Es Noticia, Posesión infernal: Evil Dead, gore de diseño - 04/04/2013 11:01:26
" El cine de terror es uno de los que peor parado ha salido de la avalancha de nuevas versiones, ya que es en ese género donde más evidente ha resultado que los productores buscaban el beneficio rápido aprovechándose de su popularidad preexistente. Podría enumerar un montón de ejemplos negativos, pero los únicos casos relativamente recientes que destacaría positivamente son "La matanza de Texas" ("The Texas Chainsaw Massacre", Marcus Nispel, 2003), vigorosa actualización del clásico de Tobe Hooper, "Las colinas tienen ojos" ("The Hills Have Eyes", Alexandre Aja, 2006), sólida puesta al día de la cinta de Wes Craven, y "Déjame entrar" ("Let Me In", Matt Reeves, 2010), interesante aproximación a la misma novela que sirvió como base para la estupenda cinta sueca de Tomas Alfredson.Muchos esperaban que "Posesión infernal: Evil Dead" ("Evil Dead", Fede Álvarez, 2013), remake de la cinta homónima de Sam Raimi, se uniera a ese selecto grupo. La generosa utilización del gore ,bastante inhabitual en los últimos tiempos en casos similares-, la buena acogida en el South by Southwest Film Festival ,y por parte de buena parte de la crítica americana- y la implicación del propio Raimi invitaba al optimismo, pero la realidad ha acabado siendo menos estimulante. No puedo decir que estemos ante una mala película, pero sí ante un producto de diseño en el que no se percibe la más mínima pasión por el género.
Una película sin alma
Suelo preferir no leer críticas ajenas en el lapso temporal entre que he visto la película y que escribo mi opinión sobre ella ,es cierto que así puedes ver cosas que se te hayan pasado por alto, pero también que, inconscientemente o no, te acabas apropiando de ideas ajenas en lugar de centrarte en las propias-, pero no pude evitar caer en la tentación de leer la reflexión sobre de ella de mi apreciado Tonio L. Alarcón, con quien, ya os aviso, coincido sobremanera en el caso que nos ocupa.
No podría estar más de acuerdo en muchas de sus apreciaciones, pero sí que me gustaría pararme un momento en el señalado parentesco que se puede trazar entre "Posesión infernal: Evil Dead" y "El orfanato" (id., Juan Antonio Bayona, 2007) por las sensaciones que transmiten ambas producciones, ya que la ingenuidad de la cinta de Raimi deja aquí paso a una total autoconsciencia en la que la acción no parece avanzar con naturalidad, sino que deja paso a una puesta en escena mecánica ,pero muy estudiada-, donde Fede Álvarez confía en que el gore y los pequeños homenajes ,os recomiendo quedaros hasta que se acaben los títulos de crédito finales- sean suficientes para enganchar al espectador.
Ese falta de naturalidad queda bien reflejada si nos paramos un momento a ver cómo son sus protagonistas, personajes intercambiables con los de cualquier slasher difícilmente podría echarse más en falta al mítico Ash interpretado por Bruce Campbell en la trilogía original, algo particularmente molesto si tenemos en cuenta que no estamos ante una película que haya que calificar como tal. Ya en la original, Raimi se apropiaba de la base argumental ,un grupo de jóvenes con pocas luces que van a pasar unos días a un lugar recóndito, facilitando esto una sucesión de muertes más o menos conseguidas- de esas producciones tan en boga por aquellos años.
Sin embargo, las intenciones de Raimi no podrían estar más alejadas del slasher, prefiriendo centrarse en un mestizaje de otras fórmulas encaminado a dar al espectador la mayor diversión posible ,algo que llevaría al extremo en "Terrorificamente muertos" ("Evil Dead 2", Sam Raimi, 1987)-, objetivo que luego sería explorado por otros directores como Frank Henenlotter ,quien optó por acabar añadiendo una carga reflexiva que impidió que cintas como "Brain Damage" (id., 1988) alcanzaran un mayor éxito-, pero sin conseguir en ninguna ocasión el impacto de "Posesión infernal" ("The Evil Dead", Sam Raimi, 1981). Y es que Raimi estuvo en lugar adecuado en el momento oportuno y su fusión de humor, suspense y terror sirvió para olvidarse por un momento de la tiranía de los slasher ,no pasaría mucho tiempo hasta que comenzase su decadencia- y abrir nuevas vías, siendo la aproximación más cómica al género la que mejor funcionó ,no hay más que ver los primeros trabajos de Peter Jackson-.
