Es Noticia, Django desencadenado, Tarantino embriagado - 22/01/2013 17:19:52
" Que Quentin Tarantino se acercarse de lleno al género del western era cuestión de tiempo. El mencionado género es el más utilizado por el realizador en sus films; baste comprobar sus homenajes al cine de Sergio Leone en concreto y la utilización de ciertos elementos del cine de vaqueros en su cine, al que casi podríamos ya considerar como un género en sí mismo, algo que jamás le he negado a un director que salvo excepciones no suele gustarme. Y a pesar de mis reticencias con un director cuyas películas se ven peligrosamente dañadas por el paso del tiempo, salvo quizá la muy entretenida "Malditos bastardos" ("Inglourious Basterds", 2009) eh, tú, el del fondo, no saques el cuchillo ni hables en un idioma inventado, es sólo mi opinión, me acerqué a "Django desencadenado" ("Django Unchained", 2012) con más ilusión que otras por el simple hecho de pertenecer al género de géneros.Cabe decir que aunque la película lleve el nombre de Django en su título, poco o nada tiene que ver la película con el pequeño clásico de Sergio Corbucci de 1966, más allá de pertenecer al mismo género o de contar en una aparición especial con Franco Nero a modo de sentido homenaje al citado film. Ni siquiera sus tramas se parecen, así que ver el film italiano o no, más allá del disfrute que eso conlleva, no influye en el visionado de la nueva obra de Tarantino. No es un remake, y como el mismo director aclaró el nombre de Django se ha utilizado infinidad de veces en spaguetti westerns del montón que trataban de aprovecharse del tirón comercial del film de Corbucci. En el caso de Tarantino es simplemente un ejercicio de nostalgia.
(From here to the end, Spoilers) "Django desencadenado" no posee una complicada trama, hasta diría que es el film de su director más simple en ese aspecto. En base se trata de la misma línea narrativa que tantos y tantos westerns, la historia de una venganza. La unión entre el Dr. King Schultz (Christoph Waltz) y el esclavo Django (Jamie Foxx), primero por bienes comunes y más tarde como original sociedad de cazarrecompensas que culmina con la venganza personal de Django por haber sido separado de su mujer Broomhilda (Kerry Washington), también esclava. Una breve premisa que se alarga durante más de dos horas y media, el principal problema de la película. 168 minutos es algo exagerado, y en su tramo final Tarantino pierde totalmente los papeles, como si no supiera qué hacer con su película.
Una vez más el director, ganador de un inesperado Globo de Oro por el guión hazaña que probablemente no repita en los Oscars alarga inecesariamente muchas de las situaciones de la película. Señal inequívoca de su estilo dirán algunos, amor desmesurado por sus historias digo yo en realidad ambas cosas, pero nadie puede negar esta vez que Tarantino se ha excedido sin control y bajo mi punto de vista ha cometido un error muy grave en el clímax del film en uno de los tres o cuatro que tiene, no terminar la película en la parte protagonizada por un inmenso, brillante, espectacular, y no nominado, Leonardo DiCaprio, quien compone, sin miedo a exagerar, uno de los mejores personajes de su carrera y también uno de los mejores del universo Tarantino. Calvin Candie es un villano que eleva el film hasta lo más alto, como también lo hace Christoph Waltz.
Pero a pesar de lo estirado que está el film en muchos de sus pasajes todo el protagonizado por un entregado Don Johnson, y donde no pinta nada Jonah Hill, sobra por completo a pesar de la enorme burla que realiza sobre el Ku Klus Klan, "Django desencadenado" es muy disfrutable en sus puntos altos. Por ejemplo, tras el inicio en el que suena la mítica canción de Luis Bacalov, la presentación del personaje central y el Dr. King Schultz es un ejemplo claro de cómo dar inicio a un film y que este agarre al espectador. A partir de ese instante tan poderoso y divertido y en el que el brillante trabajo de Robert Richardson se hace notar por encima del resto el film va cuesta abajo hasta un desenlace muy, muy loco y descabellado que parece salido de la peor serie B. ¿Intencionado? de acuerdo, pero a mí me aburre sobremanera. Por no hablar de esos latigazos al cine de Peckinpah, e incluso el giallo, mixtura sorprendente por audaz. Demasiado audaz, demasiada pose.
Las referencias al género de géneros son inumerables como cabría esperar, pero más allá de que el film pertenezca al género cinematográfico por excelencia, es sobre todo "un film de Tarantino" con todo lo que ello supone. Diálogos infinitos, verborrea a veces sobrante, y estallidos de violencia a veces justificados, a veces no. Me sobra por completo todo lo relacionado con los luchadores mandingo aunque lleve el eco de cierto film olvidado de Richard Fleischer, y curiosamente no uno de los mejores del brillante director, y una media hora final, donde hace acto de presencia el mismo Tarantino demostrando que lo suyo no es interpretar aunque está muy lejos de la memez cometida en la infumable "Sukiyaki Western Django" (id, Takashi Miike, 2007) y que a mi juicio estropea toda la tensión acumulada en la parte de DiCaprio. De nuevo Tarantino haciendo films por bloques, pero esta vez el equilibrio no lo encuentra por ningún lado.
De la banda sonora, algo que el director cuida mucho en sus trabajos, mejor ni hablar; y no lo digo por las lógicas incursiones de temas de Bacalov o Ennio Morricone, así como un tema de la gloriosa banda sonora de Jerry Goldsmith para "Bajo el fuego" ("Under Fire", Roger Spottiswoode, 1983), sino más bien por ciertos temas anacrónicos hasta decir basta, en cuya utilización queda patente una realidad bien clara: Quentin Tarantino hace la película que le viene en gana.
