Que opina? Ridley Scott: Legend, fascinación - 13/02/2014 4:44:49
" No es un filme del futuro o el pasado. Ni siquiera se trata de una historia del ahora. El conflicto entre la oscuridad y la luz ha estado con nosotros desde la creación…y permanecerá con nosotros a través de la eternidad.Ridley Scott
Reflexionando acerca de la atmósfera oscura y opresiva que había caracterizado a "Alien, el 8º pasajero" ("Alien", Ridley Scott, 1979) y "Blade Runner" (id, Ridley Scott, 1982), Ridley Scott sintió que su siguiente proyecto tenía que poseer un espíritu más alegre y más orientado a la familia, de una naturaleza, en definitiva, completamente diferente a la de sus dos filmes previos. En contra de lo que se podría pensar por su maestría a la hora de mostrar ambientes saturados de tecnología, ésta nunca había interesado a un cineasta que se describía a sí mismo como un "anti-mecanismo" de corazón, y ya cuando dirigía "Los duelistas" ("The Duellists", 1973), había decidido que quería rodar una cinta inspirada en la mitología o los cuentos de hadas así como en sus fantasías infantiles.
Con el proyecto de "Tristán e Isolda" aparcado antes de comenzar el rodaje de "Alien" como ya vimos, Scott se inclinó por una historia de hadas original que no se basaría en ningún cuento en concreto aunque sus raíces pudieran encontrarse en el folclore británico y del norte europeo, con el clásico enfrentamiento entre los poderes de la luz y la oscuridad como núcleo y motor que moviera todo.
Reescrituras y más reescrituras
La "Leyenda de la Oscuridad", como inicialmente se le conocía, fue el resultado de la colaboración entre Scott y William Hjortsberg, responsable por ejemplo de la novela que Alan Parker adaptaría en la truculenta y fascinante "El corazón del angel" ("Angel Heart", 1987) y escritor que forjaría con éste trabajo una historia que evocaba sensaciones parecidas a aquellas que se derivaban de "La bella durmiente" o las que dimanaban de los cuentos de los Hermanos Grimm, relatos todos que Scott se había empapado antes de comenzar a trabajar en la redacción de un libreto que, no obstante, tenía más lugares comunes con el libro bíblico del Apocalipsis que con cualquier fuente mitológica.
De hecho, conceptos religiosos como la tentación, el pecado, el perdón y la redención son explorados en la cinta sin ningún tipo de arredros, con el unicornio como símbolo de Jesucristo así lo expresaban escritos alegóricos medievales y Darkness, el impresionante demonio interpretado por Tim Curry que se convirtió de mano de Rob Bottin en uno de los iconos más reconocibles del cine fantástico de todos los tiempos, encarnando tanto el reflejo del ángel caído como el símbolo pagano del deseo y la pasión animal, el sátiro.
Con un primer borrador de una oscuridad y caracter pesadillesco muy pertubadores, y que contenía una escena de sexo entre Lily, la princesa interpretada es un decir por Mia Sara y el señor oscuro, el guión de "Legend" (id, 1985) fue sometido a constantes reescrituras, que llegaron hasta quince versiones diferentes de un libreto que sólo estuvo terminado momentos antes de arrancar con el accidentado rodaje que se llevó a cabo en los estudios Pinewood. Un rodaje que, con un incendio de por medio que gracias a la pericia de Scott sólo atrasó tres días el planning inicial, parecía no obstante querer poner sobre aviso al cineasta británico y a los ejecutivos de la Fox y la Universal del calvario que le quedaba por pasar a la cinta antes de poder alcanzar los cines.
Montajes y remontajes
Por más que la experiencia de trabajar con el director en "Alien" había sido frustrante y gran parte de su trabajo se había quedado en la mesa de montaje en favor de ciertos temp tracks la música temporal que utilizan los directores mientras están editando un filme para servir como guía al ambiente musical que quieren crear que incluían un tema de Howard Hanson y composiciones suyas provenientes de "Freud" (id, John Huston, 1962), Jerry Goldsmith estaba muy ilusionado por poder escribir la música para "Legend", encantado como había quedado por el guión de Hjorstberg. Poco podía imaginar el maestro estadounidense que, superando lo que había tenido que padecer de cara a la cinta de ciencia-ficción, su trabajo para este cuento de hadas quedaría mutilado más allá del reconocimiento.
