Que opina? Un amor entre dos mundos, una fantasía desaprovechada - 17/04/2013 13:51:10
" Con una oferta cinematográfica cada vez más amplia e internacional, y en medio de una terrible crisis que ha recortado inversiones y creado espectadores más selectivos, cada vez cuesta más lograr que una película destaque entre la marea de títulos y consiga hacerse un hueco entre las recomendaciones de los aficionados al séptimo arte. En esta competición, donde la poderosa (pero no infalible) maquinaria de Hollywood juega con ventaja, resultan muy útiles los high-concepts, potentes puntos de partida que despiertan la curiosidad del público.En numerosas ocasiones he oído/leído a la gente quejarse de que ya no hay historias originales, que hay demasiadas películas que cuentan lo mismo. Personalmente, me suele dar igual qué se quiere narrar, lo que me importa es cómo lo hacen, porque eso es lo que suele marcar verdaderamente la diferencia. Una trama diferente, peculiar, puede sonar de maravilla pero si el cineasta la desarrolla con torpeza tarde o temprano llegarán los bostezos. Lamentablemente eso es lo que ocurre la mayoría de las ocasiones, y es el caso de "Un amor entre dos mundos" ("Upside Down", Juan Solanas, 2012).
Ricos y pobres en un entorno de fantasía
La película nos lleva a un fantástico sistema solar donde dos planetas similares a la Tierra coexisten prácticamente unidos aunque separados cada uno por su propia gravedad. A través de la voz en off de Adam (Jim Sturgess) nos enteramos que los habitantes del mundo de arriba son los que manejan el cotarro, privilegiados y poderosos, mientras que los de abajo son los que sufren, currantes y pobres. Hay un amago de interesante crítica sociopolítica pero el guion escrito por Solanas y Santiago Amigorena prefiere centrarse en cuestiones menos espinosas.
El atractivo envoltorio que representan esas llamativas imágenes donde se juega con un planeta que es el cielo del otro y las peculiares leyes gravitatorias imposible no acordarse de algunas de las escenas más espectaculares de "Origen" ("Inception", Christopher Nolan, 2010) es la excusa de "Un amor entre dos mundos" para colarnos otro romance que no tiene nada de nuevo. Y lo que es peor: aburre. Resulta que Adam es un muchacho huérfano del entorno desafortunado, pero es mono y simpático, e ingenioso tiene entre manos una milagrosa crema antiarrugas…, y un día se encuentra con una chica de su particular cielo (Kirsten Dunst), también mona y simpática, enamoradiza y sin prejuicios.
Y claro, "el amor es más fuerte que la gravedad". Y la amnesia. Porque Solanas complica las cosas para los protagonistas incluyendo un forzado giro argumental que, al igual que el planteamiento de los jóvenes enamorados que deben superar el obstáculo de pertenecer a bandos enfrentados o clanes familiares, como apuntaba Sergio, ha sido plasmado en el cine durante décadas, y con mejores resultados Alberto recordaba en Twitter a Mervyn LeRoy. Sin nada realmente singular que vender, y un guion que hace aguas, la propuesta necesita apoyarse en una imaginativa puesta en escena y un reparto inspirado; pero "Un amor entre dos mundos" se derrumba.
Cine hueco
Solanas únicamente se muestra interesado en lucir el asombroso combo de magia digital y diseño de producción, importándole poco si para ello debe destruir la verosimilitud del relato Adam está demasiado cómodo en el otro mundo o incluir escenas que no aportan nada, como la de la copa. Detalles claros de su torpeza como narrador son la rapidez con la que resuelve el conflicto amoroso y el cierre, con una panorámica donde vemos un imposible partido de baloncesto. Con este panorama, queda confiar en los actores pero ninguno de ellos ni siquiera Timothy Spall ofrece su mejor nivel, no reaccionan con naturalidad y nunca hacen creíbles a sus personajes ni el entorno en el que se supone que viven. En definitiva: no perdáis el tiempo.
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Es Noticia, Frases de cine | 15 de abril | Sobre Malick, el zombie moderno y el tópico gay - 14/04/2013 15:43:58
" Por petición de varios amables lectores, recupero hoy la sección de "frases de cine" que tenía abandonada. Para los que seáis nuevos aquí, se trata de una recopilación de interesantes o divertidas declaraciones (recientes, por lo general) de profesionales del mundo del cine. Sobraba la explicación posiblemente… Empiezo hoy con Ben Affleck y su experiencia con Terrence Malick en "To The Wonder" (2013), estrenada este fin de semana en nuestro país.Fue como empezar a aprender de nuevo como actor, porque Terry usa a los actores de un modo diferente. Tiene la cámara sobre ti y luego se va a enfocar un árbol, y piensas: "¿qué es más importante aquí, el árbol o yo?". Pero no se lo preguntas, porque no quieres saber la respuesta.