La estupidez es otro de los rasgos característicos de los personajes de este remake, ya que más allá de la explicación más o menos digna ,la desintoxicación de la protagonista y el hecho de que ya quisiera abandonar en un intento anterior- para justificar que se queden en la cabaña, las decisiones que van tomando, en especial quien desata la maldición, son una sucesión de los errores propios que se han de cometer para que la acción siga adelante; y es que Álvarez, también guionista de la función ,tarea que comparte con Diablo Cody y Rodo Sayagues-, no demuestra especial interés en la verosimilitud de la progresión dramática.
De Sam Raimi a Fede Álvarez
La solución que propone Álvarez para que pasemos por alto su endeble guión no es que el de la cinta original fuese la repera, pero estaba bastante mejor llevado, en especial en lo referido a ir dosificando la información que da al espectador es ser mucho más explicito que Raimi. Este aspecto es bastante curioso, ya que el director de la estupenda "Un plan sencillo" ("A Simple Plan", 1998) ,aún hoy su mejor película- demostraba una gran querencia por los planos cerrados ¿decisión artística o una forma de enmascarar las limitaciones presupuestarias? en el título original, pero los excesos quedaban reservados para momentos concretos muy celebrados, consiguiendo un curioso equilibrio que es el que ha hecho que "Posesión infernal" haya sobrepasado los límites habituales de las cintas de culto de aquellos años.
El caso de Álvarez es todo lo contrario, ya que prefiere dar al espectador la posibilidad de ver los momentos más escabrosos con todo el detalle posible. Clarificador al respecto es su aproximación a la célebre secuencia de las ramas, donde Raimi optaba por un clima de misterio, acentuando notablemente la ambientación nocturna, recurriendo a una efectiva niebla y a una rápida sucesión de planos para conseguir el efecto buscado, pero Álvarez va directo al grano y no deja espacio alguno para la imaginación. Los tiempos han cambiado y ahora se lleva ser más directo, consiguiendo así impactar a los espectadores menos curtidos en el género, pero aportando poquita cosa a los que ya hemos visto tales cosas en la gran pantalla que lo único que podemos celebrar aquí es su capacidad para que más producciones mainstream lo utilicen sin complejos.
Podría parecer que "Posesión infernal: Evil Dead" me ha parecido una mala película, y lo cierto es que no es el caso, ya que veo en ella un entretenimiento de usar y tirar bastante llevadero con un cuidado trabajo por parte de Fede Álvarez para cumplir hasta cierto punto con lo prometido: Mucha sangre, abundantes golpes de efecto, ir directamente al grano siempre que sea posible y todo con una fría precisión por parte de su director, intentando así conseguir un impacto tan pronunciado ,no es casualidad esa tan pensada como exagerada frase promocional que reza "la experiencia más aterradora que vas a vivir"- que dispare la popularidad de la película desde su mismo estreno. La sencillez y falta de pretensiones de Raimi se convierten aquí en un producto pensado para funcionar por motivos ajenos a sus propias virtudes.
El principal problema de la película son las sensaciones agridulces que deja, equivalentes a las que podríamos tener al comparar un mueble de Ikea con uno elaborado por un artesano de los de toda la vida. El primero puede llegar a ser más bonito a la vista, más accesible y mucho más práctico para las necesidades de muchos, pero está elaborado de forma impersonal y no tiene prácticamente ninguna señal de identidad propia que se salga de unos engranajes en los que apenas hay espacio para la naturalidad. Álvarez cae de lleno en eso, y no es algo necesariamente malo, pero para mí es más que suficiente para que mi entusiasmo ante lo que propone sea, como mucho, moderado.
