Noticia, Estrenos de cine | 25 de enero | El lado bueno de las bestias - 24/01/2013 05:57:17 p.m.
"Quedan aún varias semanas para que se anuncien los ganadores de los Oscar, pero este año se ha impuesto la cordura y es hoy 25 de enero cuando se estrenan en España los últimos títulos nominados como mejor película que quedaban por llegar a nuestro país. Es cierto que los focos se van a centrar en "El lado bueno de las cosas" ("Silver Linings Playbook", David O. Russell, 2012), pero también se lanza con mucho retraso , en Estados Unidos hasta está ya editada en dvd y blu-ray- "Bestias del sur salvaje" ("Beasts of the Southern Wild", Benh Zeitlin, 2012), aunque no dejéis cegaros por el glamour los premios, ya que hay otras seis películas para todos los gustos que llegan hoy a los cines de nuestro país."El lado bueno de las cosas"
Dirección: David O. Russell. Título original: Silver linings playbook. País: USA. Año: 2012. Duración: 122 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Bradley Cooper (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie). Guion: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick. Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012.
Sinopsis: El profesor Pat (Bradley Cooper) vuelve a casa con sus padres después de una estancia en una institución mental, e intenta reconciliarse con su ex mujer. Las cosas se vuelven más desafiantes cuando Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con sus propios problemas.
Crítica de la película: "El lado bueno de las cosas", en busca de la felicidad
"Bestias del sur salvaje"
Dirección: Benh Zeitlin. Título original: Beasts of the southern wild. País: USA. Año: 2012. Duración: 92 min. Género: Drama, fantasía. Interpretación: Quvenzhané Wallis (Hushpuppy), Dwight Henry (Wink), Levy Easterly (Jean), Lowell Landes (Walrus), Pamela Harper (Little Jo), Gina Montana (Miss Bathsheba), Amber Henry (LZA), Jonshel Alexander (Joy), Joseph Brown (Winston). Guion: Lucy Alibar y Benh Zeitlin; basado en la obra "Juicy and delicious", de Lucy Alibar. Producción: Michael Gottwald, Dan Janvey y Josh Penn. Música: Dan Romer y Benh Zeitlin. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Crockett Doob y Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Alex DiGerlando. Vestuario: Stephani Lewis. Distribuidora: Golem. Estreno en USA: 27 Junio 2012.
Sinopsis: La historia de "Bestias del sur salvaje" nos traslada a una olvidada y orgullosa comunidad, instalada en una zona pantanosa formada por los meandros del río Mississippi, apartada del mundo por un inmenso dique, donde la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga. Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua, y que el universo depende de que todo encaje a la perfección. Pero cuando una tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, su papá enferma de pronto, y Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas.
¿Qué podemos esperar? La gran sorpresa de las nominaciones de los Oscar que habrá que ver aunque sólo sea para comprobar si la lluvia de alabanzas que está recibiendo es merecida o no.
"El vuelo"
Dirección: Robert Zemeckis. Título original: Flight. País: USA. Año: 2012. Duración: 138 min. Género: Drama. Interpretación: Denzel Washington (Whip Whitaker), Kelly Reilly (Nicole Maggen), Don Cheadle (Hugh Lang), Bruce Greenwood (Charlie Anderson), Brian Geraghty (Ken Evans), Melissa Leo (Ellen Block), John Goodman (Harling Mays), Nadine Velazquez (Katerina), Tamara Tunie (Margaret Thomason), James Badge Dale, Garcelle Beauvais (Deana). Guion: John Gatins. Producción: Laurie MacDonald, Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey y Walter F. Parkes. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Montaje: Jeremiah O"Driscoll. Diseño de producción: Nelson Coates. Vestuario: Louise Frogley. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 2 Noviembre 2012.
Sinopsis: Whip Whitaker (Denzel Washington) es un experimentado piloto de avión que consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros de un vuelo. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre lo que sucedió exactamente.
¿Qué podemos esperar? El regreso de Zemeckis al cine de actores con carne y hueso tras muchos años centrado en la animación. Se habla muy bien de la secuencia del accidente del avión y de la actuación de Denzel Washington, pero hay opiniones muy enfrentadas sobre lo demás. Yo la veré lo antes que pueda.