Otras críticas en Blogdecine:
"Django desencadenado", prueba de muerte
"Django desencadenado", los excesos de Tarantino
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Información: Django desencadenado, prueba de muerte - 12/01/2013 14:51:23
" El doctor King Schulz (Christoph Waltz) libera al esclavo Django (Jamie Foxx) y le propone un trato: si ayuda en la captura de unos hermanos buscados por la ley, emprenderán el rescate de su amada esposa (Kerry Washington), ahora en manos de un sádico barón sureño, Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), que tiene un campo de algodones.No era difícil. Podía el pesimismo apoderarse de lo más interesante del cineasta Quentin Tarantino, pero no era difícil. Y es que "Django desencadenado" (Django Unchained, 2012) es la prueba de que el antaño brillantísimo cineasta, el mismo que pavimentó solito una generación de cinéfilos dislocando convenciones y demostrando una inventiva sin igual, ha caído presa de la indulgencia y ha firmado una película que pasa por lo que se supone que es una película de Tarantino: incoherente, hablada (En ocasiones, demasiado hablada) y con un par de secuencias brillantes que parecen redimir un conjunto irredimible.
Y es que ¿tomaría alguien en serio a este pretencioso western, largo, excesivo, de más de dos horas y media para contar otra vez la clásica historia de venganza, con histerismo tarantiniano, si no estuviera el alabado cineasta entre los nombres? Es muy posible que no. Ahora, pasemos a explicar por qué la película falla.
Como la tosca "Malditos bastardos" (Inglourious Basterds, 2009), prueba inequívoca de la decadencia de Tarantino, la película pretende revestir un Holocausto de una venganza de una minoría étnica. Si allí era una judía enfadada con Hitler, aquí es un hombre de color enfadado con los esclavistas. Ni el asesinato y opresión de esclavos está resuelto factual y políticamente en Estados Unidos, ni el asunto de los campos de concentración ha encontrado una versión oficiosa de los hechos, pero, sin embargo, Tarantino estima que un gesto subversivo es convertirlo en entretenimiento y hacer de sus villanos algo divertido.
Tengo bastantes reservas morales contra esa idea, al menos en el contexto de esta cultura. Pero seamos generosos con los apasionados defensores de tan mentecata propuesta que fingen querer leer la película al nivel de una parodia (cuando no lo es) y se amparan en la libertad (de expresión) para no lidiar con las consecuencias de lo que propone su objeto de culto: como película amoral, el film bélico de Tarantino carece de interés una vez termina la primera y brillantísima secuencia en la que usa su retórica para reescribir a Monte Hellman y John Ford y presenta de manera magnífica al villano, dilatando el clímax a través de un juego de equívocos verbales en dos idiomas.
A partir de ahí, la película repite con tozudez esquemática la misma idea: los personajes se reúnen, hablan en muchas lenguas y la cosa termina explosionando hasta que, finalmente, el film termina con dos groserías que pasaron por subversivas y un montón de referencias indulgentes y pereza estructural, compositiva y dramática.
Su western, empieza, desde luego mejor. Se remite en el título a los spaghettis de Sergio Corbucci, que eran violentos, breves y absolutamente contundentes. La trama hace más de una referencia a la infravalorada y magistral "Mandingo" (id, 1975) una película de Richard Fleischer que retrata con crudeza la relación de deseo y dominación que se establece en un sistema totalmente opresivo.
Trazando una amistad inverosímil, aceptando que un esclavo podía aprender a leer (cuando eran analfabetos y sufrían sus consecuencias), Tarantino traslada la acción a la amistad entre sus dos protagonistas. Se toma su tiempo la película para construir su amistad, y el film discurre, aún con cauces demasiado largos, como buen entretenimiento, en otro tono al acostumbrado de sus películas.
Entonces aparecen en escena el villano, memorablemente interpretado por Leonardo DiCaprio y su sirviente, encarnado por un no menos inspirado Samuel L. Jackson. La película tiene la habilidad de confrontar al esclavo liberado con el esclavo partícipe y orgulloso del sistema monstruoso que lo engendra. Tarantino dirige sus mejores secuencias en el tramo medio: el asesinato y la extorsión de dos esclavos son expresados con una violencia cruda, directa, sin su habitual tono excesivo.
Pero empiezan los problemas, con prontitud. Una vez Tarantino decide eliminar a sus personajes más interesantes de escena, se hace evidente su incoherencia estética: cuando muestra a personas oprimidas, su violencia causa repulsa; en cambio, cuando mueren los "villanos" es divertida, grandiosa. Y, por supuesto, dilata, en cadáveres y situaciones forzadas, absolutamente increíbles, la venganza, la enésima venganza, hasta el punto de terminarla con una escena casposa, digna de una película barata e inconcebiblemente celebrada por la crítica.
¿Qué problemas tiene eso? Tenemos que creer en un mundo cuya verosimilitud se pierde por sus problemas tonales, severos. Tenemos, encima, que mostrar preocupación dramática por el peor personaje protagonista que ha escrito Tarantino: de Django sabemos que quiere recuperar a su bella esposa. Solamente cuando la banda sonora (por vez primera con temas originales) nos deja escuchar la hermosa canción Freedom hay emoción y empatía por su causa.
Una vez Freedom termina, estamos ante otro arquetipo, un invencible-mata-hombres-blancos y no ante un personaje de carne y hueso. De hecho, con su carisma y sadismo, el villano parece tranquilo y más inteligente que los otros personajes protagonistas. Y con su feroz empeño en proteger un sistema cruel porque cree en una idea rígida del destino y del orden social, el mayordomo encarnado por Jackson tiene más relieve.
Esto, sin duda, es un fracaso de Tarantino. Esta película está lejos de ser la mejor suya y confirma su decadencia. La dirección, con idiotas y excesivos zooms setenteros, no ayuda, está poco inspirada, no crea una sensación de unidad. Sus virtudes como narrador, con otra vez largos diálogos previos a la tensión, parecen haberse diluido. ¿Dónde se ha metido aquel cineasta inventivo que usaba estructuras no lineales como en sus mejores y primeras películas?
Y para el tratamiento de raza y clase, cualquier escena de la magnífica y subestimada "Jackie Brown" (id, 1997) dice más sobre la condición afroamericana que esta película que necesita recurrir a la caricatura para prolongar su incoherente mezcolanza de venganzas, pastiche de spaghetti y pretendida reivindicación racial. Por supuesto, contiene todos los tics de Tarantino para que sus más indolentes fans rindan pleitesía irracional a su ídolo.
