Es Noticia, Hay más cine ahí fuera (26 de febrero-4 de marzo) - 04/03/2013 10:34:05
" Ha llegado ese momento de la semana tan esperado por algunos lectores de Blogdecine en el que toca echar un vistazo a la blogosfera para encontrar esos artículos que por un motivo u otro complementan nuestro trabajo de teneros informados sobre todo lo relevante que pase a diario en el mundo del cine. El menú de hoy incluye desde un repaso a varias curiosidades de la historia de los Oscar hasta una merecida reivindicación de un director español menos recordado de lo merecido. ¡Bon Appetit!Hace ya algo más de una semana que descubrimos la identidad de los ganadores de los Oscar, pero hay infinidad de curiosidades a lo largo de la historia de estos célebres premios. En Tendencias se han currado un interesante artículo a cinco preguntas que muchos se habrán hecho en un momento u otro como si se puede vender un Oscar o el motivo de que esté tan instaurada las limitaciones de tiempo de los premiados para dar su discurso de agradecimiento.
Muchas personas se olvidan de Eloy de la Iglesia a la hora de hablar de los directores españoles más importantes de la historia y en Cinemanía han querido corregir eso reivindicando varias de sus películas. Por mi parte, me limito a recomendaros "La semana del asesino" (1972), una gran película con una estupenda interpretación de Vicente Parra que sufrió las iras de los censores en nuestro país , existe un montaje inglés bastante más completo que el estrenado en España- .
Este pasado viernes llegaba a los cines españoles "Hermosas criaturas" ("Beautiful Creatures, "Richard LaGravanese, 2013), una especie de sucesora de la franquicia Crepúsculo que no ha conseguido el éxito esperado. Sin embargo, la serie de cinco películas basadas en las novelas de Stephenie Meyer arrasaron allí donde se estrenaron, siendo las miradas de pasión , aunque a veces parecía simple asco- entre sus dos protagonistas una de las principales señas de identidad de la misma. En happing nos informan de la aparición de un vídeo de 26 minutazos que recopila todos esos momentos con la que yo no he podido evitar el descojonarme.
Las listas sobre lo mejor en el cine son algo recurrente para darle un poco de vidilla adicional a la prensa relacionada con el séptimo arte, pero suelen centrarse en las mejores películas, directores o actores, quedando bastante desatendidas otros apartados de vital importancia en una obra cinematográfica. En Cinemastric nos informan de la reciente elección por parte de su sindicato de los 101 mejores guiones de la historia. Es una lista en la que, como era previsible, destaca sobre todo el cine americano y unas elecciones quizá demasiado previsibles, pero nunca está de más el llamar la atención sobre un apartado tan importante en una película como éste.
Steven Spielberg es uno de los directores más exitosos de la historia del cine, mientras que el Festival de Cannes está más interesado en potenciar el lanzamiento de películas más artísticas, algo impensable para muchos en el caso del primero, pero sencillamente están equivocados. Por ello, la noticia que nos traen los chicos de Cinempatia sobre la elección de Spielberg para liderar el jurado en la próxima edición de dicho Festival no es más que un simple ejercicio de coherencia y saber estar.
Os recuerdo que podéis hacernos llegar vuestras propuestas para ser incluidas en esta sección a través del siguiente formulario de contacto.
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Interesante, Diez secuelas mejores que sus primeras entregas - 18/02/2013 5:24:13
" Este pasado viernes llegaba a los cines españoles "La jungla: Un buen día para morir" ("A Good Day to Die Hard", John Moore, 2013), quinta entrega de la franquicia iniciada hace 25 años por John McTiernan con la estupenda "Jungla de cristal" ("Die Hard") que ayuda muy poco a desterrar el tópico de que las secuelas son, por regla general, una porquería.Lo cierto es que la propia saga ya dio muestras de poder darnos cine de calidad sin la necesidad de ser la primera entrega con "Jungla de cristal III. La venganza" ("Die Hard with a Vengeance", John McTiernan, 1995), pero son otros los títulos a los que se suele aludir cuando no sólo se quiere defender la existencia de las secuelas, sino incluso decir que pueden ser mejores que sus primeras partes. El caso más representativo es el de "El padrino. Parte II" ("The Godfather: Part II", Francis Ford Coppola, 1974), pero ha habido espacio de sobra para debates similares con títulos como "Terminator 2: El juicio final" ("Terminator 2: Judgment Day", James Cameron, 1991) o la más reciente "Toy Story 3" (Lee Unkrich, 2010). Dada la terrible decepción que ha supuesto para mí "La jungla: Un buen día para morir", he querido retomar ese fenómeno para comentaros diez secuelas que considero que superan a sus primeras entregas y así poder mantener un poco de fe en el aluvión de continuaciones que nos aguarda en el futuro.