"Movie 43"
Dirección: Elizabeth Banks, Steven Brill, Steve Carr, Rusty Cundieff, James Duffy, Griffin Dunne, Peter Farrelly, Patrik Forsberg, James Gunn, Bob Odenkirk, Brett Ratner, Jonathan van Tulleken. País: USA. Año: 2013. Duración: 97 min. Género: Comedia. Interpretación: Emma Stone (Veronica), Gerard Butler (duende), Hugh Jackman (Davis), Elizabeth Banks (Amy), Dennis Quaid (Charlie), Chloë Grace Moretz (Amanda), Kristen Bell (Supergirl), Anna Faris (Vanessa), Naomi Watts (Samantha), Kate Winslet (Beth), Uma Thurman (Lois Lane), Halle Berry (Emily), Josh Duhamel (Anson), Richard Gere (jefe), Kate Bosworth (Arlene), Chris Pratt (Jason), Jason Sudeikis (Batman), Kieran Culkin (Neil), Patrick Warburton (padre), Christopher Mintz-Plasse (Mikey), Justin Long (Robin), Liev Schreiber (Robert), Johnny Knoxville (Pete), Terrence Howard (entrenador), Aasif Mandvi (Robert), Leslie Bibb (Wonder Woman), Seann William Scott (Brian), Bobby Cannavale (Superman), Jimmy Bennett (Nathan), Greg Kinnear (Griffin). Guion: Will Carlough, Steve Baker, Patrik Forsberg, Matthew Alec Portenoy, Greg Pritikin, Rocky Russo, Jeremy Sosenko y Elizabeth Wright Shapiro. Producción: Ryan Kavanaugh, John Penotti, Charles B. Wessler y Peter Farrelly. Música: William Goodrum. Fotografía: Frank G. DeMarco, Steve Gainer, William Rexer y Tim Suhrstedt. Montaje: Jon Corn, Debra Chiate, Craig Herring, patrick J. Don Vito, Jason Macdonald, Sam Seig, Cara Silverman, Paul Zucker, Hakan Wärn y Sandy S. Solowitz. Diseño de producción: Tim Burgin, Toby Corbett, Russell Barnes, Robb Wilosn King y Arlan Jay Vetter. Vestuario: Roseanne Fiedler, Nancy Ceo, Sydney Maresca, Kerrie Kordowski, Salvador Pérez Jr. y Judianne Makovsky. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 25 Enero 2013.
Sinopsis: Película compuesta de sketches cómicos y un reparto plagado de estrellas. Los protagonistas son dos hermanos que buscan en internet la mítica "Movie 43", prohibida en casi todo el mundo.
¿Qué podemos esperar? Una comedia paródica con un reparto que quita el hipo. Lo más probable es que sea un completo desastre o que solamente alguna de sus historias sea realmente graciosa.
"La banda Picasso"
Dirección y guion: Fernando Colomo. País: España. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Comedia. Interpretación: Ignacio Mateos (Pablo Picasso), Pierre Bénézit (Guillaume Apollinaire), Lionel Abelanski (Max Jacob), Raphaëlle Agogué (Fernande Olivier), Jordi Vilches (Manolo Hugué), Louise Monot (Marie Laurencin), Stanley Weber (George Braque), Alexis Michalik (El Barón). Producción: Beatriz de la Gándara. Música: Juan Bardem. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: María Lara y Antonio Lara. Dirección artística: Patrice Vermette. Vestuario: Vicente Ruiz. Distribuidora: Alta Classics.
Sinopsis: París, 1911. La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos y enfrentados. Pablo recuerda cómo Guillaume le había presentado a un atlético joven a quien llaman El Barón y que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, "Las señoritas de Avignon". Pablo es español, Guillaume es polaco y El Barón es belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. "La banda Picasso" está basada en la historia real del robo de "La Gioconda" del Museo del Louvre en 1911; a raíz de aquel hecho, Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire fueron detenidos y acusados de cometer el delito.
¿Qué podemos esperar? Una comedieta española de escaso nivel que no sabrá desarrollar su simpática premisa.