Y es que, toda vez la producción de la cinta se hubo completado y comenzó el arduo proceso de montaje, "Legend" entró en una espiral de la que salió muy mal parada. El primer montaje que Scott y Terry Rawlings sacaron de la sala de edicición se prolongaba durante 125 minutos, una duración que se quedaría en 113 antes de los primeros y desastrosos pases previos en Estados Unidos, unos pases en los que el público asistente se quejaba del sentimetalismo del filme y que sirvieron de justificante a la Universal para eliminar entre 20 y 30 minutos de los montajes finales que se estrenaron a uno y otro lado del charco: mientras que el que se veía en las salas europeas durante la segunda mitad de 1985 alcanzaba los 95 minutos de duración, lo que se estrenaba en Estados Unidos en la primavera de 1986 se quedaba en 89.
Sea como fuere, dichos recortes incidieron de forma espectacular y negativa, claro está tanto en lo que a las intenciones de Scott y Hjortsberg para con la historia respecta, como en lo que compete a la fascinante banda sonora que Goldmisth compuso para este cuento lleno de magia y belleza visual, un trabajo que sufrió alteraciones tan brutales que, comparar el score que se puede escuchar de forma aislada en la edición en CD con lo que pudimos escuchar en el montaje estrenado en cines en 1985, es como querer comparar el día con la noche.
Los sonidos de la fantasía
Más allá de la mera componente visual asombrosa como ella sola, si hay un factor determinante que juega en favor de percibir a "Legend" como un cuento que atrapa irremisiblemente, ese es la partitura compuesta por Jerry Goldsmith. Escrita durante tres meses algo inaudito para una composición cinematográfica mezclando los sonidos tradicionales de la orquesta y el coro con una agrupación de hasta seis sintetizadores de diferentes modelos, la música del maestro es el perfecto reflejo de lo que el guión quería transmitir y la película, por una razón u otra, no llegó a alcanzar.
Cuento en sí misma, la música de Goldsmith combina romanticismo, impresionismo y el carácter atonal y dodecafónico que el maestro tanto gustaba de incluir en sus composiciones. El resultado es un score que no se lo pone fácil al espectador y que salta de forma brusca entre las melodías más bellas y los golpes de sonidos sintéticos y que, temáticamente complejo, va narrando la historia en modos mucho más precisos que lo que se puede llegar a extraer del visionado del filme, un detalle cuanto menos curioso que habla, no cabe duda, de la maestria de uno de los mejores compositores con los que ha contado el séptimo arte.
Cuando la cinta se redujo a su duración final, la música de Goldsmith fue salvajemente alterada, perdiéndose la cohesión interna de un proceso que había comenzado en la pre-producción otro detalle completamente anormal, el compositor siempre es de los últimos que se sube al barco de una producción y casi siempre lo hace cuando la cinta está montada en su práctica totalidad. Utilizando temas del temp track extraídos de "Psicosis II" ("Psycho II", Richard Franklin, 1983) (sic), no sería este el peor "feo" que se le haría al trabajo del músico ya que Universal, en un alarde de estupidez supina, consideró que para la versión americana de la cinta era necesaria una banda sonora más comercial y de estilo pop/rock, contratando a Tangerine Dream para hacer "más accesible a los jóvenes" la cinta.
Huelga decir que no fue así y siempre me ha gustado pensar que el batacazo que "Legend" se dió en la taquilla fue en parte debido al maltrato al que se sometió a una de mis composiciones favoritas tanto de Goldsmith en particular como de los años 80 en general, un trabajo magnífico que no se pudo apreciar en su totalidad hasta la edición que se llevó a cabo en 1992 y cuya íntima comunión con las imágenes sólo es valorable (y no de forma plena) en el Montaje del Director del filme que se lanzó al mercado doméstico en 2002.
La magia de "Legend"
Recuerdo el día como si fuera ayer: era un sábado por la mañana de 1990 y mi amigo Paco y yo nos habíamos acercado al enorme videoclub del que servidor era socio para alquilar un VHS con el que pasar la tarde sí, yo era de esos que prefería pasar la tarde viendo cine que dando tumbos por la calle. Al final, dos opciones eran las que más no tentaban: en una mano, "El torreón" ("The Keep", Michael Mann, 1983), una cinta de la que ya os hablé en su momento en Cine el salón. De la otra, una de esas atrayentes carátulas que tanto abundaban en los ochenta y con un nombre, el de Ridley Scott, sirviendo de principal reclamo.
