Noticia, Oscar 2014 | Los mejores momentos de la 86ª edición - 03/03/2014 5:11:41
" Poco a poco hay que ir volviendo a la normalidad tras descubrir la identidad de los ganadores del Oscar hace apenas unas horas. A los que hayan preferido practicar la sana costumbre de dormir las 8 horas de rigor y que busquen una crónica de lo sucedido, les recomiendo echar un vistazo a la de mi compañero Pablo, pero este es el artículo para aquellos que quieran hacer un pequeño recorrido sobre los mejores momentos de los Oscar 2014.Dejando de lado lo enormemente previsible que fue la selección de los premiados apenas tuve un fallo en mi quiniela, algo impensable normalmente, la gala nos dejó varios momentos para el recuerdo durando sus poco más de tres horas y media de duración. Como era de esperar, Ellen DeGeneres fue la protagonista de muchos de ellos, pero será mejor que empecemos por el principio.
Tras una alfombra roja donde lo más destacable fue la nueva caída de Jennifer Lawrence ¿realmente es así de patosa o hay algo de fingido para ganarse el cariño del público? y alguna foto saboteada como la que tenéis más arriba o esta otra con Jared Leto como invitado sorpresa, llegó el momento del discurso de apertura de DeGeneres, quien prefirió apostar por una mordacidad bastante más comedida que la utilizada el año pasado por Seth MacFarlane.
La mejor frase fue sin duda la mención a que la opción número 1 era que ganase "12 años de esclavitud" ("12 Years a Slave", Steve McQueen, 2013) y la segunda que todos fuésemos racistas. No me extrañaría que esa fuera, conscientemente o no, el motivo que llevó a algunos miembros de la Academia a votarla en la categoría de mejor película cuando lo lógico hubiese sido que este fuera el gran año de "Gravity" (Alfonso Cuarón, 2013)…
Llegó la hora de los premios y Anne Hathaway únicamente consiguió desviar nuestra atención de lo que decía con ese vestido que parecía querer rendir homenaje a una discoteca. No tardó en empezar a quedar claro que iba a ser una noche marcada por unos ganadores con los que todos contábamos, así que por ese lado no hubo ninguna sorpresa especialmente digna de mención.
Fue la propia Ellen quien luchó contra viento y marea para levantar el interés, ya fuese metiéndose un poco con Bradley Cooper ante la evidencia de que no iba a ganar el Oscar, paseándose constantemente por la platea para interactuar con muchos de los allí presentes o limitándose a pedir una pizza para calmar el hambre de muchos. Sí, habéis leído bien, que hasta vimos a un pizzero repartiendo una comida que ojalá me hubiese llegado a mí, y es que ya había recogido antes dinero para ello y era un gag que no podía quedarse en solamente eso.
Sin embargo, el gran momento de la noche fue la fotografía que se sacó junto a varias estrellas de Hollywood. ¿El motivo? Pues que aparte de molar creo que no me equivoco si digo que Kevin Spacey es la gran estrella de la foto pese a estar en segundo plano se convirtió en la imagen más retuiteada de la historia, y con razón.
También hubo otro selfie menos viral, pero que también merece la pena con Joseph Gordon-Levitt y Emma Watson como grandes protagonistas.
Fueron muchos los presentadores de uno o varios premios que pasaron completamente desapercibidos, pero todos sabíamos que eso es algo que no iba a suceder en el caso del gran Bill Murray, quien hasta tuvo tiempo para acordarse de su amigo Harold Ramis.
Eso sí, tengo que confesar que mi favorito fue ver a Jamie Foxx haciendo un poco el tonto y distrayendo al mismo tiempo a Jessica Biel. ¿Quién nos iba a decir que los Oscar iban a acertar de lleno reuniéndolos de nuevo tras la lamentable "La amenaza invisible" ("Stealth", Rob Cohen, 2005)?