"Coriolanus"
Dirección: Ralph Fiennes. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 123 min. Género: Drama. Interpretación: Ralph Fiennes (Cayo Marcio Coriolano), Gerard Butler (Tullus), Brian Cox (Menenius), Vanessa Redgrave (Volumnia), Jessica Chastain (Virgilia), James Nesbitt (Sicinius), Lubna Azabal (Tamora), Dragan Micanovic (Titus Lartius), John Kani (general Cominius). Guion: John Logan; basado en la obra de William Shakespeare. Producción: Ralph Fiennes, Gabrielle Tana, Julia Taylor-Stanley y Colin Vaines. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Barry Ackroyd. Montaje: Nicolas Gaster. Diseño de producción: Ricky Eyres. Vestuario: Bojana Nikitovic. Distribuidora: Emon. Estreno en Reino Unido: 20 Enero 2012.
Sinopsis: Coriolanus regresa a su patria como gran triunfador tras vencer a los invasores. Sin embargo, sus políticas le hacen impopular entre sus conciudadanos, que le condenan al exilio. Coriolanus, en un ataque de furia, se une a sus rivales para atacar a su país y se pone a las órdenes del que hasta ahora había sido su enemigo. Pero Coriolanus, ante su ciudad, dudará entre su orgullo y su patriotismo.
Crítica de la película: "Coriolanus", la caída de un guerrero
"El cuarteto"
Dirección: Dustin Hoffman. Título original: Quartet. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Maggie Smith (Jean Horton), Tom Courtenay (Reginald Paget), Billy Connolly (Wilf Bond), Pauline Collins (Cissy Robson), Michael Gambon (Cedric Livingston), Sheridan Smith (Dra. Lucy), Trevor Peacock (George), Michael Byrne (Frank White), Eline Powell (Angelique), Luke Newberry (Simon). Guion: Ronald Harwood, basado en su obra. Producción: Finola Dwyer y Stewart Mackinnon. Música: Dario Marianelli. Fotografía: John de Borman. Montaje: Barney Pilling. Diseño de producción: Andrew McAlpine.Vestuario: Odile Dicks-Mireaux. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en Reino Unido: 1 Enero 2013.
Sinopsis: La Casa Beecham es un hervidero. Circula el rumor de que esta residencia para músicos retirados pronto acogerá a un nuevo huésped. Y se dice que será alguien famoso. Para Reginald Paget (Tom Courtenay), Wilfred Bond (Billy Connolly) y Cecily Robson (Pauline Collins) es solo un cotilleo más. Cuando de repente ven entrar por la puerta a su ex compañera del cuarteto, Jena Horton (Maggie Smith), se quedan en estado de shock. Su carrera como solista, con el ego correspondiente que le acompañaba, acabó no sólo con su gran amistad, sino también con su matrimonio con Reggie, el cual se toma las nuevas noticias muy mal. ¿Puede el tiempo cerrar viejas heridas? ¿Podrá el famoso cuarteto solventar sus diferencias para la celebración de la gala en La Casa Beecham?
¿Qué podemos esperar? Una cinta en la que brillará su reparto mayoritariamente inglés, pero en la que no tengo demasiada fe más allá de ese punto. Una lástima que Dustin Hoffman se limite únicamente a su puesta en escena.
"Il villaggio di cartone"
Dirección y guion: Ermanno Olmi. País: Italia. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Drama. Interpretación: Michael Lonsdale (cura), Rutger Hauer (sacristán), Massimo De Francovich (doctor), Alessandro Haber, Irma Pino Viney (Magdahà), Fátima Alì (Fátima). Producción: Luigi Musini. Música: Sofia Gubaidulina. Fotografía: Fabio Olmi. Montaje: Paolo Cottignola. Diseño de producción: Giuseppe Pirrotta. Vestuario: Maurizio Millenotti. Distribuidora: Paco Poch Cinema. Estreno en Italia: 7 Octubre 2011.