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Interesante, "El exorcista" se reestrenará en los cines peruanos con escenas inéditas - 18/02/2013 19:16:03
"Cinta protagonizada por Linda Blair llegará a las salas desde este 21 de febrero.El exorcista, una de los clásicos del cine de terror, se reestrenará en las salas peruanas con escenas inéditas.
La cadena UVK, que ha venido poniendo en práctica el reestrenar películas como "Pulp Fiction" y "El resplandor", anunció que continuará con esta dinámica y exhibirá desde el 21 de febrero el filme de William Friedkin.
"El exorcista" está basada en un caso real de posesión que tuvo lugar en los suburbios de Washington.
Regan MacNeil (Linda Blair), la protagonista de la historia, es una niña de 12 años que vive con su madre y que se siente mal: sufre extraños síntomas, incluyendo la levitación y una fuerza sobrehumana.
Los doctores intentan tratarla en vano, así que cuando se descartan las explicaciones médicas, su madre recurre a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste se muestra convencido de que el mal ha rebasado lo físico y afecta a los espiritual.
Entre los premios conseguidos por "El exorcista" destacan un Globo de Oro por Mejor Película Drama, mejor director, mejor guión y mejor actriz de reparto.
Fuente: El Comercio
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Que opina usted? Críticas a la carta | El exorcista, de William Friedkin - 30/01/2013 11:12:20
" El género de terror es uno de los más populares entre el público y seguramente también el que reciba un mayor desprecio por parte de los grandes entendidos. Su tendencia a repetir mil veces la misma fórmula con desafortunados resultados es una de sus mayores lacras. Cierto que ocasionalmente surge alguna cinta de corte más tradicional perfectamente disfrutable, pero a la hora de la verdad todos nos acordamos de las , que al menos creemos- grandes pioneras como referencia. "El exorcista" ("The Exorcist", William Friedkin, 1973) es una de las películas fijas cuando se habla de las mejores películas de terror de la historia, tanto por su función como génesis del cada vez más ingrato cine de exorcismos como por sus méritos artísticos.He de reconocer que ya había visto dos veces "El exorcista" con anterioridad al visionado ex profeso para hacer esta crítica a la carta con desigual resultado. La primera me tuvo en tensión durante casi todo el metraje, en especial en su tramo final, pero la segunda, acompañada de varios amigos, acabé riéndome la mayor parte del tiempo. Sin embargo, hace más de 10 años de ese último visionado, por lo que la oportunidad que me habéis brindado de volver a verla ha servido para desempatar. ¿El resultado? Mucho más cercano a mi primera impresión que a la segunda.
La génesis de "El exorcista"
El cine de terror americano pasaba por una etapa de transición a comienzos de los años 70, aún dominado por una mala comprensión de lo que convirtió a "Psicosis" ("Psycho", Alfred Hitchcock, 1960) en una de las mejores películas de la historia, lo único que añadiendo generosas dosis del cine gore descubierto pocos años después. Las ofertas británicas, españolas y, sobre todo, italianas, con el giallo como gran emblema, no tenían nada que envidiar a las múltiples producciones americanas de bajo presupuesto de esos años que querían emular el fenomenal éxito de "La noche de los muertos vivientes" ("Night of the Living Dead", George A. Romero, 1968) en lugar de seguir la vía de "La semilla del diablo" ("Rosemary"s Baby", Roman Polanski, 1968). Sin embargo, el público estaba ansioso por ver una cinta de terror que les permitiese vibrar en una sala de cine.