Brad Pitt sigue siendo uno de los mayores sex-symbols de Hollywood y millones de fans (de cualquier orientación sexual) venderían su alma por un beso de la estrella. Sin embargo, a Kirsten Dunst, que coincidió con él en "Entrevista con el vampiro" ("Interview with the Vampire", Neil Jordan, 1994), no le gustó nada la experiencia:
Recuerdo que tenía el pelo largo. Era un hippie, un tío guay. Todo el mundo en aquella época me decía "tienes mucha suerte por haber besado a Brad Pitt", pero para mí fue desagradable. Creo que no volví a besar a nadie hasta que cumplí los 16.
Pitt es el protagonista de lo nuevo de Marc Forster, "Guerra mundial Z" ("World War Z", 2013), uno de los estrenos potentes de este año. El director ha hablado sobre el concepto de muerto viviente que hay en el film:
Todas las películas de zombies que hizo George Romero en los 70 eran una gran metáfora sobre el consumismo, para mí la metáfora hoy es sobre la superpoblación y la escasez de recursos.
Bryan Singer, que tras dirigir uno de los mayores fiascos comerciales del año "Jack el caza gigantes" ("Jack the Giant Slayer", 2013) tiene entre manos el que considera su proyecto más ambicioso "X-Men: Days of Future Past" (2014), no teme por el futuro del cine:
No creo que las salas estén en peligro por el efecto de Internet o la televisión. La gente va a seguir yendo al cine porque el teatro es demasiado caro y no se puede socializar con amigos simplemente saliendo a cenar. Los adolescentes y los jóvenes serán fieles a las salas, ya sea porque tienen una cita amorosa o porque quieren alejarse de sus padres y estar con sus amigos por ahí.
Puede que hayáis oído hablar de "Room 237" (Rodney Ascher, 2012), un documental centrado en buscar claves ocultas en "El resplandor" ("The Shining", Stanley Kubrick, 1980). Leon Vitali fue asistente personal de Kubrick durante el rodaje de ese film y considera ridículo el trabajo de Ascher. Una de las teorías vincula la máquina de escribir que usa el personaje de Jack Nicholson con el Holocausto.
Ésa es la máquina de escribir de Stanley. Muchas decisiones que se tomaron en el set fueron prácticas: "Esto queda bien. Encaja perfectamente con la mesa".
Como sospechábamos desde que apareció el tráiler, uno de los personajes principales de "G.I. Joe: La venganza" ("G.I. Retribution", Jon Chu, 2013) muere al comienzo de la película. El productor Lorenzo di Bonaventura explica la decisión, y yo os pregunto si lo que dice encaja con la clase de producto que es o debería ser "G.I. Joe":
Lo hice una vez hace bastante tiempo, en "Decisión crítica" ["Executive Decision", 1996]… siempre me gustó esa película. Matar a Steven Seagal le dio un gran sensación de gravedad. Te tomas todo mucho más en serio después de eso.
Desde que la adaptación al cine de "Veronica Mars" obtuviera un gran (y rapidísimo) apoyo financiero por parte de los fans de la serie, se ha preguntado a varios conocidos directores que han tenido problemas para levantar proyectos si recurrirían a la misma herramienta. Kevin Smith se niega:
Tengo la sensación de que no sería justo para auténticos cineastas independientes que necesitan la ayuda. A diferencia de cuando hice "Clerks" en el 91, yo puede acceder al dinero que necesito y no chupar de ningún mercado de financiación colectiva al que puede recurrir un debutante.
Danny Boyle está concediendo entrevistas con motivo de su nuevo trabajo, "Trance" (2013), y en una de ellas le preguntan si ahora es más fácil para él hacer las películas que quiere:
Siempre es una batalla. Tienes una oportunidad para hacer lo que quieras tras los Oscar. Hicimos "127 horas", que no era una película fácil de vender a un estudio, pero te dejan esa libertad por el éxito anterior. Y ya está, realmente. De vuelta a la casilla uno.