La gala empezaba a hacerse un tanto pesado y yo casi encontraba más entretenimiento con algunos anuncios durante los cortes publicitarios como el de Snickers protagonizado por Godzilla, pero eso era algo que Ellen DeGeneres no estaba dispuesta a dejar que pasara, por lo que no dudó en rendir su particular homenaje de "El mago de Oz" ("The Wizard of Oz", Victor Fleming, 1939).
Y no fue el único momento de la gala en el que se acordaron de la película de Victor Fleming…
Una de las anécdotas de la noche fue la pésima pronunciación del nombre de Idina Menzel por parte de John Travolta con motivo de la introducción de la interpretación en vivo de "Let it Go" hasta surgió una cuenta parodia de ese momento en twitter, a la postre la ganadora del Oscar en la categoría de mejor canción original. No os perdáis la maravillosa actuación de Menzel, una grande de la música.
De entre las nominadas también conviene resaltar a Pharrell Williams y su "Happy". Los asistentes se lo pasaron de miedo y hubo quien no dudó en hacerlo patente.
Y si hablamos de música, tampoco podemos dejar de mencionar a Bettle Midler cantando "Wind Beneath my Wings" tras haberse rendido homenaje a los que nos dejaron durante los últimos 12 meses en un "In Memoriam" bastante mejor resuelto que en otras ocasiones era una pena ver cómo un momento como ese se llegó a convertir en un concurso de popularidad.
Alfonso Cuarón se convirtió en el primer director hispanoamericano e hispanoparlante en ganar el Oscar al mejor director. Era el único premio que habría conseguido enfadarme de habérselo dado a otra persona, pero los Oscar 2014 fueron terriblemente previsibles y eso también tuvo su lado bueno aquí. Y además fue bastante curioso ver cómo recibía el galardón de las manos de Angelina Jolie, la actriz inicialmente prevista para protagonizar la monumental "Gravity".
La noche llegó a su final con el esperado reconocimiento para "12 años de esclavitud" en el apartado de mejor película. No por previsible deja de ser menos injusta la derrota de "Gravity" ya sabéis que es mi película favorita de 2013, pero los Oscar 2014 intentaron dejar contentos a todo el mundo y además no dieron ni un solo premio a "La gran estafa americana" ("American Hustle", David O. Russell, 2013), así que no me voy a quejar mucho…
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Información: Meryl Streep será la activista Emmeline Pankhurst - 20/02/2014 10:11:53
"La imparable Meryl Streep tiene nuevo proyecto. La actriz estadounidense, que parece que se esté especializando en encarnar a personajes históricos recientemente fue Julia Child y Margaret Thatcher, se pondrá en la piel de la activista política Emmeline Pankhurst, una de las fundadoras del movimiento sufragista femenino, en un drama titulado "Suffragette". Se tratará de un pequeño papel en el que aparecerá dando un discurso en una manifestación.El rodaje comenzará pronto, el 24 de febrero en Reino Unido, y la protagonista será Carey Mulligan ("Drive", Nicolas Winding Refn, 2011), a la que acompañarán también Helena Bonham Carter (vista hace poco en "Los miserables", Tom Hooper, 2012) y Brendan Gleeson ("El Irlandés", John Michael McDonagh, 2011).
Sarah Gavron dirige a partir del guión de Abi Morgan ("Shame", Steve McQueen, 2011). La trama cuenta la historia de una joven feminista en los primeros días del movimiento sufragista en Reino Unido, quien decide que el pacifismo no llevará a la mujer a conseguir sus objetivos y opta por utilizar la violencia para abrirse paso en un sistema machista.
Streep obtuvo su 18ª nominación a los Oscars este año por "Agosto" ("August: Osage County", John Wells, 2013) y tiene pendiente de estreno otros trabajos para este año, entre los que se encuentran "The Homesman" (Tommy Lee Jones, 2014), "Into the Woods" (Rob Marshall, 2014) y "The Giver" (Phillip Noyce, 2014). A sus 64 años, sigue en plena forma.