Sinopsis Un anciano sacerdote (Michael Londsale) observa, con impotencia, la desacralización de su parroquia, que tiene que cerrar las puertas a causa de la ausencia de fieles y de las desavenencias con el sacristán. Todos los elementos de culto de la iglesia se retiran; incluso el gran crucifijo del altar. El párroco se resiste a abandonar lo que había sido su casa al mismo tiempo que experimenta una crisis de fe. Aquella misma noche, un grupo de inmigrantes clandestinos procedentes del norte de África se refugian dentro de la iglesia, ya desmantelada. El sacerdote decide concederles asilo y protegerles lo mejor que puede, prohibiendo la entrada a las fuerzas de seguridad. Totalmente dedicado al deber de solidaridad, el cura se entregará a los indigentes hasta agotar sus últimas fuerzas. Su vida, que hasta entonces reposaba en la palabra de Dios, toma una nueva dirección con el acto de la caridad. "Cuando la caridad es un riesgo, es el momento de la caridad", dirá. Descubre así el poder del bien más allá de la fe y el verdadero significado de la vida.
¿Qué podemos esperar? La película artística de la semana, con una marcada carga religiosa que, al menos para mí, , casi- siempre suele quitar atractivo a cualquier propuesta cinematográfica-
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Información: "Lo imposible" es la película española más taquillera de la historia - 04/12/2012 08:09:01 a.m.
" La película española "Lo imposible", ha recaudado unos 37 millones de euros y continúa siendo la más vista, por encima "Skyfall".Juan Antonio Bayona ha hecho realidad lo que parecía inalcanzable. Su segundo largometraje, "Lo imposible", que narra la historia de una familia española que sobrevivió al tsunami del 2004 en Tailandia, se ha coronado como la número 1 en recaudación en la historia cinematográfica española con 37 millones de euros.
Con algo más de un mes en cartelera, "Lo imposible", ha superado los 5 millones de espectadores y continúa siendo la película más vista en las salas de cine en España.
Con la actuación de Naomi Watts y Ewan McGregor, el mencionado film llegará a nuestras salas el 1ro de enero del 2013, para iniciar un nuevo año cinéfilo con una poderosa historia que nos hará reflexionar.
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Información: Mi semana con Marilyn, copias insatisfactorias - 02/03/2012 01:28:23 p.m.
" Cuando Marilyn lo hace bien, no quieres ver a nadie más.(Milton Greene)
Se ha hablado mucho de la influencia de Bob y Harvey Weinstein en un intento por justificar el éxito de "The Artist" (distribuida por The Weinstein Company en EE.UU.) en varias entregas de premios durante los primeros meses del año, para no reconocer que todo se debe a la calidad de una película cautivadora. Sin embargo, apenas se ha mencionado a los hermanos en relación a otra película, "Mi semana con Marilyn" ("My Week With Marilyn"), cuando ésta además la han producido, han estado realmente implicados en su gestación, no solo se han encargado de la distribución. Supongo que el motivo es que la película no ha recibido tantos galardones, que al parecer es lo que molesta, pero ha optado a muchos y alguno ha conseguido. En el caso de esta producción todo se ha centrado en la metamorfosis de Michelle Williams, nominada al Oscar y ganadora del Globo de Oro (en la categoría de mejor actriz de comedia o musical) y el Independent Spirit Award por su interpretación de Marilyn Monroe.
Apoyada en una estupenda labor de maquillaje y vestuario, Williams logra un notable parecido con Monroe, sobre todo en planos medios o generales, cuando la cámara no se centra completamente en su rostro y cobran importancia los movimientos, los gestos y la voz. La actriz, que a pesar de su juventud ya ha optado en tres ocasiones al Oscar, realiza por tanto una meritoria imitación de la mítica y trágica estrella de Hollywood, si bien se echa en falta en ocasiones a una mujer de un mayor parecido físico, como por ejemplo, Scarlett Johansson; una lástima que no le interesara al papel, creo que es lo más cercano a la ambición rubia que hay ahora mismo en la industria cinematográfica. En cualquier caso hay que aplaudir el esfuerzo y la interpretación de Williams, que como digo, consigue resucitar a Marilyn en bastantes momentos, un logro nada sencillo. El problema es que la ilusión no es completa, resulta intermitente, irregular, y por eso he hablado del parecido físico, que en este caso me parece importante. La Marilyn de Williams resulta creíble como mujer y como actriz, pero no como una criatura irresistible que enamoraba a todo aquel que la miraba. Y centrarse tanto en esto último es uno de los mayores errores de la película.