Al final, como podéis imaginar, pudo más mi criterio que el de mi amigo, y "Legend" se vino a casa para posterior desesperación suya y gran regocijo mío: ya desde aquél primer visionado mutilado la versión a la que tuvimos acceso era, obviamente, la europea de 95 minutos, atisbé en el filme de Scott una magia que mi compañero de sofá no fue capaz de apreciar y que, aunque no se ha mantenido incólume a lo largo de los años como si han hecho otros muchos filmes de fantasía de los ochenta, sigue justificando el ocasional revisionado, ya en blu-ray y en sus 113 minutos, de una cinta que tiene un je ne sais quoi sobre el que nunca he sido capaz de poner el dedo.
Soy el primero que admite los muchos problemas de ritmo y guión que atesora la cinta a lo largo de su metraje, así como aquellos que conciernen tanto a su indefinición ¿es un filme para adultos? no, ¿es un filme para niños? tampoco, ¿es una producción destinada a los jóvenes? lo dudo como a lo que Tom Cruise y Mia Sara atañe. Pero, al mismo tiempo, soy incapaz de no valorar en su justa medida el alucinante diseño de producción de la cinta, la magia que desprende ese bosque completamente artificial en el que se desarrolla gran parte de la acción, el soberbio trabajo que hace Curry encarnando a ese imponente demonio rojo y el halo que envuelve a la totalidad de la producción de mano de una realización que, sin ser tan portentosa como en sus dos filmes anteriores, saca impresionante partido de los entornos por los que se mueve la trama.
Indescriptible como decía más arriba, la magia de "Legend" alude en última instancia a una serie de parámetros inconscientes que son lo que provocan que considere al filme como uno de los más fascinantes de Scott sin ser capaz de explicar con todo lujo de detalles el porqué. Quizás sea ahí donde resida la grandeza de una cinta que muchos consideran una obra maestra del género, en conectar con una parte primaria de nuestro entendimiento que no podemos verbalizar y que al final sólo acertamos a concretar en un "me gusta porque sí". Y a ver quién viene a discutir tan categórico criterio.
-
La noticia Ridley Scott: Legend, fascinación fue publicada originalmente en Blogdecine por Sergio Benítez.
Fuente Artículo
Interesante, Rush, dos hombres y un destino - 09/02/2014 3:31:14
" Debo a mi buen amigo Juanjo el descubrimiento de esta "Rush" (id, 2013) con la que Ron Howard me ha vuelto a sorprender, incluso para bien. La película cuenta el duelo (automovilístico) entre el piloto James Hunt (Chris Hemsworth) y su rival, Nikki Lauda (Daniel Brühl).Mi amigo me recomendó la película con cuidado y unas muy útiles advertencias de cuales eran las virtudes y defectos de la película.: si bien, presentaba un look visual lo suficientemente interesante y distintivo respecto a las otras películas del director, la película exageraba, cuando no falseaba, la verdadera rivalidad entre los verdaderos Hunt y Lauda, que nunca llegaron al extremo del tercer y melodramático acto de la película. En toda película biográfica, con o sin carreras, Hollywood obliga al espectador a pasar por los peajes incordiosos de la ficción.
No es la primera vez que el cineasta Howard falsea a su antojo la Historia para construir un melodrama hollwyoodiense. Ya "Una mente maravillosa" (A beautiful mind, 2001), distorsionaba y dulcificaba a su antojo la vida turbia del matemático y premio Nobel John Forbes Nash, con el fin de convertirlo en alguien más o menos aceptable.
Como muchos otros cineastas de Hollywood, Howard es un director a la merced de sus guionistas, en el caso anterior no hay que olvidar que fue Akiva Goldsman quien firmó el libreto que convertía la vida de un personaje con gran capacidad y genio en, además, un personaje tierno y agradable con no pocas paradas en la cursilería.