Pero el cineasta sorprendente, creativo y emocionante ha desaparecido, me temo que para dar paso a una versión de sí mismo destinada a complacer a sus seguidores más acríticos y a ensombrecer a los que un día vieron en su talento brillante algo más que algo divertido o sencillamente molón.: una muestra genuina de talento cinematográfico, un islote singular que cruzaba géneros y se postulaba como un Scorsese cruzado con Fuller para una generación novísima, forjada en los videoclubs y la televisión.
Queda algo de ese cineasta en las mentadas dos secuencias y en las ya celebradas interpretaciones. Pero su propuesta exige fieles, adeptos, fans y no críticos y creativos espectadores. Su cine, pues, ha perdido frescura, talento, emoción y capacidad de sorpresa. Para todo lo demás, sadismo con toques homosexuales, venganza hiper-sádica carente de experiencia humana y de consecuencias de algún tipo, esta el film que nos ocupa, pálido, mediocre y escasamente imaginativo.
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Información: Globos de Oro 2013: Conozca los nominados de la 70 edición - 11/01/2013 7:27:42
" La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) ha dado a conocer los nombres de los candidatos para la 70 edición de los Globos de Oro, premios del cine y la televisión en EE.UU. Considerados la antesala de los Óscar, más por su alcance mediático que por su capacidad para predecir los ganadores de estatuillas, lo único seguro a estas alturas es que los próximos Globos de Oro tendrán como triunfadora a la actriz Jodie Foster, quien recibirá en enero el galardón honorífico Cecil B. de Mille.Esta es la lista de nominados a los Globos de Oro:
Mejor película dramática: "Argo" "Django Unchained", "Life Of Pi", "Lincoln", "Zero Dark Thirty".
Mejor comedia: "Best Exotic Marigold Hotel", "Les Miserables", "Moonrise Kingdom", "Salmon Fishing In The Yemen", "Silver Linings Playbook".
Mejor director: Ben Affleck por "Argo", Quentin Tarantino por "Django Unchained", Ang Lee por "Life Of Pi", Steven Spielberg por "Lincoln" y Kathryn Bigelow por "Zero Dark Thirty".
Mejor actriz dramática: Rachel Weisz por "The Deep Blue Sea", Helen Mirren por "Hitchcock", Naomi Watts por "The Impossible", Marion Cotillard por "Rust And Bone" y Jessica Chastain por "Zero Dark Thirty".
Mejor actor dramático: Richard Gere por "Arbitrage", Denzel Washington por "Flight", Daniel Day-Lewis por "Lincoln", Joaquin Phoenix por "The Master" y John Hawkes por "The Sessions".
Mejor actriz de comedia/musical: Judi Dench por "Best Exotic Marigold Hotel", Meryl Streep por "Hope Springs", Maggie Smith por "Quartet", Emily Blunt por "Salmon Fishing In The Yemen", Jennifer Lawrence por "Silver Linings Playbook".
Mejor actor de comedia/musical: Jack Black por "Bernie", Bill Murray por "Hyde Park On Hudson", Hugh Jackman por "Les Miserables", Ewan McGregor por "Salmon Fishing In The Yemen", por Bradley Cooper "Silver Linings Playbook".
Mejor actriz de reparto: Anne Hathaway por "Les Miserables", Sally Field por "Lincoln", Amy Adams por "The Master", Nicole Kidman por "The Paperboy" y Helen Hunt por "The Sessions".
Mejor actor de reparto: Alan Arkin por "Argo", Christoph Waltz por "Django Unchained" , Leonardo DiCaprio por "Django Unchained", Tommy Lee Jones por "Lincoln" y Philip Seymour Hoffman por "The Master".
Mejor guión: Chris Terrio por "Argo", Quentin Tarantino por "Django Unchained", Tony Kushner por "Lincoln", David O Russell por "Silver Linings Playbook" y Mark Boal por "Zero Dark Thirty".
Mejor Banda Sonora: Alexandre Desplat por "Argo", Dario Marianeli por "Anna Karenina"; Tom Tykwer, Johnny Klimek y Reinhold Heil por "Cloud Atlas"; Mychael Danna por "Life Of Pi" y John Williams por "Lincoln".
Mejor canción original: Keith Urban por "For You" (de "Act Of Valor"), Taylor Swift por "Safe & Sound" (de "The Hunger Games"), Hugh Jackman por "Suddenly" (en "Les Miserables"), Adele por "Skyfall" (de "Skyfall") y Jon Bon Jovi por "Not Running Anymore" (de "Stand Up Guys").
Mejor película animada: "Brave", "Frankenweenie", "Hotel Transylvania", "Rise Of The Guardians" y "Wreck-It Ralph".
Mejor película extranjera: "Amour", "The Intouchables", "Kon-Tiki", "A Royal Affair" y "Rust & Bone".
GLOBOS DE ORO: LISTA DE NOMINADOS EN TELEVISIÓN
Mejor serie dramática: Breaking Bad, Boardwalk Empire, Downton Abbey, Homeland, The Newsroom.
Mejor actriz en serie dramática: BConnie Britton, Glenn Close, Michelle Dockery, Claire Danes, Julianna Margulies.
Mejor actor en serie dramática: Steve Buscemi, Bryan Cranston, Jeff Daniels, Jon Hamm, Lewis Damian.
Mejor actriz en serie de comedia: Zooey Deschanel, Julia Louis-Dreyfus, Lena Dunham, Tina Fey, Amy Poehler.
Mejor serie de comedia o musical: Big Bang Theory, Girls, Modern Family, Smash.