Atentos a esto. Amy Pascal, directiva de Sony Pictures, cree que Hollywood tiene la responsabilidad de evitar la homofobia y anima a corregir los tópicos:
La próxima vez, cuando uno de nosotros lea un guion y haya palabras como "maricón" o "machorra", que coja un lápiz y la tache. […] ¿Cuántas veces hemos oído a un personaje dar a entender a otro que lo peor de ir a la cárcel es la homosexualidad? Los estereotipos más benignos harían que un niño gay pensara que puede acabar como el asexual e ingenioso amigo de la chica guapa, un peluquero o una drag queen.
Harrison Ford nunca ha llevado bien lo de hablar con la prensa y se está cansando (ojo a esto) de que le hagan tantas preguntas sobre la próxima entrega de "Star Wars" que prepara J.A. Abrams para Disney. El veterano actor trató de zanjar el asunto de la siguiente forma:
Lo que me interesa ahora es la oportunidad de trabajar, y hacerlo en proyectos ambiciosos. No importa si es en eso. […] Puede que haya dicho cosas en el pasado que eran una representación de cómo me sentía en ese momento. Eso era antes. Esto es ahora.
Y termino con una declaración muy llamativa de Will Smith. El actor pudo ser Django en la última película de Quentin Tarantino, pero no se puso de acuerdo porque…
Django no era el protagonista, y yo tenía que ser el protagonista. Le dije: "No, Quentin, por favor, ¡tengo que matar al malo! […] La película es brillante. Solo que no es para mí.
Vía | Indiewire, Moviepilot, Collider, Worst Previews, HollywoodNews, Elpaís, Comicbookmovie, /Film
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Información: The Amazing Spider-Man 2, Chris Cooper será el Duende Verde y primeras fotos de Shailene Woodley como Mary Jane - 28/02/2013 1:13:57
" La segunda parte de "The Amazing Spider-Man" (Marc Webb, 2012) se está poniendo cada vez más interesante. Hoy es noticia la incorporación al reparto de Chris Cooper para encarnar a Norman Osborn, personaje interpretado anteriormente en el cine por Willem Dafoe que como sabéis se convierte en el Duende Verde, uno de los mayores enemigos del hombre araña.Con el fichaje de Cooper, ganador del Oscar al mejor actor de reparto por su trabajo en "Adaptation: El ladrón de orquídeas" ("Adaptation", Spike Jonze, 2002), Marc Webb pone la guinda a un elenco en el que también figuran Andrew Garfield, Emma Stone, Sally Field, Shailene Woodley, Dane DeHaan, Felicity Jones, Colm Feore, Jamie Foxx y Paul Giamatti; los dos últimos darán vida a Electro y Rino, como ya adelantamos. Probablemente el guion será tan flojo como el de la primera entrega, pero solo por ver juntos a esos intérpretes debe merecer la pena pagar la entrada. Alex Kurtzman, Roberto Orci, Jeff Pinkner y James Vanderbilt han participado en la escritura de "The Amazing Spider-Man 2", cuyo estreno está previsto para el 2 de mayo de 2014.
Por otro lado, esta semana han empezado a aparecer en Internet las primeras fotos de la nueva versión del traje de Spider-Man y de Woodley como Mary Jane Watson, rol que interpretó Kirsten Dunst en la trilogía que dirigiró Sam Raimi. Ya me diréis qué os parece.
Galería de fotos
(Haz click en una imagen para ampliarla)
Vía | Thehollywoodreporter
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Interesante, Entrevista con el vampiro, el monstruo de las dos espaldas - 08/10/2012 2:27:20
" Un periodista (Christian Slater) recibe la llamada de Louis de Pointe du Lac (Brad Pitt) en medio de la noche. Y no, no es un conde de una película de época, aunque casi, porque es un vampiro (¡uno de verdad y legendario!) que les contará el peculiar viaje que vivió junto a Lestat (Tom Cruise) y su extraña "adoptada" vampira, Claudia (Kirsten Dunst). A través de ellos, se nos contarán las crónicas vampíricas.Siempre he apreciado las películas de Neil Jordan. Me encanta "Juego de lágrimas" (The Crying Game, 1992), pero, sobre todo, me encanta "En compañía de lobos" (The company of the Wolves, 1984) que es tan enfermiza, tan retorcida y tan psicoanalítica que la considero directamente inconcebible en el actual panorama industrial, pero también en el de entonces pues ¿quién iba a filmar una película episódica con lecturas tan perversas del mito de Caperucita Roja que hubieran hecho las delicias de Bruno Bettelheim?