Vía | Variety
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Interesante, Especial Paul Newman: Marcado por el odio de Robert Wise - 20/06/2013 3:41:34
" Tras hacer el ridículo en su debut cinematográfico, Paul Newman se hizo con un papel que era para James Dean, quien no pudo interpretarlo debido a su prematura muerte. Ambos actores salidos del Actor"s Studio, además de amigos, optaron a los mismos papeles en sus comienzos, y aunque sería curioso ver a Dean en el papel de Rocky, lo cierto es que no puedo imaginarme ya a otro actor que no sea Paul Newman en el personaje que le consagró. Realmente sorprendente, sobre todo si lo comparamos con su anterior trabajo, ejercicio que recomiendo para que todo aquel que quiera pueda apreciar las enormes diferencias de talento entre Paul Newman y sí mismo. Como suena.El actor se pone por primera vez a las órdenes de un realizador como Robert Wise, que tras una carrera de montador, dejaba ya algunas películas importantes a sus espaldas, tal es el caso de "Ultimátum a la tierra" ("The Day the Earth Stood Still", 1951) o, sin ir más lejos, un título a veces olvidado en el subgénero del boxeo, "Nadie puede vencerme" ("The Set-Up", 1949) en nuestro país se le conoce además con los títulos "Tongo" y "Combate trucado", un denso thriller con un inolvidable Robert Ryan ambientado en el corrupto mundo pugilístico que se decanta hacia el lado de Film Noir. "Marcado por el odio" ("Somebody Up There Likes Me", 1956) se centra en el lado humano y personal de su personaje central.
Tomando como base la autobiografía de Rocky Graziano campeón de los pesos medios en 1947 "Marcado por el odio" se divide en dos partes cohesionadas con bastante pericia; la primera se centra en la vida que lleva Rocky Barbella (Newman), la relación con su siempre comprensiva madre Eileen Heckart consiguiendo ese raro milagro de hacer que veamos a un personaje y no una actriz interpretando un personaje y con su rígido padre Harold J. Stone, uno de los secundarios típicos de aquellos años, abocado a la bebida por dar la espalda al sueño de su vida: ser boxeador profesional. La segunda intercala la relación con el personaje de Pier Angeli la actriz ya había coincidido con Newman en "El cáliz de plata" ("The Silver Chalice", Victor Saville, 1954) con su ascenso en el boxeo. Lo cierto es que combates de boxeo, salvo el final por motivos lógicos, se ven muy pocos.
Pero es precisamente en ese detalle donde se ve la excelente mano de Wise para narrar con su dominio del montaje. Así el director refleja el éxito de Rocky en el boxeo con todo lo que le sucede en su vida personal. Baste señalar las escenas encadenadas de Barbella volviendo a casa después de boxear y acercándose a su hijo, el rostro de Rocky está cada vez más magullado, haciéndonos así una idea de cómo ha resultado el combate. Vida personal y deporte se unen y entrelazan como elementos inseparables que a la fuerza influyen el uno en el otro. Rocky pelea en la vida para conseguir lo que quiere de forma fácil aunque no legal, sobre el ring es él mismo con toda la fuerza de sus puños, y cuando lo desleal o ilegal hace acto de presencia, hace lo que hace en la vida cuando le ley le persigue, huir.
A Wise le quisieron imponer el filmar en decorados, pero cuando vio lo horribles que eran, o así lo pensaba él, solo los utilizó para determinadas secuencias de interiores y siempre oscuras. Para ello contó con la inestimable ayuda de Joseph Ruttenberg en la fotografía y gente como el mítico Cedric Gibbons ganador de once Oscars y director artístico en más de 1.000 películas en los decorados, mientras se atrevía con algunas secuencias filmadas en exteriores que apoyaban el tono realista que el film pretende en ciertos instantes. El cine estadounidense cambiaría considerablemente en la década siguiente, evitando el sistema de estudios que tanto se llevaba hasta entonces. "Marcado por el odio" es una de las primeras muestras de ello.