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Es Noticia, Globos de Oro 2013 | Nominaciones - 13/12/2012 8:17:58
" La temporada de premios cinematográficos arrancó hace ya varios días, pero las nominaciones de los Globos de Oro 2013 siempre son la primera gran parada antes de las de los Oscar. Hay veces en las que incluyen entre sus candidaturas algunas menciones que parecen dignas de una noche de borrachera , este año me llama sobre todo la atención la presencia de Richard Gere en la categoría de mejor actor dramático- , pero por lo general es un buen indicador de lo que podemos esperar de la Academia de Hollywood. La entrega de premios tendrá lugar la madrugada entre el domingo 13 de enero y el lunes 14, pero por ahora os invito a descubrir a los nominados para los Globos de Oro 2013, donde "Lincoln" (Steven Spielberg, 2013) se erige como gran favorita al haber conseguido 7 nominaciones.Mejor película dramática
"Argo"
"Django desencadenado"
"La vida de Pi"
"Lincoln"
"La noche más oscura"
Mejor comedia o musical
"El exótico hotel Marigold"
"Los Miserables
"Moonrise Kingdom
"La pesca del salmón en Yemen
"El lado bueno de las cosas
Mejor director
Ben Affleck ("Argo")
Kathryn Bigelow ("La noche más oscura")
Ang Lee ("La vida de Pi")
Steven Spielberg ("Lincoln")
Quentin Tarantino ("Django desencadenado")
Mejor actor dramático
Daniel Day-Lewis ("Lincoln")
Richard Gere ("El fraude")
John Hawkes ("Las sesiones")
Joaquin Phoenix ("The Master")
Denzel Washington ("El vuelo")
Mejor actor en comedia o musical
Jack Black ("Bernie")
Bradley Cooper ("El lado bueno de las cosas")
Hugh Jackman ("Los Miserables")
Ewan McGregor ("La pesca del salmón en Yemen")
Bill Murray ("Hyde Park on Hudson")
* Mejor actriz dramática
Jessica Chastain ("La noche más oscura")
Naomi Watts ("Lo Imposible")
Rachel Weisz ("The Deep Blue Sea")
Helen Mirren ("Hitchcock")
Mario Cotillard ("De óxido y hueso")
Mejor actriz en comedia o musical
Emily Blunt ("La pesca del salmón en Yemen")
Judi Dench ("El exótico hotel Marigold")
Jennifer Lawrence ("El lado bueno de las cosas")
Maggie Smith ("El cuarteto")
Meryl Streep ("Si de verdad quieres…")
Mejor actor de reparto
Alan Arkin ("Argo")
Leonardo DiCaprio "(Djando desencadenado"
Philip Seymour Hoffman ("The master")
Tommy Lee Jones ("Lincoln")
Christoph Waltz ("Django desencadenado")
Mejor actriz de reparto
Amy Adams ("The master")
Sally Field ("Lincoln")
Anne Hathaway ("Los misérables")
Helen Hunt ("Las sesiones")
Nicole Kidman ("El chico del periódico")
Mejor película extranjera
"Amor"
"A Royal Affair"
"Intocable"
"De óxido y hueso"
"Kon-Tiqi"
Mejor guión
"La noche más oscura"
"Lincoln"
"El lado bueno de las cosas"
"Django desencadenado"
"Argo"
Mejor banda sonora
"La vida de Pi"
"Argo"
"Ana Karenina"
"El atlas de las nubes"
"Lincoln"
Mejor canción
"For You" ("Acto de valor")
"Not Running Anymore" ("Stand Up Guys")
"Safe and Sound" ("Los juegos del hambre")
"Skyfall" ("Skyfall")
"Suddenly" ("Los Miserables")
Mejor película animada
"Brave"
"Frankenweenie"
"El origen de los guardianes"
"Hotel Transilvania"
"¡Rompe Ralph!"
¿Os ha sorprendido alguna de las nominaciones, echáis en falta a alguien , a mí llama la atención la ausencia de "Los miserables" (Les Miserables, Tom Hooper, 2012) en varias categorías- u os sobra alguno de los nominados como me pasa a mí con Richard Gere?
PD: Para consultar los nominados en el formato televisivo, os animo a visitar VayaTele.
Vía | Web oficial de los Globos de oro
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Es Noticia, Christopher Nolan: Origen, la creación de los sueños - 19/07/2012 0:30:09
" Actualización: He añadido la que creo que es la única forma válida de entender el desenlace de "Origen" al final de la crítica. Obviamente, hay spoilersLlega un momento en la carrera de todo director que parece prácticamente imposible que no le vayan a llover las críticas negativas en su siguiente trabajo. Da igual que la película sea buena o mala, porque siempre se podrá reivindicar a posteriori si el error es demasiado evidente, pero el daño ya está hecho. Y es que son muchos los realizadores que alcanzaron cotas de popularidad y/o reconocimiento crítico poco usuales durante sus primeros trabajos, pero, como en toda moda, llega un punto en el que ya no resulta novedoso y hay que atacar al ídolo del pasado para dejar espacio al que acaba de aparecer. Christopher Nolan ya consiguió esquivar este hecho con "El Caballero Oscuro", pero "Origen" ("Inception") era la oportunidad ideal para despedazar a alguien cuya popularidad estaba yéndose más allá de lo permisible. Sin embargo, todos sabemos que no fue eso lo que pasó.
¿Cuál es el principal motivo de que el director de la inminente "El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace" salera indemne? Habrá quien me diga que eso es mentira, que tuvo unas cuantas críticas negativas y hubo gente que la criticó bastante, pero del mismo modo que existen fans locos de Nolan, también existen los detractores irracionales (que serán menos, pero hay unos cuantos), y "Origen" fue muy bien recibida, siendo un gran éxito económico y las críticas fueron mayoritariamente positivas. Está claro que la originalidad de su propuesta (tiene varios referentes obvios, pero siempre expandiendo las ideas en las que haya coincidencias más directas) para ser un blockbuster fue la principal clave para pillar desprevenidos a la gran mayoría.