Pero este no es el problema que sufre el guión de la película, que firma el habitualmente más inteligente y talentoso Peter Morgan, quien ya escribió otra película de Howard, "El Desafío: Frost vs. Nixon" (Frost vs Nixon, 2008). Morgan simplifica a los personajes, para dar un tono mitológico a la rivalidad entre ambos, de titanes que se necesitan el uno al otro, pero pierde, en mi opinión, los matices que hacían interesante a la historia y que seguramente no traducían bien al tono épico que busca aquí su director.
Citaré dos cambios sustanciales respecto a los hechos.: el verdadero Lauda era mejor piloto, y tenía el doble de puntos, además de estar casado con otra modelo, mientras que en la película la rivalidad es conjurada en un 1970 donde los talentos ya son igualados. Fue el accidente lo que acabó con la victoria del campeonato de Lauda.
También resulta interesante que la película presente a Lauda como el causante de la descalificación de Hunt. En realidad, no fue así ¡fue un miembro del propio equipo de Ferrari!
Aceptemos la segunda concesión como producto de la tensión "dramática" pero ¿acaso no hubiera sido interesante (y poco tópico) contar la realidad? Nikki Lauda y James Hunt compartieron piso de jóvenes ¡y eran buenos amigos más allá de las carreras! Se tomaban la rivaliad en serio, pero hay algo muy sutil en que fueran mucho más amigos de lo que la película permite que pensemos: es una historia, de dinero y reconocimiento mutuo, que parece que un poco inspirado Morgan es incapaz de contar. Y es la historia real, es lo fastidioso: que la ficción sea más dramática es algo asumible, pero que la ficción sea directamente más simplona no tanto.
Y aquí tenemos al primer perjudicado por la labor de Morgan y el tono de Howard.: un sobreactuado, simple e histérico Daniel Brühl, en la peor tradición del Hollywood del actor"s studio, histriónico y gritón, jugando a la mímesis antes que a la caracterización del personaje, sin atisbo de creación y variedad.
A su lado, quien sobresale, confiriendo halos fácilmente mitológicos, es Chris Hemsworth quien convierte al glamouroso playboy Hunt en poco menos que una encarnación griega de la carrera, una especie de hombre divino que ha nacido para competir y del que saca el director las mejores escenas, que son las de carreras.
Para ello cuenta con un gran aliado, Anthony Dodd Mantle, el director de fotografía, colaborador habitual de Harmony Korine, Danny Boyle o Thomas Vinterberg. Howard y Mantle lo tienen claro.: saturan colores, insertan la estética misma de los documentales (imágenes de archivo televisivo falseadas, otras originales, tensión espacial bien definida, etcétera), rodando con algunos tele-objetivos y repitiendo en los mismos escenarios, y cuentan con un espectacular montaje de sonido arropando su labor.
Esa intensidad mantiene el interés durante el metraje de la película, y la eleva por encima de la media, convirtiéndola en una espectacular (aunque nada novedosa) cinta de deportes con la que Howard firma una de sus películas más interesantes. Todavía prefiero la emoción inocente e intensa de "Cinderella Man" (id, 2005) a esta, pero admito que en términos de dirección Howard ha dado aquí una demostración inusual de poderío estilístico y genuino saber hacer. La película entusiasmó, en esas líneas, a Mikel Zorrilla y a mi compañero Sergio Benítez.
La narrativa de la última carrera, en la que cada loop configura una decisión vital, está rodada de un modo tan vigoroso que consigue que olvidemos las líneas pésimas del libreto de Morgan y que entremos, de lleno, en la catarsis de la historia. Y eso es algo muy estimable.
-
La noticia Rush, dos hombres y un destino fue publicada originalmente en Blogdecine por Pablo Muñoz.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Es Noticia, Johnny Depp será el gángster "Whitey" Bulger en el cine - 07/02/2014 16:13:37
" El actor Johnny Depp ha llegado a un acuerdo para encarnar al gángster James "Whitey" Bulger en "Black Mass", una película que dirigirá Scott Cooper, el director de "Crazy Heart" y "Out of the Furnace", informó hoy el blog Deadline.Los productores de la cinta negocian actualmente con el británico Tom Hardy para interpretar al corrupto agente del FBI John Connolly, amigo de la infancia de Bulger. El rodaje del filme está previsto que comience en mayo.