Otra equivocación importante de "Mi semana con Marilyn" es el débil y cargante personaje protagonista, que no es Marilyn a pesar del cartel, los premios y la publicidad. La historia, vendida como auténtica en los créditos iniciales (ni basada ni inspirada, ¡verdadera!), se nos muestra a través de los ojos de Colin Clark, a quien da vida un desafortunado Eddie Redmayne, con perpetua expresión de "maravillado". La película parte de dos libros escritos por Clark en los que relata el conflictivo rodaje de la comedia romántica "El príncipe y la corista" ("The Prince and the Showgirl") y habla de primera mano sobre las dos estrellas de la película, la actriz Marilyn Monroe y el director y actor Sir Laurence Olivier (Kenneth Branagh, cumpliendo una probable fantasía de juventud). Clark era un joven aficionado al cine de 23 años, sin experiencia alguna en el medio, que por pesado (según aparece en el film) consigue un empleo como tercer ayudante de dirección en la citada película de 1957. Su tozudez le brinda la oportunidad de conocer a su ídolo, Olivier, y a su amor platónico, Monroe. Pensarás que eso es tener muchísima suerte, pero la cosa se pone aún mejor para este chico…
Marilyn llega a Londres en la cima de su carrera, recién casada con el prestigioso escritor Arthur Miller (encarnado por un correcto Dougray Scotttensión continúa al iniciarse el rodaje, Marilyn llega tarde al set y luego, ya en faena, tiene problemas para recordar y pronunciar los diálogos. Olivier comienza a desesperarse y pide ayuda a Clark, que cae simpático a la actriz, encantada con la ingenuidad, la pura fascinación y el respeto que demuestra, algo que no encuentra en los demás hombres de su vida. Miller abandona a Marilyn y se marcha de vuelta a Estados Unidos, convirtiendo a Clark en la persona más cercana a la actriz, ayudándola a sobrellevar una de las etapas más difíciles de su vida. Así llegamos a descubrir a la mujer que hay detrás del icono.
Tanto el guionista, Adrian Hodges, como el director, Simon Curtis (debutante en cine, experimentado realizador televisivo, algo que se nota en la convencional puesta en escena), fracasan tratando de exprimir este sencillo material, del que se podría haber sacado más jugo. Algo más sobre Olivier, el trabajo de Marilyn (porque al fin y al cabo cumplió con su papel), el proceso de realización de una película bajo la mirada de un novato como Clark, su relación con la chica de vestuario… Pero la intención parece ser únicamente la de mostrar en pantalla las conocidas dos facetas de Marilyn, la de radiante estrella que todos querían poseer y la de mujer vulnerable e insegura necesitada de comprensión y amor. Y se hace de una manera clara, simple y superficial, sin profundizar, por lo que no se aporta nada nuevo ni valioso. Hodges y Curtis se contentan con crear un producto ligero y agradable, de cuidada factura, que resulte entretenido para el mayor número de espectadores; es el típico producto muy bien envuelto que se hace pensando en premios, se entiende por qué interesó a los Weinstein. Lamentablemente no hay interés por un retrato verdaderamente íntimo e intenso de una figura que aún hoy despierta una gran fascinación. Espero que haya más suerte con el proyecto de Andrew Dominik y Naomi Watts.
También resulta decepcionante el escaso partido que se le saca a un reparto tan amplio y competente. Kenneth Branagh divierte con su caricaturesco retrato de Olivier, si bien se echa en falta un mayor rigor en la recreación del famoso personaje, aquí simple y evidente. Igualmente se desaprovecha la participación de Judi Dench (maravillosa como Dame Sybil Thorndike, eclipsa a todos durante sus breves apariciones), Toby Jones (Arthur Jacobs), Julia Ormond (Vivien Leigh), Emma Watson (Lucy, una chica del departamento de vestuario que conquista Clark antes de intimar con Marilyn; personaje un tanto prescindible), Dominic Cooper (Milton Greene) o Derek Jacobi (Sir Owen Morshead), que tienen menos presencia en pantalla de la que sería deseable. Sobre todo para tapar al soso personaje de Clark, que necesitaba mayor elaboración y un intérprete más carismático que Redmayne. En resumen, una película que entusiasmará a los fans de Marilyn, válida para pasar el rato y prescindible para el que busque algo más.
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Que opina usted? J. Edgar, derechazo a los prejuicios - 27/01/2012 09:29:33 a.m.