Nolan radicaliza su evolución en "Origen"
Ya os comentaba en mi crítica de "El Caballero Oscuro" que Nolan optó por alterar varios de los elementos que habían caracterizado su cine hasta entonces. Lo más importante era el hecho de renunciar a su querencia por los planos cerrados en benefició de dotar a la película de una espectacularidad mucho más marcada, lo cual no es óbice para que se trate de un proyecto personal: Ya en 2001 presentó una primera versión del mismo a Warner, pero el propio Nolan concluyó que necesitaba conocer los mecanismos de los blockbusters antes de poder abordar algo tan ambicioso como "Origen". Por ello, fue escribiendo nuevas versiones del guión hasta que llegó el momento de la hora de la verdad: Tras acabar "El Caballero Oscuro" decidió dedicar seis meses en exclusiva a finiquitar el guión de la película. También tenía claro que era imprescindible volver a contar con un presupuesto bastante amplio (160 millones de dólares), lo cual prácticamente le obligaba a volver a tirar de la espectacularidad como uno de los ejes motores de la película.
Lo curioso es que esta vez Nolan prefirió no grabar ninguna escena en IMAX de forma nativa, sino que prefirió optar por la VistaVision, el formato más cercano al IMAX (apenas hay 5mm de diferencia entre los 70 del primero y los 65 del segundo), pero sin tener que usar ese tipo de cámaras. Esto es algo que no afecta a "Origen" en su condición de gran espectáculo, ya que Nolan cuidó con mimo todos los detalles, llegando a implicarse de forma directa incluso en las escenas en las que dependían de los efectos generados por ordenador (lo cierto es que hay más en "Batman Begins" que aquí, por difícil que pueda parecerlo), lo cuales evitó siempre que pudo, ya que quería buscar el mayor realismo posible dentro de lo onírico de su propuesta.
Sobra decir que, como ya comentaba, en "Origen" cuantos más planos abiertos mejor, ya que estos permiten a Nolan recrearse en la grandilocuencia de la película. No obstante, también tiene la oportunidad de explorar nuevos recursos como la utilización del ralentí para determinados momentos (Cobb cayendo en la bañera, la camioneta despeñándose, etc.) consiguiendo que su uso sea el más acertado que recuerdo. Además, se encarga de ir dejando multitud de pistas para que el espectador pueda ir atando cabos a poco que haya prestado atención a lo que ve en pantalla, llegando a hacer bastante inconcebible todo el debate que surgió en su momento.
Sin embargo, el gran mal de la película es que Nolan es consciente de las limitaciones de un numeroso sector del público, lo cual le llevó a excederse a la hora de dar explicaciones sobre lo que pasa en pantalla. Este es uno de los problemas que Nolan empezó a desarrollar, pero de forma mucho menos pronunciada (y molesta), en el caso de "El Caballero Oscuro". Por mi parte, no me molesta tanto que en su primera hora nos expliquen varias veces los mecanismos de la creación de los sueños y qué hacer para meterse en ellos y modificarlos, ya que se hace de una forma inteligente, introduciendo varios detalles cada vez que dan sentido a esta reiteración. Lo cierto es que recuerda mucho a una película de atracos, en las que se va trazando el plan y hay que ir reclutando más gente para que todo vaya cogiendo forma.
Los problemas llegan a través de los diálogos, en especial una vez están completando su trabajo, ya que Nolan parece no confiar en que el espectador (o parte de ellos) se entere de las cosas sólo enseñándoselas, así que los personajes van añadiendo explicaciones, habitualmente redundantes, a lo que acaba de suceder, por qué ha pasado y cuál es la consecuencia potencial. Esto es algo que va ganando y ganando enteros hasta resultar un tanto excesivo en la resolución del trabajo. Lo curioso es que Nolan opta en el desenlace en jugar un poco con el público para ver si pica con un engaño que él mismo ha desbaratado con anterioridad, pero el resultado fueron debates tan acalorados como innecesarios.
Los sueños de "Origen"
Recuerdo que cuando se estrenó "Origen" hubo multitud de debate tanto sobre el desenlace como sobre la posibilidad de que Nolan nos hubiera tomado el pelo a todos disfrazando la película de una forma para ser realmente otra cosa. Podéis buscar vía google y encontraréis multitud de teorías que van desde lo que aún podría llegar a ser plausible hasta auténticos disparates sin pies ni cabeza. Y es algo que no entiendo, porque Christopher Nolan construye un universo de los sueños muy fácil de entender.
De hecho, esta racionalización de los sueños es algo que ciertos sectores han atacado con ahínco, ya que parece que es algo que sólo puede mostrarse de forma alocada y con muy poco sentido, siendo algo con lo que estoy tajantemente en contra, ya que esa es una de las bases del relato: El equipo de Cobb, más específicamente el arquitecto, diseña los sueños ajenos (o propios) a partir de la máquina que tienen a su disposición. La cuestión entonces sería aceptar la existencia de dicho dispositivo, en un recurso mimético a la máquina de Angier en "El Truco Final (El Prestigio)". Esto es algo que se introduce de forma sencilla, por lo que no logro comprender las quejas ante sueños trucados.
Otro detalle sabiamente utilizado es el de los tótems, objetos que los personajes utilizan para saber que no están dentro de un sueño ajeno, pero que también ejerce un papel vital dentro del contacto con la realidad del protagonista, ya que el matiz de que anteriormente pertenecía a su esposa es tan revelador como que el resto de personajes juegue un papel casi anecdótico en el relato. Por lo demás, los sueños son el espacio en el que Nolan no pone límites a su grandilocuencia visual, sabiendo combinar la cámara lenta y el tiempo que pasa realmente en cada uno de los niveles del sueño a la hora de ir dando información al espectador. Además, el diseño de producción es deslumbrante (y la banda sonora es de Hans Zimmer es de las que marcan época), pero falla de forma notable en la ejecución de todo lo relacionado con el nivel de la nieve, una mutación entre lo confuso y lo poco estimulante.
El lujoso reparto de la película
Si una cosa ha demostrado Nolan a la hora de forjar los repartos de sus películas, esa es que es bastante fiel a aquellos intérpretes con los que ha conseguido una buena sintonía. Habrá quien piense en Christian Bale (yo me acuerdo más de Michael Caime, que aquí reincide en su rol habitual dentro del cine de Nolan) al leer esto, lo cual complica más el asunto de que Nolan llevaba multitud de años queriendo trabajar con Leonardo DiCaprio, pero éste siempre le había dado largas, pero el guión de "Origen" fue demasiado suculento para dejarlo pasar. ¿Hubiese sido Bale el protagonista de haberse negado él? Quizá, pero ahora resulta imposible imaginar "Origen" sin DiCaprio como Dom Cobb (seguro que no es casualidad el hecho de que el protagonista de "Following" se llamase Cobb).