Depp se había comprometido con el proyecto meses atrás cuando el director iba a ser Barry Levinson, pero el acuerdo se rompió por una disputa económica.
El guión de la historia lleva el sello de Mark Mallouk, que adaptó el libro "Black Mass: The True Story Of An Unholy Alliance Between The FBI And The Irish Mob", escrito por Dick Lehr y Gerald ONeill.
Bulger, un gángster que dirigió la mafia irlandesa en Boston en las décadas de 1970 y 1980, fue condenado a dos cadenas perpetuas seguidas, más cinco años por asesinato, extorsión, lavado de dinero y tráfico de armas.
En ese tiempo la banda de Bulger y sus rivales de la mafia italiana, con conexiones en Nueva York, protagonizaron una sangrienta batalla por el control de Boston.
Bulger, hoy un anciano de 84 años, fue declarado culpable de 11 asesinatos cometidos durante sus años al frente de la "Winter Hill Gang", que controlaba gran parte del negocio de tráfico de drogas, extorsión y apuestas ilegales de la ciudad.
El gángster fue fugitivo de la Justicia estadounidense durante más de 16 años y figuraba junto al terrorista Osama bin Laden en la lista de los más buscados.
Durante los meses que duró el juicio, la acusación retrató a "Whitey" como un asesino despiadado, que mataba a cualquiera que viera como una amenaza, incluidos inocentes que habían sido testigos de alguna fechoría.
"Whitey" logró eludir a la autoridad durante décadas gracias a la cooperación del corrupto agente del FBI John Connolly, que avisaba a los gángsters sobre los operativos policiales y que actualmente cumple condena en Florida.
Bulger huyó en 1994 de Boston y permaneció durante 16 años escondido en un sencillo apartamento de Santa Mónica (California) junto a su compañera sentimental, Catherine Greig.
Ante las dificultades para localizarle, los agentes federales se centraron en el paradero de Greig, conocida por su pasión por la cirugía estética, a quien finalmente descubrieron en 2011 acompañada por Bulger, que se había cambiado el nombre.
Las actividades de Bulger sirvieron previamente de inspiración al cine a través de personajes sanguinarios en películas como "The Departed", de Martin Scorsese, o "The Town", de Ben Affleck, interpretados por Jack Nicholson y Pete Postlethwaite, respectivamente. EFE
Ver artículo...
Documentos adjuntos:Desconocido
" Fuente Artículo
Que opina? Richard Gere protagoniza Time Out of Mind de Ore Moverman - 31/01/2014 15:01:47
" Oren Moverman, el director de "The Messenger" (id, 2009) y "Rampart" (id 2011), tiene nuevo proyecto, "Time Out of Mind", el cual ha obsesionado durante años a uno de sus productores, Richard Gere, para quien supone todo un honor colaborar con Moverman en esta producción en la que también participará como actor principal, según el actor un poderoso drama lleno de emoción dirigido a todo el mundo, considerando al director como brillante para dirigirla. Moverman, en un devuelvo de peloteo, ha dicho que es fan de Gere desde hace años claro, como todo buen cinéfilo… y que él es muy especial para una película que no se andará con cuidado al narrar la historia de un pobre hombre lleno de problemas y que, entre otras cosas, intenta arreglar la problemática relación con su hija. Ya estoy llorando."Time Out of Mind" empezará a rodarse en marzo y el guión de Moverman adapta una historia escrita por Jeffrey Caine, que fuera nominado al Oscar por el libreto de "El jardinero fiel" ("The Constant Gardener", Fernando Meirelles, 2005). Dramón a la vista para Gere y su seductor pelo canoso. Con la capacidad expresiva de este actor, con su dominio del léxico más brillante, con su magisterio en el acting, yo ya voy comprando los cleenex por si acaso. Y el hombro, muy importante también.