William Peter Blatty publicaba en 1971 su novela "El exorcista", la cual tomaba como base un polémico caso real acaecido en 1949. El misticismo de la historia sirvió para disparar el interés por la historia, algo que aprovecharon en Warner para hacerse con los derechos de adaptación cinematográfica casi de inmediato. La productora tanteó a varios directores , Stanley Kubrick entre ellos- y acabó contratando a Mark Rydell, responsable de títulos como "Los cowboys" ("The Cowboys", 1972) o "En el estanque dorado" ("On Golden Pond", 1981), pero la insistencia de Blatty, que se encargó de adaptar su propia novela, les llevó a reconsiderar su decisión y William Friedkin, reciente ganador del Oscar por su trabajo en "French Connection, contra el imperio de la droga" ("The French Connection", 1971), fue el hombre elegido para la tarea.
El apoyo de Blatty fue decisivo para que Friedkin se saliera con la suya en decisiones como vetar la posible presencia de Marlon Brando, mientras que otros grandes nombres asociados al proyecto como Shirley MacLaine o Audrey Hepburn acabaron cayéndose por otros motivos , la protagonista de "Charada" ("Charade", Stanley Donen, 1963) exigía rodar la película en Roma- . En agosto de 1972 comenzó el trabajo de producción y Friedkin no dudó en recurrir a cualquier método a su alcance para conseguir las reacciones que deseaba de los protagonistas. Todo valía con tal convertir a "El exorcista" en una gran obra y un descomunal éxito económico , a día de hoy aún figura entre las 150 películas más taquilleras de todos los tiempos- .
Los tranquilos mecanismos del terror
Uno de los aspectos más criticados por los detractores de "El exorcista" es su comienzo ambientado en Irak, recordado por algunos como una losa temerariamente alargada que les impide conectar con lo que viene a continuación, pero lo cierto es que no son más de 10 minutos que sirven como antesala para el componente paranormal de la historia y para presentarnos al padre Merrin , magistral Max Von Sydow sin necesidad de hacer alardes de ningún tipo- . La aparente normalidad es lo que domina en los siguientes minutos, donde Friedkin y Blatty se explayan en el desarrollo de los personajes, algo más logrado en el caos de Regan y Chris , en especial en el caso de la ideología de la segunda gracias al buen hacer de Ellen Burstyn- que con el padre Karras , bastante correcto Jason Miller-, cuyas dudas de fe motivadas por la pérdida de su esposa madre son tan necesarias para el devenir de la trama como poco estimulantes para el espectador cuando son mostradas de forma directa.
La aparición de los primeros síntomas de enfermedad en Regan sirve para que Friedkin nos ofrezca varios ramalazos de esa inusual fuerza que había caracterizado a su anterior trabajo. Lejos de caer en el impacto gratuito , el momento más dado a ello fue eliminado al no estar Friedkin satisfecho con el resultado técnico, pero varios años después fue recuperado-, la historia se desarrolla con calma, dejando espacio a todas las hipótesis sobre lo que podría estar sucediendo en realidad. Esta calma chicha invita a la impaciencia a un espectador ya acostumbrado a que las películas entren a saco en el componente paranormal, pero realmente ayudan a crear lazos emocionales entre el espectador y los personajes y a ver cómo el progresivo deterioro de Regan parece obligar a recurrir a medidas desesperadas.
El exorcismo
Llega un punto en el que Friedkin se ve obligado a dejar de lado la eficiente sutileza con la que se había desarrollado la historia hasta entonces, pero no cae en el error de dejarse llevar por el histrionismo de la situación. Sí, Regan suelta auténticas barbaridades por su boca y hay trucajes visuales muy llamativos , la cara del revés, Regan flotando durante la sesión de exorcismo, etc.- , pero él prefiere mantener la sobriedad visual para no exagerar más de la cuenta la situación. Eso se traduce en grandes momentos que perdurarán por siempre , Merrin llegando a la casa- y un exorcismo más realista que los que se popularizaron a posteriori. Friedkin prefiere indagar en las heridas emocionales de los personajes para que los hechos que van sucediéndose sean más vigorosos.