Y si en su primera interpretación para el cine Paul Newman estaba más bien nefasto como hemos dicho, aquí aun con todos los tics del Actor"s Studio el actor está sensacional, libre, componiendo un personaje a su medida, que muestra al típico joven atormentado tan del gusto de los actores de método, con un control absoluto por parte de Newman, ese que no le permite pasarse de rosca ni un milímetro alcanzando aquello que muchos dicen que no existe y tal vez sea cierto, la perfección. Además de la fiereza mostrada en el combate final, filmado de forma impecable por Wise, el actor se luce cuando los sentimientos contradictorios inundan al personaje. Baste fijarse en la relación de Rocky con Norma (Angeli) en la que Newman refleja muy bien ese rechazo que en realidad es atracción.
El trabajo de un actor primerizo en estado de gracia sin desmerecer al resto de intérpretes, que están impagables en un reparto en el que además podemos reconocer a un jovencísimo Steve McQueen y un director con las ideas muy claras esa envidiable y equilibrada mezcla de géneros convierten "Marcado por el odio" en uno de los films más influyentes dentro de su estilo. Tanto Sylvester Stallone de Rocky Barbella a Rocky Balboa no hay muchos pasos como Martin Scorsese la tuvieron muy presente para sus respectivas cintas sobre el deporte.
A partir de esta película la carrera de Paul Newman parece ir en consonancia con la última frase recitada en la misma y que no es otra que su título original.
Especial Paul Newman en Blogdecine:
"El cáliz de plata"
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Que opina? Bestias del sur salvaje, poses del cine indie - 04/02/2013 16:46:34
" "Bestias del sur salvaje" ("Beasts of the Southern Wild", Benh Zeitlin, 2012) es la película indie sorpresa de la temporada. Todos los años tenemos una producción que a pesar de su bajo presupuesto y limitaciones, logra despuntar en cualquier de los muchos festivales que hay alrededor del mundo ya sea Sundance o un festival de cine de autor en cualquier pueblo perdido de Cáceres y ganarse el corazoncito de media crítica y una buena parte del público, para que, cuando pasen unos meses, ni Dios se acuerde de dichas cintas. El trabajo de Zeitlin, su ópera prima, ha dado el campanazo en cuatro de las más importantes categorías en las nominaciones a los Oscar, y en las que sus máximas posibilidades parecen encontrarse en el guión adaptado, obra del director y Lucy Aibar, aunque creo que sus cuatro competidoras la superan con creces.El trabajo de Zeitlin me ha parecido una especia de mezcla entre Terrence Mnalick y Hayao Miyazaki, salvando las distancias evidentemente. Del primero parece tomar esa trascendencia épica y supervitaminada que hay en los trabajos de Malick por lo menos el Malick que tras la maravillosa "La delgada línea roja" ("The Thin Red Line", 1998) se fumó algo que lo llevó a algún lugar del que ya no regresó, mientras sus acólitos defienden su cine con uñas, dientes y poco más, y del segundo esa mezcla de realidad y fantasía, en este caso a través de los ojos de una niña interpretada por Quvenzhané Wallis, quien se está llevando todos los elogios por su trabajo, recompensado con la nominación a la actriz más joven de la historia de los Oscars. Y todo por posar.
(From here to the end, Spoilers) Mi compañero Juanlu habla en su texto de la presunta hermosura o belleza de "Bestias del sur salvaje", trasunto de relato semi fantástico con el que se pretende reflejar una realidad. Penurias y desgracias personales para la pobre chavala, de nombre Hushpuppy qué nombre más idóneo para una fábula social de tal calibre, qué acertado, qué maravillosa alegoría sin parangón, cuya visión de la vida es muy distinta a la de los demás. No me extraña, viviendo en una pantanosa zona del Mississippi, con todo en su contra, la naturaleza, la vida misma y cómo no, la dificultad de entenderse con su padre enfermo, quien sucumbe ante el alcohol y lo fácil para combatir su enfermedad, aquella que pronto dejará a la pobre niña sola y desamparada. ¿A quién no le cae ya una lagrimilla por la mejilla? ¿¿A quién??