La verdad es que Leonardo DiCaprio es, al igual que Bale en los últimos años, un intérprete ideal para el cine de Nolan, ya que dota a sus personajes de una tremenda intensidad que casa con el tono habitual de las obras del director de "Memento". DiCaprio comprende a la perfección que Cobb no es un maleante, sino un animal herido al que su mayor don le llevó por el camino de la amargura. Por aquí gana cierta coherencia la teoría sobre que toda la película es una elaborada evaluación psicológica del protagonista para conseguir que supere sus heridas emocionales, pero, por juguetón que pueda ser Nolan a veces, es una opción que descarto sin dudarlo.
Sin embargo, sí que es cierto que el implantar una idea en la mente del personaje de Cillian Murphy (solvente pero como el Espantapájaros transmitía más) acaba revelándose como un MacGuffin para sanar la obsesión del protagonista. Es aquí donde se produce otro fuerte contraste con el cine previo de Nolan, ya que la obsesión no era algo que se pudiera curar, sino lo que te destrozaba la vida de forma irremediable. Aquí DiCaprio está memorable tirando de carisma al principio para luego ir sacando a la luz su obsesión, el inevitable dolor que trae la misma y su determinación por dejarla atrás. Este optimismo, perfilado en raras ocasiones con anterioridad (la famosa escena de los barcos de "El Caballero Oscuro"), gana enteros en "Origen", pero puede que aún no sea suficiente para que el protagonista se cure.
El resto del reparto es excepcional, pero el otro personaje clave es el de Marion Cotillard, que da vida a la esposa del protagonista. Recuerdo que cuando vi la película fue uno de los aspectos más problemáticos de "Origen" para mí, pues la bipolaridad de su personaje, aunque justificada, llegaba a hacerse molesta. No es una queja hacia el estupendo trabajo de Cotillard teniendo que oscilar entre algo cercano al concepto de femme fatale, pero también como sufrida esposa que sólo quiere estar con su marido. Creía que "Origen" no equilibraba bien la transición entre ambas opciones (como villana era muy esquemática y como esposa demasiado sufrida), ni tampoco daba suficiente fuerza a su personalidad. Sin embargo, admito que fue culpa de simple estupidez, algo que, como ya comenté, Nolan tiene en cuenta para dar una explicación directa de ello a través del diálogo cuando era algo que uno debería haber asimilado sin problemas, cosa que sucedió en este revisionado.
El resto del reparto viene a ser una consecuencia de la necesidad de entrar en los sueños ajenos, por lo que Cobb necesita un equipo integrado por un Joseph Gordon-Levitt que quizá hubiese merecido un poco más de cancha, pero que tiene con varios momentos de gran lucimiento (esa fenomenal pelea flotante), un Tom Hardy que derrocha carisma (sobre todo en sus críticas hacia el personaje de Gordon-Levitt) y encanto, Ken Watanabe cumple a la perfección como el que encarga el trabajo y Dileep Rao cumple con corrección en el que quizá sea el personaje menos interesante de la función (tiene una función básica y no aporta gran cosa más allá de eso).
He omitido a Ellen Page en el párrafo anterior porque su personaje tiene más riqueza y desarrollo pese a que se diluya un tanto en el tramo final. Y es que Ariadne es la representación del espectador dentro de "Origen", ya que es la única que no está realmente familiarizada con lo que el protagonista pretende, así que a través de ella vamos descubriendo lo que nos espera en la segunda parte de la película. Es por ello que es la única a la que se le permite hacer verdaderos reproches a Cobb por sus secretos, ya que Nolan no sólo juega con el conocimiento del espectador, sino que, dudando e su inteligencia, le da un papel en la película: Fascínate, asimila detalles que muchos otros personajes desconocen y luego sigues siendo importante pero, por regla general, sólo estarás de fondo viendo cómo pasa todo. Page está estupenda en un papel muy difícil, ya que corría el peligro de ser algo tonta al principio, ralentizar la acción en la transición entre la creación del plan y la ejecución del mismo y dejar con la sensación de estar desaprovechada ya dentro de los sueños. Sin embargo, Page evita que nada de eso llegue a ser molesto y crea muy bien los vínculos emocionales entre sus personajes y el espectador.
En definitiva, "Origen" es una película definida por su intento de ser un blockbuster original, pero que el máximo número de espectadores pueda disfrutar. Eso hace que esta entretenidísima cinta abuse de las explicaciones a través de los diálogos entre los personajes, anulando así su potencial para haberse convertido en el mejor trabajo de su director. Eso sí, un acabado técnico impecable, una puesta en escena casi siempre brillante (el tramo en la nieve es bastante mejorable) y un maravilloso trabajo del reparto compensan con creces sus defectos. El problema es que deja con algunas dudas sobre el futuro de Nolan, ya que su tendencia a la sobreexplicación alcanza aquí su máxima expresión, y eso puede ser bueno para llegar al público de inteligencia distraída, pero no tanto para la calidad final del producto.
Actualización con SPOILERS: Está bastante claro que al final de todo Cobb está en la realidad, pero Nolan está jugando un poco con nosotros al plantear la escena final de una forma que se parece demasiado al recuerdo que tenía él de sus hijos. ¿Las claves? Los niños llevan ropa diferente (pero con cambios sutiles) y, pasando ya a la dura realidad, están interpretados por diferentes actores. Michael Caine también comentó que si él aparece, es que estamos en la realidad. Además, el personaje de DiCaprio sólo tiene puesto el anillo de matrimonio durante los sueños (donde aún está casado con Mal), pero nunca en la realidad. En la escena final no lo lleva puesto. Y el hecho de que muchos personajes miren a Cobb, recordando levemente a las proyecciones de un sueño buscando al intruso, no deja de ser Nolan jugando con el espectador: ¿Qué sentido tendría que se pusieran a hablar como si nada cuando estaba por allí aún el personaje de Cillian Murphy? Asienten entre sí por el trabajo cumplido y cada uno se va por su lado. Simple si se está atento a los detalles.