"El caballero oscuro"
El fanatismo hacia Christopher Nolan está alcanzando unos límites algo exagerados, pero hay que remontarse a "El caballero oscuro" ("The Dark Knight", 2008) para encontrar su auténtica plataforma de lanzamiento. "Batman Begins" (2005) ya nos había demostrado de lo que era capaz, pero aquí se deshizo de toda polémica posible con la puesta en escena de las secuencias de acción y Heath Ledger ofreció una actuación tan memorable como Joker que a punto estuvo de comerse la película.
"Agárralo como puedas 33 y 1/3"
Las comedias paródicas están pasando por su peor momento, ya que en los últimos tiempos impera la idea de que no importan que los gags tengan gracia con tal de apelotonar el número de bromas a costa de otros títulos. Sin embargo, este tipo de cine estuvo asociado durante muchos años a la figura de Leslie Nielsen, siendo el detective Frank Drebin su papel más recordado. Hay que remontarnos a la pequeña pantalla para encontrar sus orígenes, pero es en "Agárralo como puedas 33 y 1/3" ("Naked Weapon: The Final Insult", Peter Segal, 1994) donde encontramos su punto álgido con el tramo final ambientado durante la ceremonia de entrega de los Oscar. Tengo que reconocer que el resto está a un nivel parejo a sus predecesoras, pero esas escenas la permiten erigirse como la mejor , y por desgracia última- entrega de la franquicia.
"Harry Potter y el prisionero de Azkaban"
"Harry Potter y el prisionero de Azkaban" ("Harry Potter and the Prisoner of Azkaban", 2004) ya era la novela más valorada por muchos de los seguidores de las aventuras del joven mago, pero Alfonso Cuarón supo aprovechar muchas de sus virtudes para darle un tono propio a la historia, con una mayor importancia de las relaciones humanas , excelente la relación entre el protagonista y Lupin, el profesor interpretado por David Thewlis- y un cuidado tono visual que no tiene problemas en abrazar abiertamente lo oscuro cuando los temibles dementores hacen acto de presencia.
"El imperio contraataca"
Son pocos los que se atreven a discutir la opinión mayoritaria de que "El imperio contraataca" ("Star Wars: Episode V: The Empire Strikes Back", Irvin Kershner, 1980) es lo mejor que ha salido del universo Star Wars. Ya sólo por la revelación final se ha ganado un lugar de privilegio en la historia del cine, pero es también la cinta donde se exploran todas las posibilidades de la historia con acierto , no hay desequilibrio alguno, ya sea por la necesidad de introducir la historia, ñoñerías románticas o la aparición de criaturas de dudoso gusto intelectual- y el eficaz trabajo tras las cámaras de Kershner ayuda mucho a que esta segunda , o quinta- entrega supere holgadamente a su predecesora. No tengo mucha esperanza en que la nueva trilogía pueda estar a su nivel, pero si aciertan con la elección de los spin-offs ya anunciados y el director al frente de las mismas, quizá pueda surgir una nueva esperanza de revivir esa magia que el propio Lucas casi se carga por completo hace unos años.
"Destino final 2"
El cine de terror es uno de los que más ha sufrido el efecto de pésimas nuevas entregas que básicamente clonan al título original para sacar todo el dinero posible al espectador. Todo indicaba que "Destino final 2" ("Final Destination", David R. Ellis, 2003) iba a ser otro caso más en esa línea, pero lo cierto es que no fue así, ya que supieron mantener las virtudes de la primera entrega y mejorarlas, especialmente a través de la planificación y puesta en escena de las muertes que van sucediéndose a lo largo del relato, logrando así una cinta entretenidísima.
"Indiana Jones y la última cruzada"
Lo único en lo que la abrumadora mayoría de los fans de Indiana Jones coinciden es en que su cuarta entrega sobraba , o al menos lo que acabamos viendo en pantalla- y era indigna de la calidad de las tres anteriores. Luego los hay que defienden alguna de sus otras aventuras por encima del resto, pero yo soy de la opinión de que "Indiana Jones y la última cruzada" ("Indiana Jones and The Last Crusade", Steven Spielberg, 1989) está por encima del resto, ya que nada tiene que envidiarlas en cuando a puesta en escena, calidad de la historia o capacidad de entretenimiento, pero sólo aquí podemos ver a Sean Connery dando lo mejor de sí mismo como el padre del protagonista.
"Misión Imposible: Protocolo Fantasma"
Brian de Palma había puesto el listón muy alto con "Misión imposible" ("Mission: Impossible", 1996), su adaptación cinematográfica de la serie televisiva de título homónimo. Dos secuelas se estrenaron después con desigual fortuna , la primera una tomadura de pelo y la siguiente apenas un correcto entretenimiento-, pero he aquí que Brad Bird aceptó el reto que le llegó de convertir "Misión imposible: Protocolo fantasma" ("Mission: Impossible , Ghost Protocol", 2011) y consiguió una de las películas más entretenidas de los últimos años, en especial en las partes ambientadas en Dubai, donde Bird dejó en ridículo a la gran mayoría de directores de acción que pululan actualmente por Hollywood.