" Corre la voz entre los cinéfilos de que "J. Edgar" puede ser un traspiés en la carrera de Clint Eastwood, y no podemos culparles, ya que la crítica americana la ha recibido con una frialdad considerable, siendo además completamente ignorada en las recientes nominaciones a los Oscar. Soy consciente de que hay no pocos amantes del cine que lo consideran poco menos que un Dios, como por ejemplo mi compañero Alberto, el cual está demostrando su alta estima hacia el director de "Un mundo perfecto" (en mi opinión su mejor película) en el especial que le está dedicando en Blogdecine. Seguro que ni el propio Eastwood esperaba alcanzar el nivel que ha logrado cuando decidió dar el salto a la dirección con la estimable "Escalofrío en la noche"He de reconocer que yo no soy un adorador de la religión de Clint Eastwood, ya que tiene unas cuantas películas que me encantan, pero también varias que catalogo entre lo regular ("Banderas de nuestros padres" o la aún reciente "Más allá de la vida") y lo malo ("Deuda de sangre" o "Ejecución inminente"). Imagino que algunos de vosotros ya estaréis buscando piedras bien grandes y de canto afilado para lapidarme por soltar semejante blasfemia, pero lo que busco afirmando esto no es causar una polémica gratuita, sino dejar claro de entrada que no soy un fanboy suyo, sino alguien que no tiene problemas en atacar sus películas si creo que la ha pifiado ¿Estamos ante un caso así con "J. Edgar", su nueva película que llega hoy 27 de enero a los cines españoles?
Lo cierto es que no soy muy amigo de los biopics, en especial cuando apestan a estar hechos con la intención de rascar algo en los Oscar, ya que por todos es sabido la debilidad que tienen a premiar al menos a los intérpretes que sufren una metamorfosis para acercarse al personaje real. Y no voy a negar que hasta cierto punto "J. Edgar" transmite esa sensación, pero lo que no hace es caer en muchos de los errores habituales de estas producciones. Voy a tomar como ejemplo "La dama de hierro", de la cual ya os comenté a principios de este mes el multitud de pegas que la le encontraba, las cuales pueden resumirse en que lo único realmente cuidado era el apartado interpretativo, y limitándolo en exclusiva a los protagonistas. Ese es el gran mal de muchos biopics, los cuales confían en que un actuación superlativa salve los muebles de una película que en el resto roza la mediocridad. Ya puedo confirmaros que eso no sucede en "J. Edgar".
El primer gran acierto de "J. Edgar" es evitar caer en querer pasar por todos los momentos históricos en la vida del protagonista, ya que centra su interés en un único caso de toda su carrera profesional (el secuestro del hijo de Charles Lindbergh) para explicar el ascenso meteórico de la influencia de Hoover. El guionista Dustin Lance Black no quiere hacer un repaso ligero sobre varias etapas de la historia americana, sino centrarse en la persona de J. Edgar Hoover. Valga por ejemplo el caso de John Dillinger, el cual sirvió recientemente para que Michael Mann rodase la apreciable "Enemigos públicos", pero que aquí se ve limitado a un par de menciones para reforzar el carácter egomaníaco y obsesivo del protagonista. Es cierto que para ello quizá se abuse un poco de los diálogos, dejando así poco espacio para el trabajo físico de los protagonistas para definir y/o reforzar a sus personajes a través del trabajo gestual. No ayuda mucho en este punto el maquillaje empleado, fruto de constantes críticas que califican casi de robótico el trabajo de Leonardo DiCaprio y Arnie Hammer cuando tienen que aparentar ser adultos, algo con lo que yo no estoy demasiado de acuerdo. Cierto que no es un trabajo memorable, pero, salvada la sorpresa inicial, funciona con corrección.
Lo que sí permite el guión de Lance Black es que Clint Eastwood reincida en su estilo de abordar sus películas en varias capas, aunque no con la misma fortuna en todos los casos. Y es que se ha comentado mucho el componente de thriller de "J. Edgar", pero es aquí donde la película tiene alguna de sus mayores debilidades, ya que carece de grandes momentos de tensión. Todo lo relacionado con el FBI se centra en intentar definir las formas de investigación que él estaba empeñado en que fuesen implantadas o detenciones relámpago, es decir, sin un gran trabajo previo para darles una relevancia especial. No obstante, esto no es algo que dañe de forma irremediable la película, porque la creación y desarrollo del FBI es consecuencia y no causa de lo que se nos está contando. ¿Cuál es la causa? La obsesiva personalidad de J. Edgar Hoover.