Otro elemento de controversia es el tótem del protagonista, ya que anteriormente perteneció a Mal, lo cual supuestamente haría que dejase de funcionar. Sin embargo, ella está muerta, con lo que ese punto es irrelevante. También el hecho de que otra persona sepa que lo es, ya que los de Joseph Gordon-Levitt y Ellen Page son conocidos por otra persona. Eso sí, el tótem de Cobb tiene también una función psicológica para él, ya que, dado su extremo nivel de obsesión, es su única forma de distinguir entre realidad y sueño. La cuestión es que al final eso ya le resulta intrascendente al poder reencontrarse con sus hijos, y por eso lo deja girando y se marcha antes de que caiga. ¿El motivo? Su obsesión ya está curada.
Especial Christopher Nolan en Blogdecine:
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"Insomnio"
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"El Prestigio (El Truco Final)"
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"Origen", arrolladora fantasía
"Origen", y los sueños cine son
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Es Noticia, Críticas a la carta | Spider-man, de Sam Raimi - 26/03/2012 5:50:31
" Algunos quizá piensen en Christopher Nolan y sus acercamientos a la figura de Batman a la hora de buscar un gran culpable en la avalancha de superhéroes en el cine durante el siglo XXI, pero lo cierto es que él ya se encontró el camino allanado por otras producciones, donde sobresale con luz propia "Spider-man", cuyo éxito fue la gran clave para que se empezase a adaptar la historia de superhéroes más secundarios. ¿Cuál es el motivo? El dinero, ahí no hay ninguna sorpresa, pero conviene pararse un segundo a valorar sus logros en este apartado: "Spider-man" se convirtió en la película más taquillera durante su primer fin de semana, también fue la que más ingresos tuvo en USA durante todo el 2002, y aunque mundialmente se tuvo que conformar con el tercer puesto ("El señor de los anillos: Las dos torres" y "Harry Potter y la cámara de los secretos" lograron superarla), no tuvo problemas para convertirse en su momento en uno de los diez largometrajes más taquilleros de la historia al ingresar 821,7 millones de dólares.Esas cifras pueden no parecer para tanto hoy en día, pero lo cierto es que aún es una de las treinta películas más taquilleras de la historia y sólo otras dos cintas superheroicas ("El caballero oscuro" con 1001,9 millones y "Spider-man 3" con 890,9) han logrado sobrepasar esos números. Además, creo que no hace falta mencionar una por una todas las producciones de estas características para ver lo importante que fue el estreno de "Spider-man" en el 2002. Por mi parte, recuerdo perfectamente ver la película tras solucionar unos papeleos en la universidad previos a poder matricularme y que ya por aquel entonces me tocaba las narices que algunos filmes tardasen tanto en llegar a España desde su estreno en USA (mes y medio pasó en este caso). ¿Mi veredicto por aquel entonces? Un buen entretenimiento con algunos momentos de brillantez. Un par de años después adquirí una copia en dvd y procedí al único revisionado que había hecho hasta hace apenas unos días. Lo cierto es que me gustó algo menos que la primera vez. Ahora el misterio es: ¿Cómo ha sobrevivido "Spider-man" a tantos años desde el último visionado?
Spider-man siempre ha sido uno de mis superhéroes de cómic favoritos junto a Batman y Hulk (el musculoso verde era mi favorito de chaval), pero estoy lejos de ser un purista que se ofenda con cualquier cambio. Es por ello que situaciones como el mezclar alegremente situaciones propias de la historia de Gwen Stacy (a la que da vida Emma Stone en el relanzamiento de la franquicia) con Mary Jane no son cosas en las que me vaya a parar demasiado. Estamos ante una adaptación y no ante una traducción cinematográfica del original.
La contratación de Sam Raimi resultó sorprendente en su día. ¿El motivo? Pues que más allá de lo irregular que estaba siendo en sus trabajos previos (capaz de rodar su mejor película con "Un plan sencillo" y también una memez de mucho cuidado como "Premonición"), lo cierto es que llevaba años sin conseguir un claro éxito comercial. Además, sabiendo que se había barajado seriamente la opción de que fuese David Fincher (desavenencias con la historia a adaptar provocaron que no llegase a buen puerto) pues estaba entre extrañado y algo decepcionado. Eso sí, lo que parecía claro es que seguro que iba a ser algo mejor de lo que podría haber salido de ese proyecto ochentero producido por la Cannon y dirigido por Tobe Hooper. Y en este caso hasta llegaron a sacar un cartel promocional (podéis verlo a vuestra derecha), por lo que poco faltó para que llegase a ser una realidad. Sobre su trabajo, logra mantener el interés y ceder sólo cuando es necesario a la pirotecnia visual (que además está bien rodada, evitando confundir de forma innecesaria al espectador), pero falta un gran momento icónico (quizá el más cercano sea el beso bajo lluvia), amén de que ceder en un par de ocasiones a la moda de la época de la cámara lenta importada por el impacto que tuvo "Matrix" no es un acierto.
También es cierto que podemos encontrar ciertas limitaciones en un guión oficialmente atribuido a David Koepp, pero en el que varias personas metieron mano, incluyendo a un James Cameron que hizo un boceto inicial cuando estaba pensado que fuese él el encargado de dirigirla. Koepp acertó al mantener el hecho de que las telarañas de Spidey tengan un origen orgánico, ya que en el cómic nunca me terminé de creer demasiado que Peter Parker consiguiera crearlas. Por lo demás, "Spider-man" tiene un tono introductorio excesivo, lo cual afecta a la legendaria rivalidad entre Spiderman y el Duente Verde, quedando ésta reducida a una cantidad de metraje demasiado breve para alcanzar todo su potencial. Otro punto relevante es la espectacularidad visual, y aquí hay varios momentos que aún hoy funcionan a la perfección, pero también hay situaciones esporádicas en la que el trabajo de efectos especiales es bastante fallido, quedando muy al descubierto la excesiva utilización del ordenador. En cambio, pocas pegas hay que poner a la banda sonora de Danny Elfman (contratado por petición expresa de Laura Ziskin, productora de la película), ya que consigue que su sonido característico (es muy difícil confundir una banda sonora suya con la de otro compositor) se ajuste a la perfección a nuestro querido trepamuros.