Vía | Deadline
-
La noticia Richard Gere protagoniza Time Out of Mind de Ore Moverman fue publicada originalmente en Blogdecine por Alberto Abuín.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Información: Rupert Sanders dirigirá la adaptación en imagen real de Ghost in the Shell - 24/01/2014 18:50:45
" Hace prácticamente seis años saltó la noticia de que Dreamworks quería hacer su propia versión de "Ghost in the Shell", un manga de Masamune Shirow que ya fue llevado al cine en 1995 bajo la mano de Mamoru Oshii. El propio Oshii rodaría una secuela nueve años después y parece que fue entonces cuando nació el interés de Dreamworks, pues dicha compañía se encargó de su distribución en Estados Unidos. El paso del tiempo parecía condenar al proyecto a quedarse en nada, pero acaba de saberse que Dreamworks ha llegado a un acuerdo con Rupert Sanders para que la dirija.Aún se desconoce si se harán cambios sustanciales en la trama miedo me da el mero hecho de acordarme de "Dragonball Evolution" (James Wong, 2009), la cual debería situarse en el año 2029 y centrarse en la investigación que una agente de policía muy especial está desarrollando para dar caza a un misterioso hacker que campa a sus anchas en la red de redes. Sospecho que eso no lo tocarán, pero ya veremos el resto.
Eso sí, está por ver que "Ghost in the Shell" vaya a ser la siguiente película del director de la endeble "Blancanieves y la leyenda del cazador" ("Snow White and the Huntsman", 2012), ya que su nombre está asociado a infinidad de proyectos. A favor de ello juega el hecho de que el guión de William Wheeler ya esté listo. En fin, ojalá no la pifien.
Vía | Deadline
-
La noticia Rupert Sanders dirigirá la adaptación en imagen real de Ghost in the Shell fue publicada originalmente en Blogdecine por Mikel Zorrilla.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Información: Robert Zemeckis: Cuento de Navidad, el último estertor - 23/12/2013 2:53:25
" Es como si Charles Dickens hubiera escritoel relato para que fuera una película. Es increíblemente visual y cinematográfico. Es la historia de viajes en el tiempo más grandiosa jamás escrita; y yo deseaba hacer una película que lograra recrear el relato tal y como lo concibió originalmente el escritor.Robert Zemeckis
Retirada la confianza de la Warner tras el fracaso de taquilla de "Polar Express" ("The Polar Express", 2004), y después de repetir hazaña de cara a la Paramount en su siguiente apuesta dentro del formato de la animación por captura de movimiento con "Beowulf" (id, 2007) cuyo rendimiento en las salas ni siquiera llegó a superar su desorbitado presupuesto como sí pasó con la cinta navideña, quedándose a 70 millones en suelo estadounidense de recuperar lo invertido, las opciones comenzaban a agotársele a Robert Zemeckis para conseguir que un estudio se interesara por lo que el cineasta consideraba como uno de los futuros por los que pasaba el séptimo arte.
La gran diferencia entre la posición de Zemeckis y otros coetáneos suyos como James Cameron, es que mientras que los postulados del director de "Regreso al futuro" ("Back to the future", 1986) pasaban por considerar el uso de la captura de movimiento como la ÚNICA herramienta posible a la hora de filmar, aquellos utilizados por el realizador de "Avatar" (id, 2009) iban encaminados a fusionar dicha técnica con imagen real utilizándola como complemento de unos modos más "tradicionales" de rodaje; y si algo terminó sentenciando el futuro de las intenciones del director objeto de este especial fue que, estrenada el mismo mes que el monstruo de Cameron, su filme, que había costado a la Disney la friolera de 200 millones de dólares, no recaudara ni 140 millones en la taquilla estadounidense.
Tan paupérrimos resultados económicos, unidos a la nueva debacle que suponía la horrible y muy olvidable "Marte necesita madres" ("Mars Needs Moms", Simon Wells, 2011) terminarán siendo determinantes para que Disney suspenda el acuerdo de colaboración al que había llegado con Image Movers la compañía fundada para poner en pie "Polar Express" retirándole así la confianza a un cineasta que, poco tiempo después, anunciará con gran pesar la cancelación del anhelado proyecto que lo habría llevado a filmar, utilizando de nuevo el mismo formato, un remake de las aventuras de los Beatles a bordo de cierto submarino amarillo, un proyecto éste que muchos mirábamos con gran escepticismo y para el que, esperemos, nunca vuelvan a existir opciones.