A mí, claro. Porque a pesar de entrever el fondo de tanto envoltorio, no conecto en un sólo instante con las desventuras de la pobre chavala la actriz fue elegida entre más de 4.000 aspirantes, y mucho menos con esa visión del mundo que tiene. Sí, las desgracias personales superadas a través de la fantasía, o del necesario uso de ella para sobrevivir en un mundo que de fantástico no tiene nada. Pero para mí eso queda bien en un cuento de hadas, no en una película que mezcla con descaro y desvergüenza el horror, un horror real, con la fábula. Ni Miyazaki se atrevería a tal osadía, aunque el cine de animación tiene sus ventajas en dicho aspecto. Zeitlin cubre una historia demasiado tópica, y harto previsible el destino del padre subrayado una y otra vez desde el inicio, con un envoltorio bonito, que en realidad hace que yo al menos me aleje de la historia y no me importe lo más mínimo la suerte de sus personajes, ya sean borrachos acabados, niñas con un futuro imposible o bestias de enorme tamaño.
La celebración de la vida como forma de existencia, sin preocuparse de las desgracias que ocurren a tu alrededor es un buen mensaje, algo peligroso diría yo, y sobre todo es un mensaje que encanta a los vagos sociales de todo el planeta. Mientras tanto, el director, natural de New York concretamente de Queens, lo que explica alguna cosa se lo pasa pipa utilizando la cámara como le viene en gana, no al servicio de una historia, no, COMO LE VIENE EN GANA. Y ahí de nuevo el espíritu de Malick hace acto de presencia para atormentarme. Un planito de un árbol, otro detrás de la chavala taquicárdico o nervioso depende de si es Michael Bay o Lars Von Trier, se hace uso de un término o de otro, y una música, de aires cajun claros, lo baña todo cual sinfonía sobre la vida y la alegría de estar vivo. El guión no importa, y narrarlo en imágenes tampoco. La mezcla y la pretenciosidad serán suficientes. Todo el mundo a sus pies.
Si viviéramos en un mundo perfecto sí, un guiño que no he podido evitar "Bestias del sur salvaje" no se llevará ni un sólo Oscar, aunque en el fondo me importaría bien poco, no serviría más que para seguir amontanando mierda sobre la ceremonia más estúpida del cine aunque nos reúna todos los años frente al televisor para practicar el insomnio e incluso hagamos nuestras quinielas. Y para los que alaban el trabajo de Wallis, creo que Dwight Henry actor al que veremos en la nueva película de Steve McQueen está mucho mejo reflejando la pena de un padre que sabe pronto tendrá que dejar sola a su hija debido al intercambiable destino que sufriremos todos. Incluso su evolución está mejor mostrada que la de la niña, quien se limita a poner tres caras en toda la película seria, enfadada y muy enfadada delatando que un actor infantil, salvo excepciones, interpreta por intuición. El resto, paja, mucha paja.
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Que opina usted? Shame, sexo liberador - 16/02/2012 7:01:21
" El sexo es uno de los motores de la industria cinematográfica, no ya sólo por los, nunca mejor dicho, obscenos beneficios del porno, sino porque los desnudos de una estrella más o menos importante en Hollywood siempre causa un gran revuelo. Algo habitual suele ver que, en un momento u otro de su carrera, la gran mayoría de actrices acaba mostrando sus pechos. Puede ser que realmente obedezca a necesidades dramáticas del guión (la excusa que muchas utilizan para justificar su primer desnudo), a que la actriz no era tan conocida en ese momento o simplemente a que se llegue a crear una película casi con ese único objetivo. El mejor ejemplo que me viene a la cabeza es el de la ridícula "Striptease", donde Demi Moore mostró sus encantos a cambio de 12,5 millones de dólares, el máximo salario que había recibido cualquier actriz por una película hasta la fecha, y eso que ni siquiera era la primera vez que lo hacía. Otro caso muy comentado fue el de Halle Berry en la tan absurda como entretenida "Operación Swordfish", donde se da por hecho que cobró medio millón de dólares adicionales sólo por aquella escena gratuita en la que salía sin la parte superior de su bikini. No obstante, lo que es mucho menos habitual es ver a un actor enseñar su miembro viril, en una muestra de hipocresía a la que cuesta encontrar un ejemplo equivalente.Y es que, sin entrar a valorar aún su calidad, "Shame" ha causado una gran expectación entre cierto sector del público por los comentarios sobre el desnudo integral de Michael Fassbender, en especial cuando lo vemos como dios lo trajo al mundo de frente. Hasta George Clooney hizo una alusión a su tamaño cuando recogió el globo de oro al mejor actor que ganó en la última edición de estos premios. El problema de este apunte frívolo es que puede provocar que "Shame" acabe siendo recordada como la obra donde ver desnudo al protagonista de "X-Men: Primera generación". ¿Hasta qué punto era necesario todo esto y, sobre todo, sirve para que "Shame" acabe siendo una buena película?