¿Era Tobey Maguire el actor idóneo?
Una de las cosas que más dudas generaba era la elección de Tobey Maguire para dar vida al binomio Peter Parker/Spider-man. Para el papel llegaron sonar tanto actores que han demostrado ser claramente mejores que él (Leonardo DiCaprio, el favorito de James Cameron, Heath Ledger o Ewan McGregor) como otros cuya mera existencia mejor olvidar (Chris ODonnell, Freddie Prinze Jr. o Chris Klein), así que, hablando con la ventaja de hacerlo diez años después, podemos decir que fue una elección intermedia. El gran problema de Maguire es que no es un actor especialmente carismático, y eso afecta a su trabajo cuando le toca ser el arrollador héroe arácnido, que funciona mejor cuando se limita a moverse a lo loco por los aires que a seducir a Mary Jane o a intentar replicar la comicidad característica del personaje.
En cambio, sí que resulta muy convincente en la faceta de pringao, siendo determinante para ello sus rasgos fáciles, porque puede gustar más o menos, pero no creo que nadie pueda decir que sea alguien especialmente expresivo (vergüenza daba la escena de la tercera entrega en la que pretendía ir de chico malo). La cuestión es que encontrar un equilibrio entre ambas facetas es especialmente complicado, por lo que entre un Spider-man poco memorable y un hasta cierto punto logrado Peter Parker (salvo cuando se pone demasiado trascendental con lo de "un gran poder conlleva una gran responsabilidad) sale una media de no está mal. Eso ya podía detectarse en su momento (os recuerdo que ya existía el Lobezno de Hugh Jackman), pero es una disparidad que ha quedado más clara tras ver a muchos actores intentando cosas similares con otros superhéroes.
El resto del reparto
Tampoco fue un camino de rosas la elección de Kirsten Dunst como Mary Jane Parker, ya que sólo se animó a intentar conseguir el papel tras la elección de Maguire, confiando en que la película seguiría la línea de no apostar por ser un mero espectáculo vacío más. Fue contratada apenas un mes antes de comenzar el rodaje y, la verdad, creo que es el mayor error de casting de la película. ¿Los motivos? Jamás logra transmitir el encanto seductor que debería ir asociado al personaje y parece contagiarse por la sosez característica de Maguire. Nunca he sido un gran fan de Dunst, pero no sería justo echarle todas las culpas, ya que lo cierto es que muchas películas de superhéroes adolecen del mal recurrente de que la chica del protagonista sea un personaje tirando a anodino. Me viene por ejemplo a la memoria la olvidable presencia de Natalie Portman en "Thor".
En el resto del reparto la línea dominante es la mera corrección. Podría ir enumerando uno a uno a todos los integrantes, pero sería perder el tiempo al venir a decir lo mismo en todos los casos. Haré una excepción con Willem Dafoe y su Duende Verde al ser tan importante el rol del villano en una producción como la que nos ocupa. Lo primero que hay que decir es que hay una pifia enorme de diseño de producción en lo concerniente su traje. No soy uno de esos fans tradicionales que abogan por respetar el tono bufesco del cómic, pero el look metalizado resta atractivo al personaje, por no entrar a hablar en lo horrendo que resulta su mero diseño. Pasando ya a la actuación de Dafoe, decir que siempre he creído que es un actor ideal para dar vida al malo de la película, pero que suelen desaprovecharlo de mala manera (¿hace falta que os recuerde la existencia de esa cosa llamada "Speed 2"?). Aquí no llega a resultar molesto, pero la forma de mostrar la personalidad dual de Norman Osborn no termina de resultar ente, algo que afecta al trabajo de un Dafoe que sabe rozar la sobreactuación sin caer abiertamente en ella.
Por lo demás, hoy en día he agradecido más las breves apariciones de personajes ya famosos en la época (Stan Lee, "Macho Man" Randy Savage, Bruce Campbell, etc.) o de intérpretes poco conocidos por aquel entones y que se han ido labrando una carrera con el paso de los años (Elizabeth Banks como la secretaria de J. Jonah Jameson u Octavia Spencer como la mujer encargada de apuntar a los aspirantes a vencer a Savage en un combate de lucha libre). Sin embargo, hay algo que ya me gustó sobremanera en el 2002 y que aún hoy aguanta igual de bien o mejor: El trabajo de J. K. Simmons como J. Jonah Jameson, el déspota director del Daily Bugle y enemigo jurado de Spider-man. Sólo la palabra perfección sirve para definir el trabajo de adaptación en el caso de este personaje, ya que logra transmitir los mismos caricaturescos aires de grandeza, su innegable carisma y el hecho de conseguir que un personaje que es un malnacido de mucho cuidado se gane el cariño del público. La pega es que la genialidad de Simmons hace que la corrección generalizada pueda llegar a molestar.
Conclusiones
En definitiva, "Spider-man" sigue siendo un entretenimiento bastante digno diez años después de su estreno. El problema es que hoy en día resultan más llamativos ciertos problemas visuales (el horrible traje del Duende Verde y alguna secuencia en la que los efectos visuales ya cantaban entonces), la mayor parte del reparto no pasa de hacer un trabajo meramente correcto (la genial actuación de J. K. Simmons es la única excepción) y que el marcado tono de presentación del personaje llega a hacerse algo más pesado tras haberlo visto en muchos otros casos, sobre todo cuando la seriedad gana peso a la hora de definir las motivación del hombre araña. Está lejos de ser una mala película, pero Marc Webb tampoco lo tiene muy difícil para hacer algo mejor con su "The amazing Spider-man". En julio saldremos de dudas.
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