No voy a decir que Leonardo DiCaprio sea uno de mis actores favoritos (aunque muy lejos no queda), pero sí que ha demostrado suficiente versatilidad y talento para que lleve años sin desentonar lo más mínimo en sus escasas apariciones en una película. En el caso que nos ocupa, el protagonista de "Origen" muestra otra forma de obsesión diferente a la que dio en la cinta de Nolan (y es que sigo defendiendo que ese es el gran tema de toda la obra del director de "Memento"), ya que allí se incidía en su dolor, mientras que aquí es la egomanía de Hoover lo que vertebra su actuación. Y es que a Eastwood no le interesa el personaje público tanto como descifrar qué es lo que había detrás de la persona. Y es que es habitual en su cine que cuando se centra en la parte humana de la historia, la película gane muchos enteros. Y "J. Edgar" no es una excepción, algo que el protagonista de "Diamante de sangre" sabe aprovechar perfectamente.
Sé que es un poco injusto hacerlo de esta forma, pero voy a optar por hablar ás de Hoover en función de su relación de dependencia con respecto a otros tres personajes que aparecen en la película que por sí mismo. Hoover es un hijo devoto que ante todo busca la aprobación de su madre (una Judi Dench que cumple bien, pero que ha estado mejor en otros trabajos suyos), la cual es poco menos que una fanática religiosa y ancla a su hijo en unas convicciones morales que le llevan hacia atrás, es decir, hacia una ideología retrógrada que no cuadra demasiado con la obsesión de su hijo por modernizar la forma de llevar a cabo investigaciones en USA. Sin embargo, la disensión entre ambos no es algo que se muestre como una opción real, sino que el personaje de su madre funciona como freno cuando su hijo quiere tomar una serie de decisiones personales alejadas de lo que le ha sido inculcado.
En un punto intermedio tenemos al personaje de Naomi Watts, la cual da vida a la secretaria fiel del protagonista, con la cual intenta en primera instancia iniciar una relación sentimental, pero eso no es más que un señuelo que utiliza "J. Edgar" ante lo que está por venir. No obstante, la fidelidad profesional de ella está fuera de toda duda, con lo cual es un acierto que sea a través de ella que veamos cuáles son los objetivos del protagonista y su entusiasmo por llevarlos a cabo. Y es que es mediante su personaje que tenemos una visión más neutra de Hoover, un hombre metódico que sólo quiere lo mejor para su país. El problema es que esta visión es la que menos interesa a Eastwood (normal, sería muy aburrido centrar el relato en este aspecto), lo cual convierte a Watts en un personaje marginal durante buena parte del metraje, lo cual no quita que ella haga un buen trabajo.
La última capa, y la más interesante de todas, de la personalidad de Hoover nos viene dada a través del personaje que interpreta, y muy bien, Arnie Hammer. Él es el elemento modernizador, el que se sale de los esquemas iniciales del protagonista. Valga por ejemplo cómo se nos presenta su contratación: Hoover tiene una serie de requisitos muy estrictos a la hora de citar a los candidatos, y el personaje de Hammer está lejos de cumplirlos todos. Sin embargo, orquesta una cita, en la que no duda en espetarle los problemas que tiene con él y los motivos por los que no encaja, a lo cual recibe una réplica tan sincera y desarmante que no le queda otro remedio que ficharle, llegando bien pronto a ser su hombre de confianza (quizá el único que lo consiguió).
Él representa el cambio, el progreso, algo que choca constantemente de frente con lo que la madre de Hoover le ha inculcado, siendo estos momentos los de mayor riqueza de toda la cinta. Es aquí donde surge el conflicto personal y la película sube varios enteros. Y es que Hoover puede ser una persona cuyos métodos rozan lo despreciable (su forma de despedir a ciertos agentes), pero eso no debe restar importancia a todos los avances que logró durante su etapa al frente del FBI. La cuestión es que a nivel personal había más claroscuros con los que enriquecer la visión cinematográfica de Hoover, y eso es algo que Eastwood aprovecha para conseguir una película de mayor interés y DiCaprio una actuación más matizada que ni siquiera ha sido premiada con una nominación al Oscar.
