al dominio público.
Crítica en Blogdecine | "El legado de Bourne", el superhombre drogodependiente
"Café de Flore"
Dirección y guion: Jean-Marc Vallée. Países: Francia y Canadá. Año: 2011. Duración: 120 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Vanessa Paradis (Jacqueline), Kevin Parent (Antoine), Hélène Florent (Carole), Evelyn Brochu (Rose), Marin Gerrier (Laurent), Alice Dubois (Véronique). Producción: Pierre Even y Marie-Claude Poulin. Fotografía: Pierre Cottereau. Diseño de producción: Patrice Vermette. Vestuario: Ginette Magny. Distribuidora: Golem. Estreno en Canadá: 18 Noviembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.
Sinopsis: Narra una historia de amor acerca de unas personas separadas por el tiempo y la distancia que, sin embargo, están conectadas de forma profunda y misteriosa. Esta película cuenta los destinos paralelos de Jacqueline, madre de un niño en los años 60 en París, y de Antoine, un DJ de éxito recién divorciado en el Montreal actual. Las dos historias se unen a través del amor. Un amor eufórico, obsesivo, trágico, juvenil y atemporal.
¿Qué podemos esperar? De una película que vende la idea de que existen las almas gemelas curiosamente, protagonizada por Paradis, divorciada hace poco de Johnny Depp tras 14 años de convivencia solo podemos esperar un relato que trate el amor de una forma superficial, llena de tópicos. Aun así, puede estar bien si la puesta en escena logra transmitir las emociones de los protagonistas. Una opción para los que van mucho al cine y/o huyen de lo "made in USA".
"En sus manos"
Título original: "Contre toi". Dirección y guion: Lola Doillon. País: Francia. Año: 2010. Duración: 85 min. Género: Drama. Interpretación: Kristin Scott Thomas (Anna Cooper), Pio Marmaï (Yann), Jean-Philippe Écoffey (policía), Marie-Sohna Conde (Caroline), Marie-Christine Orry (conserje), Vinciane Millereau (Milène), Sophie Fougère (policía), Jean-Luis Tribes (Michel). Producción: Saga Blanchard. Música: Anthony Leroy, Dominique Leroy y Sandra Moubarak. Fotografía: Mathieu Vadepied. Montaje: Marie Da Costa. Dirección artística: Stéphanie Guitard y Stanislas Reydellet. Vestuario: Mic Cheminal. Distribuidora: Olwyn Films. Estreno en Francia: 2 Febrero 2011.
Sinopsis: Desesperado tras la muerte de su mujer, un hombre decide vengarse secuestrando a la ginecóloga de su esposa, a la que considera responsable de su muerte. Los sentimientos afloran entre el secuestrador y la víctima, quien, una vez liberada, intentará encontrarlo otra vez.
¿Qué podemos esperar? La sinopsis no invita al optimismo poco más y cuentan el final… y el tráiler tampoco, además de que nos llega con bastante retraso, lo que no suele ser una buena señal. En fin, para fans de las historias retorcidas con sabor europeo.
"Hara-Kiri. Muerte de un samurái"
Título original: "Ichimei". Dirección: Takashi Miike. País: Japón. Año: 2011. Duración: 126 min. Género: Drama. Interpretación: Ebizô Ichikawa (Hanshirô), Kôji Yakusho (Kageyu), Eita (Motome), Hikari Mitsushima (Miho), Naoto Takenaka. Guion: Kikumi Yamashishi; basado en la novela "Ibun rônin-ki" de Yasuhiko Takiguchi. Producción: Toshiaki Nakazawa y Jeremy Thomas. Música: Ryûichi Sakamoto. Fotografía: Nobuyasu Kita. Montaje: Kenji Yamasahita. Diseño de producción: Yuji Hayashida. Vestuario: Kazuko Kurosawa. Distribuidora: Avalon. Estreno en Japón: 15 Octubre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.
Sinopsis: Narra la historia de Hanshirô, un samurái que llega a la residencia de un clan con la intención de terminar con su vida llevando a cabo el ritual del hara-kiri. El líder del clan intenta disuadirlo contándole la trágica historia de Motome, un joven que, poco tiempo atrás, llegó a ese lugar con las mismas intenciones.
Crítica en Blogdecine | "Hara-Kiri. Muerte de un samurái", fallida renovación de una obra maestra
"Los tres chiflados"
Título original: "The Three Stooges". Dirección: Peter Farrelly y Bobby Farrelly. País: USA. Año: 2012. Duración: 93 min. Género: Comedia. Interpretación: Chris Diamantopoulos (Moe), Sean Hayes (Larry), Will Sasso (Curly), Sofía Vergara (Lydia), Jane Lynch (madre superiora), Craig Bierko (Mac), Larry David (hermana Mary-Mengele), Jennifer Hudson (hermana Rosemary), Stephen Collins (Sr. Harter). Guion: Bobby Farrelly, Peter Farrelly y Mike Cerrone. Producción: Bobby Farrelly, Peter Farrelly, Bradley Thomas y Charles B. Wessler. Música: John Debney. Fotografía: Matthew F. Leonetti. Montaje: Sam Seig. Diseño de producción: Arlan Jay Vetter. Vestuario: Denise Wingate. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 13 Abril 2012. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.