Pena que el desenlace del exorcismo resulte un tanto precipitado por la aparente necesidad de resolverlo de forma impactante. Hasta ahí se había apostado por un intimismo, tanto visual como emocional , sólo la inmejorable utilización del tema Tubular Bells de Mike Oldfield rompe un poco tanto con esa línea dominante como con el uso mayormente incidental de la música durante toda la película-, que había reforzado una tensión creciente que se rompe de forma un tanto decepcionante tras alcanzar su clímax. El breve epílogo, que, sin saber explicar el motivo, me trajo a la mente la célebre frase final de "Casablanca" (Michael Curtiz, 1942), no es más que una forma de relajar al espectador de la época antes del desenlace y ver que todo ha vuelto a una aparente normalidad , o al menos hasta la llegada de la inevitable secuela, pero esa ya es otra historia- .
Puede que todo el aura que rodea a "El exorcista" haya hecho que se hayan exagerado un poco sus virtudes, pero estamos ante una película que se toma en serio el cine de terror y va desarrollando la historia con calma y mimando a sus personajes, algo que ya le daría de sobra para estar muy por encima de la media. El buen trabajo del elenco, la acertada aproximación de la puesta en escena de Friedkin y alguna escena que ha pasado al imaginario colectivo la convierten aún hoy en la mejor película sobre exorcismos de la historia , la competencia también es cierto es que bastante pobre-, y tengo serias dudas de que vaya a ser superada en el futuro.
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Que opina usted? Obras maestras según Blogdecine | Sucedió una noche de Frank Capra - 29/12/2012 8:12:07
" La siguiente película que continúa el especial es esta magnífica comedia de Frank Capra que escogí. Se sitúa en el año 1934 ,apenas un año de distancia con el post anterior de este especial, pero es que fue en esta época en la que el cine empezó a sentar sus bases y a ser más consciente del enorme potencial que ofrecía. No me pude resistir. A pesar de los años transcurridos siempre me ha parecido un film extremadamente cercano y no importa las veces que lo mire, siempre siento que su humor no ha envejecido ni un ápice.El público de la década de los años 30, sometido por un entorno sumido en la Gran Depresión y las nuevas medidas del New Deal, estaba terriblemente hambriento también, de entretenimiento y de esperanza. Las películas de gángsters como "Scarface, el terror del hampa" ("Scarface", Howard Hawks, 1932), el maravilloso cine de terror de la Universal, los musicales en los que una chica del coro podía llegar a ser una estrella como en "La calle 42" ("42nd Street, Lloyd Bacon, 1932) o la comedia que nos ocupa, eran los tipos de films que más reclamaba la audiencia de esta época. Fue éste último caso, el del género de la comedia, uno de los que más evolucionó o, mejor dicho, se revolucionó.
El humor era esencial como vía de escape y, en este contexto, se realizaron una serie de comedias románticas que más tarde pasaron a denominarse como screwball comedies o comedias de enredo. Las claves de este subgénero eran su humor descarado, con un ritmo ágil y trepidante; unos diálogos mordaces e ingeniosos y, sobretodo, la voluntad de crear un espectáculo en el que se hicieran añicos los estatus, las normas, los roles o los prejuicios sociales. Por ello era común que en estas películas predominara la guerra de sexos o la contraposición de clases sociales. Estas luchas, no obstante, eran siempre de igual a igual. Las relaciones entre hombres y mujeres nunca antes habían sido tratadas de manera más equitativa ni con más sorna. La clase alta era pintada como una estructura aislada del mundo real y cuyos integrantes tenían verdaderas dificultades para sobrevivir fuera de su entorno. Con "Sucedió una noche" ("It happened one night", Frank Capra, 1934) se inauguró oficialmente el subgénero que duraría hasta 1942 aproximadamente, con la entrada en la Segunda Guerra Mundial.
La cinta es famosa por conseguir el grand slam de los premios Oscar, al llevarse las estatuillas por mejor película, mejor dirección, mejor guión, mejor actor y mejor actriz. Un gran triunfo para la Columbia, una modesta productora entonces en comparación con la Metro Goldwyn Mayer o la Warner Bros. Pasarían más de cuarenta años hasta que "Alguien voló sobre el nido del cuco" ("One flew over the cuckoo"s nest", Milos Forman, 1975), lograra tal gesta.