Pronto queda claro que lo de Fassbender no es algo gratuito, sino una elección específica que ayuda a remarcar el estado emocional de los personajes principales de "Shame". ¿Por qué digo dos? Pues porque tanto Fassbender como Carey Mulligan aparecen completamente desnudos coincidiendo con su presentación al espectador, y eso es algo que sirve para recalcar lo que está por llegar. "Shame" es una radiografía de la desnudez humana, pero la física sólo funciona a modo de aviso de la emocional, que es lo que vertebra el relato. Y es que Steve McQueen no está interesado en contarnos una historia convencional, pero tampoco cede a los vicios del cine diferente, donde la narrativa tradicional parece una trampa a evitar con la finalidad de ser realmente especiales. Lo que McQueen busca es retratar la reacción emocional a un trauma del pasado que nunca llegamos a conocer, siendo esto un gran acierto, ya que el halo de misterio permite al espectador elucubrar sobre lo que ocurrió en el pasado de los dos hermanos, pero también no pone un límite claro al origen del estado de sus personajes.
Lo que sí nos transmite "Shame" es una atmósfera incómoda sin ser molesta, donde la banda sonora sirve de bastión para incidir en el componente emocional del relato. Además, McQueen opta por llevar la superficialidad de su protagonista a los no muy abundantes diálogos de "Shame", donde únicamente hay una escena en la que éstos cobren una importancia capital, donde resulta un gran acierto apostar por un plano sostenido del cara a cara dramático entre los dos protagonistas. Por lo demás, los diálogos son un mero accesorio para llegar a su psique, donde lo dominante es el secretismo hacia su pasado y la superficialidad impuesta por su protagonista.
Sin embargo, es muy difícil que dos personas reaccionen por igual ante un suceso traumático. Puede ser que te convierta en un ser frágil, siempre al borde del precipicio, y extremadamente dependiente del cariño de tu hermano, la única persona capaz de arrojar algo de luz sobre tu desastrosa experiencia. Es aquí donde brilla con luz propia Carey Mulligan, ya que McQueen sabe aprovechar la imagen delicada de la actriz para darle un giro de tuerca y evitar caer en una languidez que, de una forma u otra, estaba empezando a apoderarse de todas sus actuaciones. Aquí eso no pasa, pues su Sissy transmite una candidez y fragilidad tan extrema que sabes que siempre corre peligro. Quizá la brillante escena en la que canta una canción sea el mejor reflejo de ello, pero es algo consistente a lo largo de todo el metraje, algo que la protagonista de "An Education" aprovecha para ofrecer la que seguramente sea su mejor interpretación hasta la fecha.
Ante la hipersensibilidad de Mulligan se sitúa un Fassbender que ha conseguido una comodidad existencial optando por un completo desapego emocional (de ahí que se encuentre a gusto en compañía del personaje de James Badge Dale, cuya superficialidad resulta cómica en comparación), donde el sexo funciona como vía de escape y única fuente de auténtico placer. El problema es que sus constantes encuentros sexuales sólo son un parche que le sirven para ir tirando, y todo se tuerce en cuanto surge algo similar a una emoción con sus compañeras de cama. Es curioso que "Shame" haga tanto hincapié en la potente masculinidad de Fassbender, no ya sólo por su desnudo, sino porque Brandon exhuma exuda una virilidad que resulta irresistible para las mujeres hasta decir una sola palabra (brillante una escena que tiene lugar en el interior de un vagón de metro), cuando él no deja de ser un inadaptado con una necesidad sexual insaciable.