Sinopsis: Abandonados en la puerta de un orfanato dirigido por unas monjas, los recién nacidos Moe, Larry y Curly van criándose hasta alcanzar niveles desconocidos de desdichada estupidez. Empeñados en salvar el hogar de su infancia, sólo estos tres chiflados podían verse mezclados en una descabellada trama criminal, al tiempo que, por pura casualidad, consiguen papeles estelares en un reality show de gran éxito.
¿Qué podemos esperar? Reírnos alguna que otra vez en una hora y media, si es que las mejores bromas no son las metieron en el tráiler... No ha conquistado ni a la crítica ni al público este nuevo trabajo de los Farrelly, adaptación a la gran pantalla de las torpes aventuras de Moe, Larry y Curly. Para seguidores de los cineastas y/o espectadores necesitados de una alta dosis de slapstick.
"¡Piratas!"
Título original: "The Pirates! Band of Misfits". Dirección: Peter Lord. Co-dirección: Jeff Newitt. Países: Reino Unido y USA. Año: 2012. Duración: 88 min. Género: Animación, aventuras. Doblaje original: Hugh Grant (Capitán Pirata), David Tennant (Charles Darwin), Imelda Staunton (reina Victoria), Martin Freeman (pirata con pañuelo), Jeremy Piven (Black Bellamy), Salma Hayek (Sablazo Liz), Anton Yelchin (pirata albino). Guion: Gideon Defoe. Producción: Julie Lockhart, Peter Lord y David Sproxton. Música: Theodore Shapiro. Montaje: Justin Krish. Diseño de producción: Norman Garwood. Distribuidora: Sony Pictures Relasing de España. Estreno en Reino Unido: 28 Marzo 2012. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.
Sinopsis: El capitán pirata, al mando de una desaliñada e improvisada tripulación, y aparentemente sin percatarse de los insalvables obstáculos a los que se enfrenta, se centra en su único sueño: vencer a sus eternos rivales Black Bellamy y Sablazo Liz y conseguir el ansiado premio de Pirata del Año en una odisea que conducirá a nuestros héroes desde las orillas de la exótica Blood Island hasta las brumosas calles del Londres victoriano. Durante el transcurso de su viaje, lucharán contra una reina diabólica y formarán equipo con un joven y perdidamente enamorado científico, pero jamás perderán de vista lo que más le apasiona a un pirata: ¡la aventura!
¿Qué podemos esperar? Un cuidado e hilarante nuevo trabajo de la factoría Aardman para toda la familia. El tráiler lo podéis ver aquí. Tiene pinta de ser la mejor película que se estrena este fin de semana, yo la veré en cuanto descubra si el nuevo Bourne es tan entretenido como el anterior…
"Quiero ser italiano"
Título original: "L"italien". Dirección: Olivier Baroux. País: Francia. Año: 2010. Duración: 102 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Kad Merad (Dino Fabrizzi / Mourad Ben Saoud), Valérie Benguigui (Hélène), Roland Giraud (Charles), Philippe Lefebvre (Cyril), Guillaume Gallienne (Jacques). Guion: Éric Besnard y Nicolas Boukhrief; basado en un argumento de Jean-Paul Bathany, Olivier Baroux y Stéphane Ben Lahcene. Producción: Richard Grandpierre. Música: Martin Rappeneau. Fotografía: Arnaud Stefani. Montaje: Richard Marizy. Diseño de producción: Périne Barre. Vestuario: Sandra Gutierrez. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en Francia: 14 Julio 2010. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.
Sinopsis: Dino Fabrizzi es el vendedor número 1 de Maserati en Niza. A la edad de 42 años, está a punto de ser ascendido en su trabajo y su novia quiere casarse con él. La vida es magnífica para Dino. Pero esta vida perfecta está basada en una mentira: el verdadero nombre de Dino es Mourad Ben Saoud, un dato que mantiene en secreto. Excepcionalmente, Mourad deberá cumplir el Ramadán para honrar una promesa hecha a su padre enfermo… y no va a ser fácil disimularlo.
¿Qué podemos esperar? Una amable historia con final feliz y algunos momentos divertidos, diría yo. Podéis echar un vistazo al tráiler, si os ha llamado la atención el argumento. Al parecer, la película tuvo cierto éxito en Francia más de un millón de espectadores, por lo que de nuevo cabe preguntarse por qué algunos títulos nos llegan tan tarde…
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Consulte Información en Farandula que incluya La novela de y mejor película
Consulte Información en Bellas y Modelos que incluya La novela de y mejor película
Consulte la Fuente de este Artículo
No hay comentarios:
Publicar un comentario