En un principio nadie apostó por esta cinta ni por su éxito. El director Frank Capra tuvo una enorme decepción cuando en la anterior noche de los Oscars, dijeron su nombre "Frank" como ganador y acto seguido se levantó hacia el escenario, para descubrir que el premio era en realidad para el olvidado Frank Lloyd por "Cabalgata" ("Cavalcade", 1933). Con tamaño chasco, es lógico que no tuviera ningún tipo de confianza en ser galardonado por esta película. Clark Gable en un papel de comedia ,no tan habitual en él,, estuvo inconmensurable después de ser cedido a regañadientes a la Columbia por parte de la Metro. Diversas actrices rechazaron el proyecto incluso la propia Claudette Colbert, que accedió finalmente al mejorarle su salario. El uso de un autobús como escenario también había dado penosos resultados en taquilla ,se habían estrenado dos películas antes en el mismo contexto,.
El film destaca por un guión magistralmente armado por Robert Riskin, inspirado por las estructuras clásicas de narración. El ritmo de la trama varía a lo largo de la película, más rápido al principio, más pausado al final. Incluye también una pequeña road movie, un viaje del que los protagonistas regresan cambiados por los hechos vividos. Su planteamiento ha servido de base para la mayor parte de las comedias románticas que se han realizado posteriormente. La batalla de sexos o el rechazo mutuo inicial de los protagonistas, son algunos ejemplos. En esta cinta paradójicamente, las situaciones y el tratamiento resultan mucho más modernas que en comedias románticas actuales, en las que impera la mojigatería por encima del ingenio.
Los rasgos más característicos del cine de Frank Capra también están presentes en "Sucedió una noche". La preocupación por la problemática social de la Gran Depresión es un telón de fondo constante en este film, en el que se nos muestra sus gentes, sus miserias, la diferencia entre clases. El periodismo, la profesión del protagonista Peter Warne, es también una ocupación recurrente en sus películas. El idealismo exaltado o el optimismo del que cree que siendo fiel a uno mismo puede lograr su sueño, en este caso, prosperar en la sociedad. Algo que Capra había vivido en sus carnes, siendo inmigrante italiano y llegando a su meta mediante mucho esfuerzo. A estos elementos se une su magnífico dominio del gag, no en vano empezó como director de las cintas del cómico del cine mudo Harry Langdon.
Las interpretaciones son maravillosas, tanto de los protagonistas como de los secundarios, entre los que destacan Ward Bond ,secundario habitual de John Ford, como conductor del autobús o Roscoe Karns como el pícaro Shapeley. Del dúo principal, sobresale fundamentalmente Clark Gable con una interpretación memorable. Está espléndido en todas sus escenas y son precisamente aquéllas en las que él aparece, las más divertidas y recordadas. Desde su, llamémosle striptease o momento en el que se empieza a quitar la ropa, con el que causó la frenada de las ventas de camisetas interiores pues no llevaba ninguna ,también su característico bigote empezó a hacer furor a partir de este film,. Otra genial situación que le concierne es en la que coloca una manta a modo de separación entre su cama y la de Claudette Colbert, para luego denominarla como "las murallas de Jericó". También son míticas las escenas sobre cómo se debe mojar un donut o cómo hacer auto-stop, auténticos manuales de supervivencia. Todo ello supuso una nueva forma de actuación e interacción a la hora de representar las relaciones entre hombre y mujer en el cine.
En mi opinión y en defensa del género de la comedia, a veces considerado menor; "Sucedió una noche" es uno de los títulos más maravillosos de esta categoría, sin el cuál el transcurso de este género y del cine en general, no sería el mismo. Una muestra más que el cine habla y influye en la sociedad y además supone un espectáculo que reconforta el espíritu. Al menos, en mi caso, así sucede.