Y es que no sólo se acuesta con infinidad de mujeres, sino que no tiene reparos en abusar del porno y la masturbación. Y esta ansia es algo que Fassbender logra retratar a la perfección, evitando caer en el peligroso patetismo de su situación para retratar a Brandon como un animal herido y enjaulado que no quiere contactar con una realidad dolorosa. ¿Para qué dar libre cabida a las emociones si éstas sólo van a servir para comerte por dentro? Y si un sentimiento se interpone en tu camino siempre puedes huir para evitar que te atrape, algo que Fassbender también muestra de forma brillante, siendo quizá la mejor actuación masculina de todas las que parecían nominables de cara a los Oscar. Lástima que toda la comidilla alrededor de su miembro viril haya acabado jugando en su contra.
En definitiva, es una pena que una película tan potente como "Shame" haya quedado fuera de la carrera de los Oscar cuando tiene tantos aspectos que merecen ser alabados (y no, no estoy pensando en cierta parte de la anatomía de su protagonista), pero sobre todo su capacidad para querer ser una película emocional sin caer en trucos visuales más o menos efectivos como sucedía en el caso de "El árbol de la vida". Aquí la historia importa, pero sólo como medio para perfilar mejor al personaje de un inmenso Michael Fassbender, para el cual todo elogio se queda corto para su actuación en "Shame". Y es que no estamos ante una película perfecta (hay una ligera tendencia a la reiteración), pero sí ante una cinta notable que triunfa de forma clara en su principal objetivo. Muy recomendable.
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Es Noticia, We Need to Talk About Kevin, ganadora en el BFI London Film Festival - 27/10/2011 0:03:06
"Anoche se entregaron los premios del 55° BFI London Film Festival, es decir, la quincuagésimo quinta edición del Festival de Cine del British Film Institute en Londres, que había dado comienzo el día 12 de este mes en la capital británica y que se clausura esta tarde, con la proyección de "Deep Blue Sea", de Terence Davies, protagonizada por Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russell Beale. En una gala presentada por la actriz Gillian Anderson, se dieron a conocer las decisiones del jurado, presidido por John Madden, que eligió entre los 300 largos y cortometrajes llegados de 55 países.La ganadora fue la cinta "We Need to Talk About Kevin" ("tenemos que hablar de Kevin"), de Lynne Ramsay, de la que nos había hablado Juan Luis cuando la vio en Cannes, donde participó en competición por la palma de oro. Tilda Swinton y John C. Reilly protagonizan este drama, basado en la novela de Lionel Shriver, encarnando a los padres de un asesino adolescente, Kevin, a quien da vida Ezra Miller. Este film superó a otras ocho finalistas, incluyendo la película francesa muda "El artista", "Faust" de Aleksandr Sokurov, ganadora en Venecia, y "Shame" del director británico Steve McQueen.
El debut del realizador argentino Pablo Giorgelli, "Las acacias", fue galardonada con el Premio Sutherland al mejor primer largometraje. Esta cinta, interpretada por Germán de Silva y Hebe Duarte, también estuvo presente en el último Festival de Cannes, donde había obtenido la Cámara de Oro, premio a la mejor ópera prima del certamen. El film cuenta la historia de Rubén, un adusto camionero argentino que transporta acacias entre Asunción y Buenos Aires, y que durante un largo viaje al lado de una inmigrante paraguaya y su bebé, recobra sus ganas de vivir y su paternidad perdida.
Candese Reid, actriz de "Junkhearts", fue premiada como Revelación Británica. El Pemio Grierson al mejor documental recayó en "Into the Abyss: A Tale of Death", A Tale of Life, de Werner Herzog. Además, Ralph Fiennes y David Cronenberg fueron distinguidos por su trayectoria. Fiennes presentó "Coriolanus", su estreno como director, y Cronenberg su drama psicoanalítico "A Dangerous Method".
Vía | Terra.
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