A la luz de todos estos datos de inocuas taquillas, alarmantes cancelaciones y falta de confianza en uno de los mejores directores que surgieron durante finales de los setenta y principios de los ochenta, la pregunta que surge es muy evidente: ¿era para tanto?, o dicho de otra manera, ¿tan "mala" es "Cuento de Navidad" ("A Christmas Carol", 2009) para justificar la demonización de un cineasta de la talla de Robert Zemeckis? La respuesta, aunque matizable, es que sí, y será competencia de los próximos párrafos arrojar cierta luz al respecto de un filme que, a priori, casaba de forma íntima con dos de las filias de Zemeckis que ya le habíamos visto en producciones anteriores: los viajes en el tiempo y la Navidad.
Extraídas ambas del sombrío texto de Dickens que tantas veces ha conocido su traslación a la gran pantalla, resulta desafortunado que, al margen de un par de alteraciones con respecto al relato original Zemeckis eliminó por completo el pasaje en el que el escritor británico hace referencia a lo que la Navidad logra en otros puntos del planeta alejados de Londres el discurso del director vuelva a centrarse de forma casi exclusiva en explotar las posibilidades de "parque de atracciones" que le ofrecen tanto la técnica de la captura de movimiento como el 3D en el que será estrenado el filme.
Contando así con muchos elementos en común que la conexionan con lo que ya hablábamos de "Polar Express" hace una semana, "Cuento de Navidad" muestra sus cartas desde el primer minuto, con ese plano secuencia sobrevolando el Londres victoriano a ras de los techos de las casas y las calles, sometiendo Zemeckis a la cámara virtual a efectuar un recorrido asombroso por mil y un lugares en los que un objetivo físico no podría entrar. El problema es que, trascendido dicho plano inicial, el filme termine reduciéndose en esencia a repetir la jugada cada vez que tiene ocasión, dirigiéndose sin arredros hacia la misma alarmante carencia que había ostentado su antecesora navideña, el convertirse en un espectáculo vacío de todo contenido.
Y si en "Polar Express" dicha vacuidad quedaba hasta justificada por dimanar el guión de un escueto texto original, el que Zemeckis desperdicie el potencial del cuento Dickesiano es imperdonable como imperdonable era lo que conseguía extraer junto a Gaiman y Avary de "Beowulf" y la falta de personalidad de la traslación que aquí se lleva a cabo sobre las páginas escritas por el literato inglés hace 170 años resulta evidente a cada minuto de proyección que pasa. Incuestionable es también el hecho de que, si comparamos "Polar Express" con el filme que hoy nos ocupa o con la citada "Beowulf", y dejamos de lado las diferencias en cuanto al nivel de detalle que alcanzan ciertas secuencias de nuevo, ese comienzo, son abundantes las carencias que ambos títulos ostentan en cuanto a la expresividad de la mirada de todos sus personajes.
Quizás pueda parecer excesivo afirmar que sobre dichas carencias descansa gran parte de la responsabilidad de que "Cuento de Navidad" falle tan estrepitosamente en conectar con el público pero, si a ello le unimos uno de los trabajos musicales menos inspirados de Alan Silvestri, la insistencia de Zemeckis en que un único actor interprete a varios personajes en este caso Jim Carrey, que encarna a todas las edades de Scrooge y a los fantasmas que le visitan, y lo absurdo que resulta, en conjunto, el planteamiento de usar una técnica tan poco rentable como la de animación por captura de movimiento para desperdiciarla en un relato que se podría haber filmado perfectamente como la combinación de un entorno real con efectos visuales de última generación, no es de extrañar que, antes de abordar la que será última entrega de este especial, nos quedemos con una nota muy amarga al aproximarnos a un filme que, en contraposición a ese mastodóntico contrincante que fue "Avatar", terminará por perderse en el olvido. Y muy justo será si así ocurre.
Otra crítica en Blogdecine
"Cuento de navidad", un vacío espectáculo en 3D al servicio de Jim Carrey
-
La noticia Robert Zemeckis: Cuento de Navidad, el último estertor fue publicada originalmente en Blogdecine por Sergio Benítez.
Ver artículo...
" Fuente Artículo
Consulte Información en Farandula Oscar 2014 | La cuenta atrás | Mejor actriz protagonista y Los Oscar más inmerecidos
Consulte Información en Bellas y Modelos Hay más cine ahí fuera: (14-20 abril 2012) y Extraterrestre, apartamento para tres (o cuatro)
Consulte la Fuente de este Artículo
No hay comentarios:
Publicar un comentario