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Información: Entrevista Exc. a Adrián García Bogliano: Director Ahi Va el Diablo/Here Comes the Devil (AFI Fest) - 10/11/2012 17:57:35
" Con apenas 32 años el director argentino Adrián García Bogliano ya cuenta con nueve largometrajes y varios cortos en su filmografía. Después de causar sensación con su anterior trabajo Penumbra, este año arrasó los premios del Fantastic Fest en la categoría de Terror con Ahi va el Diablo. Su más reciente producción se alzó como Mejor Película del género, ganando también por Mejor Director, Mejor Guión (ambos para Bogliano), Mejor Actríz (Laura Caro) y Mejor Actor (Francisco Barreiro).Aprovechando su presencia en Hollywood para promover tanto Here Comes the Devil como la cinta de cortos de horror The ABC"s of Death, hablamos con el joven talento que muchos apodan "el Eli Roth Latino".
DH: ¿Haz podido disfrutar del Festival?
AGB: He ido a algunas fiestas pero nada de ver películas.
DH: Felicitaciones por los premios ¿Cómo se procesa una respuesta tan positiva en EE.UU.?
AGB: Muy bien, aunque se me hace un poco raro. He hecho películas en Argentina, Costa Rica y ahora México. Pero siempre el lugar donde tienen mejor respuesta es Estados Unidos. A estas alturas ya estoy un poco acostumbrado después de nueve películas. Aunque ésta es la que ha tenido mejor respuesta en todas partes.
DH: Nueve películas a los 32 años ¿Cuándo duermes?
AGB: Me gusta mantenerme activo. Creo que estamos acostumbrados a ver directores esperando por años por ciertos proyectos. Para mi la clave es tener muchos proyectos. Hay que tocar muchas puertas al mismo tiempo. Si crees que vas a hacer como Kubrick una obra maestra cada diez años te vas a llevar una decepción muy grande.
Hay una peli que me llevó cinco años. Estoy contento con ella pero es imposible que cumpla con las expectativas con tanto trabajo. Me ha pasado de sacar dos películas a la vez, o que dos productores quieren filmar al mismo tiempo y eso genera problemas. Pero si la alternativa es no filmar y quedarse parado, creo que vale la pena.
DH: En Ahí va el Diablo hay niños sin supervisación adulta ¿Fue así un poco tu infancia, mirando películas de horror a escondidas?
AGB: Me encanta esa interpretación. Pero la verdad es que no tiene nada que ver conmigo. La pareja de adultos reviven experiencias de su juventud pero no quise contar algo personal. Es más sobre cómo uno ve su propia sexualidad y cómo se ha usado eso y a los niños en el cine de terror. No quise hacer la ecuación que vemos en películas como Scream "sexo=malo".
DH: Lo sexual está siempre, en mayor o menor medida, presente en tu trabajo ¿Es una herramienta?
AGB: La sexualidad es un recurso que me gusta mucho integrar en mis historias. Es algo catártico que sirve como contrapunto a la muerte.
DH: En Penumbra hay más atmósfera a lo Hitchock que sangre ¿Te interesa explorar varios sub-géneros del terror?
AGB: Sí. Quiero jugar con todo lo que se pueda dentro del terror. Me gusta cuando me cuesta visualizar algo y me pone incómodo. Te ayuda a crecer y experimentar.
DH: ¿Cómo fue la experiencia de hacer y luego promover The ABC"s of Death con los otros directores?
AGB: Nunca nos juntamos todos, pero recientemente estuvimos unos cuantos en un festival y estuvo muy bueno. El proyecto estuvo bárbaro. Soy fan del género de antología. Es una película muy rara porque los segmentos son tan cortos que no llegan a ser episodios. Hay cambios drásticos de estilo e idioma.
DH: ¿Cuál es el nuevo proyecto que estás cocinando?
AGB: Se llama Late Phases, como "Ultimas Fases". La voy a filmar en Estados Unidos. El guión no es mío sino de Eric Stolze. Es el mejor guión no producido que he leído en mi vida.
Muchas gracias a Adrián García Bogliano y a todos los que hicieron posible esta entrevista.