Bettelheim ha escrito un libro conocido entre la gente del tema, el "psicoanálisis de los cuentos de hadas" y esta versión explícita de las relaciones (carnales) de la Caperucita (en su pubertad, como señala el rojo) y el Lobo (en otra pubertad, más, uhm, salvaje) me dejaron trastocado en su momento. En todo caso ¿es Jordan un director rarísimo del que ojalá viéramos más películas? Lo es, lo es y "Desayuno en Plutón" (Breakfast on Pluto, 2005) demuestra que no ha perdido su forma (del todo).
Bien, presentado al director, pasemos a la película. Esta es una adaptación del libro de Anne Rice, del mismo título, por cierto, y que fue un éxito desde su publicación en Estados Unidos en el año 1976. Anne Rice completó su trilogía y hasta pasó de ser una libertina romántica y decadentista a darse a los credos religiosos (¡y volver al cristianismo!). El asunto es que su best seller cumplió la función y rescató al vampiro como último eslabón del amor y la sexualidad victorianas y, lo que a veces equívocamente, es atribuido al Drácula coppoliano fue, en realidad, fruto de Anne Rice, la primera que puso de moda un vampiro que era un amante inmortal y que rescataba, por supuesto, materiales lejanos.: desde la condesa Bathory al legado de las películas de la Hammer pasando por el romanticismo desatado de los ingleses como Byron.
Bien. Como la vida no es sencilla, ni el tiempo es lineal, la versión cinematográfica de la novela de Rice se hizo ¿adivináis? debido al éxito del "Drácula de Bram Stoker" (Bram Stoker"s Dracula, 1992) de Francis Ford Coppola que, en su momento, fue un éxito de crítica y público y creó una especie de corriente de remakes de mitos del terror pero además les dio un insólito ademán de respetabilidad. Los despistados pensarán que Stoker tiene algo que ver, pero su novela original en nada se parece a la versión de Coppola, más allá de líneas argumentales vagamente similares, la novela original hacía énfasis en el aspecto menos romántico y más vil del personaje.
¿Y entonces? Pues Anne Rice, que creó una moda, tuvo que esperar a que fuera una película, que no adaptaba su novela, para tener su propia adaptación. ¿No os resulta curioso? Bien, así son las influencias y así son las decisiones que respectan a la industria del cine, más cara y con ello más lenta de producir que otros medios. Rice, por otra parte, firma el libreto, con lo cual se explica lo fiel que es a su propio material y también lo bien que entiende el cine, como sabéis un medio muy distinto a la novela.
Rice escribió esta película con Alain Delon en mente (En el papel del Louis que interpreta Pitt), lo cual me parece, francamente, una idea deliciosa.: ¿no es Delon, ese diablo frívolo que solía matar a pleno sol y se paseaba como un samurai, un actor perfecto para ser un vampiro? ¿No es acaso su belleza, con esos rasgos suaves y sus inquebrantables ojos, lo más parecido a un vampiro aristocrático? Yo creo que sí.
Jordan opta por otro camino, y es un camino hollywoodiense, pero no en su vertiente calamitosa, sino más barroca y exitosa. Largos movimientos de cámara usando la grúa, absolutamente acertado diseño de producción del ya de por sí bestial Dante Ferretti, un admirable trabajo lumínico de Philippe Rousselot con gran talento para iluminar sets y dar uso al chiaroscuro y sacar un partido pictórico al sur estadounidense, representado con un gusto insólito. El talento de los implicados brilla, pero Jordan y Rice dan a Kirsten Dunst un papel ambiguo, y se atreven a dibujar una infante vampírica con pulsiones sexuales que devienen, en realidad, el romanticismo de amar y no saberse correspondido o, incluso peor, necesitado.
La película termina con una coda metaficcional.: es decir, se nos habla del papel del cine dentro de la propia película. Es cierto que ya había referencias al cine en la versión vampírica de Coppola, pero este poético y hermoso final de Jordan bien se dirige a otro destino.: las imágenes, también su transcurrir en el que vamos del blanco y negro al color y superponemos nuestra manera de soñar amaneceres, hablan al vampiro como una epifanía final. ¿No es hermoso?