Podría daros más detalles sobre la película como lo mucho que se agradece el habitual clasicismo en la puesta de escena de Eastwood, la lograda recreación de la época, tanto a nivel de ambientación como de vestuario o que el resto de actores que pueblan el extenso reparto realizan un trabajo remarcable, sin abusar de la presencia de otros personajes reales famosos, pero tampoco evitando su aparición cuando eso sirve para definir un poco mejor la personalida de Hoover, pero ni quiero alargar esta valoración al infinito ni dejar margen alguna para la sorpresa cuando os decidaís a echar un vistazo a "J. Edgar", así que opto por aglutinarlo todo en que todo funciona bastante bien, aunque falta ese puntito extra de brillantez (quizá si la capa de thriller funcionase mejor, quizá dejarse llevar un poco más en lo humano) que convierta a "J. Edgar" en una cinta memorable.
En definitiva, "J. Edgar" es un biopic que opta por contarnos la vida de un personaje real adoptando una hipótesis sobre él en la que no existe unanimidad al respecto, lo único que no opta por una polémica desvergonzada como sucedió en "Anonymous", sino que lo hace con talento y buen gusto, algo habitual en el cine de Eastwood. Eso sí, tampoco es la nueva obra maestra de su director que muchos estarían esperando, pero sí una muy buena película que merece la oportunidad de ser vista con una mente abierta a ver una producción coherente en la carrera de su realizador. Sin grandilocuencias innecesarias, ganando enteros cuando se centra en la parte humana de la historia, pero no por ello dejando de ser interesante cuando nos habla de la obsesión profesional del protagonista. Hay que verla.
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Noticia, Detrás de las paredes y la nueva Juez Dredd, dos películas a evitar - 08/10/2011 11:24:08 a.m.
" Ojo a lo que ha ocurrido con "Detrás de las paredes" ("Dream House") y "Dredd", dos títulos de los que conviene ir olvidándose. En solo unos días se ha descubierto que tanto Jim Sheridan y Pete Travis han tenido serios problemas con los productores de sus respectivas nuevas películas, hasta el punto de que el primero ha renegado del resultado final, llegando a pedir que retirasen su nombre de los créditos, y el segundo ha sido "invitado a marcharse" durante la etapa de post-producción porque su ideas no encajaban con las de la gente que pone el dinero. Muy mala noticias para todos los que teníamos algún interés en estas dos producciones."Detrás de las paredes" es un thriller sobrenatural protagonizado por Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts, que se estrenó el pasado fin de semana en EE.UU. con malas críticas y una taquilla decepcionante. Un fiasco que se comprende mejor tras descubrir que Sheridan empezó a filmar con un guion que no le gustaba, y que intentó corregir con improvisaciones, dando lugar a un primer montaje que al parecer no gustó a nadie; en Morgan Creek, productora del desaguisado, ordenaron filmar más escenas y montar otra versión, que es la que finalmente ha llegado a los cines con el resultado ya comentado. Igual no es tan desastrosa, pero a priori lo único que puedo pensar es que han tirado a la basura una película de 50 millones de dólares con tres estrellas en el reparto…
Por su parte, "Dredd" es el título de la segunda adaptación cinematográfica del cómic "Juez Dredd", dieciséis años después de la fallida película que protagonizó Sylvester Stallone. Karl Urban, Lena Headey y Olivia Thirlby encabezan el reparto de la nueva versión (en teoría más fiel al cómic) dirigida por Travis, quien ha sido apartado por irreconciliables diferencias creativas con los productores y ejecutivos de IM Global y Lionsgate. Alex Garland, guionista y productor del film, se encargará de terminar el trabajo que ha abandonado Travis, lo que incluirá muy posiblemente rodar nuevas escenas. En principio, la fecha del estreno sigue intacta, 21 de septiembre de 2012.
PD: Sheridan ya tiene entre manos un nuevo proyecto, "Sheriff Street Stories", una pequeña historia irlandesa sobre su juventud.
Vía | LATimes
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