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Información: [REC]³ Génesis, Vivan los novios - 17/10/2012 19:44:17
" Koldo (Diego Martín) y Clara (Leticia Dolera) están hechos el uno para el otro, por eso el día de su boda se rodean de sus seres más queridos, amigos y familiares. Lo que no saben es que su boda desencadenará también un sobrenatural apocalipsis cuyas consecuencias cambiarán el rumbo de los fastos.Tercera entrega de la saga que dirigieron al alimón Jaume Balagueró y Paco Plaza, ambos con un guión en el que contaron con el talentoso Luiso Berdejo y un importante respaldo en la taquilla. Ciertamente, la floja " [REC]²" (id, 2009) me dejó con muy pocas ansias de continuar con la saga, tal vez porque ciertas complicidades se confunden, muchas veces, con la descarada repetición de tópicos que encuentran una coartada en susodichas simpatías (generadas, claro, por el marco del género).
Pero, sorpresa, Plaza devuelve a la saga una vida que nunca había tenido antes y filma la más estimable entrega, en puntuales momentos bastante superior incluso a su entrega original, aunque con otras referencias en mente y también con unas intenciones fílmicas y estéticas bien alejadas del propósito de reinventar el cine de terror en clave mediática e hiperdigital.
Lo que resulta ciertamente sorprendente de la película es reencontrarse con Plaza, un cineasta cuyos registros más inquietantes y talentosos no han contado con la distribución o la suerte que merecerían. Siendo "Cuento de navidad" (id, 2005) su más importante hallazgo como director y estando la película dirigida dentro de las "películas para no dormir" televisivas, Plaza se encontró con el importante éxito de la franquicia, rompiendo, temporalmente, su trayectoria, cada vez más interesante.
Es muy curioso que esta franquicia le haya posibilitado ahora dirigir su mejor película para pantalla grande. Partiendo de la maléfica (¡y genialoide!) idea de que sea ese arquetipo español, el del pariente de carácter verborreico y chulería legendaria, el que genere toda la epidemia que terminará con zombies siervos de Belcebú, Berdejo y Plaza empiezan la película parodiando una de las derivas más bajoneras y jodidas del audiovisual contemporáneo: el vídeo de bodas.
Tamaño hallazgo visual le sirve para ejercer el costumbrismo con un ojo tan afilado que no resulta tan descabellado evocar a Berlanga, aunque sí creer que comparten intereses temáticos y políticos en su película ya que estamos ante un cineasta, Plaza, que va a rendir tributo a "Terroríficamente muertos" (Evil Dead 2, 1988) y "Braindead: tu madre se ha comido a mi perro" (Braindead, 1992) y en cuanto la acción se ponga en marcha, sus referentes no se ocultan.
Leticia Dolera está sublime dado que parece dotada para la comedia y encantada con reinventarse como una heroína, con sierra mecánica incluida, para dotar el imaginario erótico de los amantes del fantástico con una imagen muy complicada de olvidar. Su aspecto delgado y menudo contrastan con su enérgica y feminista reacción a los problemas; su interpretación carga de matices, despoja de seriedad, y añade una añorada ligereza a un papel en el que cualquier malinterpretación de dramatismo puede hundir las perspectivas de diversión (elevada) de sus hacedores.
Igualmente genial, y con un potencial cómico con puntuales toques dramáticos, es el novio que encarna Diego Martín, siendo mucho más vulnerable, y tan absolutamente perdido en medio de lo que no deja de ser una comedia de baja estofa, una comedia ácida que él puede soportar, que, de repente, se convierte en una película de terror delirante de la que ya no está tan seguro si sobrevivirá.
El trabajo en la fotografía sigue siendo de Pablo Rosso, con la felicidad de que cuenta aquí con más posibilidades lumínicas al no contar con el formato narrativo de la serie. La música la pone Mikel Salas. Beredejo y Plaza firman el guión. En sus ochenta minutos, estamos ante una película inolvidable y muy destacable.
Mikel y Beatriz comparten aprecio por la diversión contenida aquí.
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Consulte Información en Farandula Género Ciencia Ficción y Actriz Natalie Portman
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