Shakespeare, un verdadero genio que viene a la mente tras ver este romántico y decadente paseo por el amor inmortal, definió una vez al sexo como ese "monstruo de las dos espaldas". El vampirismo de Rice no es un vampirismo de dominación, o incluso de una pulsión romántica no resuelta como el Gary Oldman que pierde a Winona Ryder, es, también, el mismo deseo: se reproduce y perdura, y sus paseantes, estos vampiros, son prisioneros en busca de este monstruo de las dos espaldas en distintos objetos de deseo, amantes que se van perdiendo.
Por ser inesperadamente profunda, por ser tremendamente bella, por ser enigmática, por entretener en sus más de dos horas de duración, juzgo y considero a esta película mi favorita del subgénero vampírico, pero, al margen de preferencias, una de las mejores y de las más excéntricas y sensuales. Por cierto, hay una película enloquecida de Neil Jordan que me encanta y nadie recuerda: "El hotel de los fantasmas" (High Spirits, 1984), de los ochenta, cuando el cine se permitía mezclar fantástico y terror como si fueran compañeros de cuna y dejar que la imaginación dinamitara los tópicos con salidas de tono maravillosas. Otro día nos dedicamos a ella.
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Información: Las mejores películas de 2011 - 13/01/2012 5:48:11
" El pasado 30 de diciembre os pasé mi lista de las peores, hoy os dejo la de las mejores películas de 2011. Las mejores de las que se estrenaron en España durante el año pasado, según mi criterio personal. Lo publico más tarde de lo deseado porque he estado viendo películas que podían entrar en esta selección hasta la pasada madrugada; no habría quedado satisfecho si me hubiera limitado a hacer una lista solo con las películas que vi en cine o en festivales, si no hubiera visto todas las películas que, en opinión de críticos y amigos que respeto, merecían ser vistas y tenidas en cuenta.Cuando os hablé del peor cine que se estrenó el año pasado, os dije que todavía no había decidido cómo valorar la cosecha cinematográfica de 2011. Hoy, tras hacer balance entre lo mejor y lo peor, y echar un vistazo a las listas de las películas más destacadas de años anteriores, sí puedo afirmar que fue un buen año de cine. Se estrenaron muchos largometrajes mediocres, demasiados incluso, pero el balance me parece positivo, yo me quedo con la valentía y la brillantez de grandes películas que recordaremos siempre. Además, hay que tener en cuenta que no llegó a los cines españoles todo lo que se debería haber estrenado, títulos que han sido muy elogiados, como los últimos trabajos de Martin Scorsese, David Fincher o Alexander Payne, los cuales nos irán llegando durante los primeros meses de este 2012 recién comenzado.
Como siempre pasa con este tipo de artículos, cada uno tendrá su propia lista, su propia opinión de lo que ha sido mejor, y por suerte aquí nos encanta el debate y la polémica, discutir y hablar de cine, así que no os cortéis, usad los comentarios y dejad claro vuestro parecer. A continuación os dejo, sin orden de preferencia, mi selección de las diez mejores películas estrenadas en 2011:
"The Artist"
Una de las grandes sorpresas que nos deparó el festival de Cannes (donde se premió la maravillosa interpretación de Jean Dujardin) fue este valiente homenaje al cine clásico de Hollywood dirigido con suma elegancia y rigor por Michel Hazanavicius, quien en los tiempos del 3D, apostó por echar una mirada al pasado y filmar una comedia dramática muda y en blanco y negro. "The Artist" no es solo una carta de amor al séptimo arte, es un emocionante y divertidísimo viaje que deja huella en el corazón.
Críticas en Blogdecine:
"The Artist", un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood
"The Artist", una celebración del pasado y del presente
"Drive"
Ya os dije que fue la película que más me entusiasmó de todas las que vi en Cannes (hoy, tras segundos visionados de todas las que hay en la lista, no lo tengo tan claro). Nicolas Winding Refn, premiado allí por su apabullante puesta en escena, dirige este nostálgico, romántico (a veces incluso cursi), tenso y violento thriller sobre un hombre solitario que encuentra una razón para jugarse la vida, convirtiéndose de uno de esos héroes justicieros de la gran pantalla que siempre admiró. Puro cine con grandes interpretaciones y secuencias inolvidables (la del ascensor o la persecución inicial, para aplaudir sin parar).
Críticas en Blogdecine:
"Drive", la conciencia del escorpión
"Drive", la serenidad al volante
"Drive", llamada nocturna
"El Havre" ("Le Havre")
Una demostración del cine como espejo crítico de la realidad y motor del debate, sin caer en molesta retórica ni burdos subrayados. El último trabajo de Aki Kaurism
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