"Los mercenarios 2"
Apenas tenemos que remontarnos unos meses en el tiempo para encontrar el caso más reciente, ya que "Los mercenarios 2" ("The Expendables 2", Simon West, 2012) fue lo que debió haber sido su primera entrega en su momento: Un gran entretenimiento de acción que sabe aprovechar el carisma de sus protagonistas , mítica la aparición de Chuck Norris-, con un villano de primer nivel , la secuencia de presentación del personaje de Jean-Claude Van Damme es estupenda- y una necesaria capa de humor , en "Los mercenarios" ("The Expendables", Sylvester Stallone, 2010) apenas se notaba- para no caer en el error de tomarse demasiado en serio a sí misma.
"El ultimátum de Bourne"
"El caso Bourne" ("The Bourne Identity", Doug Liman, 2002) no causó excesivo entusiasmo en su momento , un buen pasatiempo y como tal fue recibida-, pero sí tuvo el suficiente éxito como para que Universal quisiera seguir adelante con nuevas aventuras del personaje creado por Robert Ludlum. Eso sí, decidieron cambiar de director y apostar por un relativamente desconocido Paul Greengrass, pero seguro que ni ellos esperaban que éste lograse combinar prestigio artístico y un gran éxito comercial con sus dos aportaciones a la saga. Lo cierto es que podríamos incluir ambas en esta lista, pero "El ultimátum de Bourne" ("The Bourne Ultimatum", 2007) es la más lograda con diferencia, ya que sabe controlar mejor su peculiar visión de las escenas de acción, las complejidades de la trama se concretan sin caer en absurdeces y es un acertado el colofón al periplo del protagonista.
"Scream 2"
Siempre recordaré que la primera vez que me planteé seriamente la idea que ha generado este post fue por una escena de "Scream 2" (Wes Craven, 1997) en la que varios personajes debatían al respecto. Las charlas cinéfilas ya tenían mucho peso específico en la primera entrega , no hay más que pensar en las preguntas que hacía el asesino en los minutos iniciales de "Scream" (Wes Craven, 1996)- , pero Craven y Williamson no quisieron optar por la mera repetición, así que decidieron , con mucho acierto- acercarse más a las formas del giallo italiano, sin por ello dejar de confiar en la eficacia de los diálogos del segundo y la habilidad del primero para la puesta en escena de los asesinatos.
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Noticia, Las trampas para conseguir subvenciones y el caso Holmes & Watson: Madrid Days - 29/10/2012 6:11:33
" Son muchas las quejas que ha habido alrededor del sistema de subvenciones al cine español, desde los que consideran que todas las películas son lamentables y que no deberían recibir ni un céntimo hasta otras mucho más concretas como las graves sospechas de amaños por parte de los productores para recibir el mayor dinero público posible. Estamos ante una práctica lamentable, pero está muy extendida la idea de que varias empresas se aprovechan descaradamente de esta posibilidad para conseguir que sus producciones acaben resultando beneficiosas pese al escaso interés que el público pueda tener en ellas.Hace algo más de un año se hicieron públicas unas escandalosas acusaciones contra Salomón Shang, artista polifacético que ejercía tanto como director, actor, guionista, productor, exhibidor y distribuidor. La realidad era que Shang había conseguido ingresar más dinero a través de las subvenciones que por su exhibición en salas, habiendo casos tan sangrantes como el de "La Llegenda del L"innombrable" (2010), en la que el dinero público recibido cuadruplicaba sus ingresos en salas. Sus chanchullos no acabaron ahí, ya que llegó a recibir una subvención de casi 350.000 euros por su documental "Carl Gustav Jung" (2007), una obra que decía partir de una grabación inédita encontrada y restaurada por el propio Shang, pero que a la hora de la verdad era un simple plagio de "Jung on Film" (Stephen Segaller, 1957).
Sin embargo, atropellos como ése se solapaban con algo más grave: La falsificación de datos en lo referente a la exhibición, es decir, declaraba que sus obras recaudaban mucho más de lo que realmente ingresaban para así poder recibir más dinero público. La cuestión es que existe una ayuda a la amortización por la que las cintas españoles reciben un 15% de la recaudación bruta de las películas con un tope de 400.000 euros, cifra a la que hay que una ayuda suplementaria del ICAA si consiguen superarse las 35.000 entradas vendidas. Todo demasiado jugoso como para que nadie intente aprovecharse de ello, en especial si eres también el dueño de varios cines donde puedes estrenar tu película y luego declarar los datos que más te convengan.
El problema es que lo pillaron y las sanciones por parte de la Generalitat catalana empezaron a acumularse, por lo que, de buenas a primeras, desapareció tras haberse llevado varios millones de euros en ayudas públicas. Sin embargo, lo que ahora nos interesa no es Shang, ya que están surgiendo acusaciones de ese tipo contra José Luis Garci y la olvidable "Holmes & Watson: Madrid Days" (2012).
El caso de "Holmes & Watson: Madrid Days"
Hace unas semanas se estrenó "Holmes & Watson: Madrid Days" con más pena que gloria. Apenas se exhibió en 51 salas y la recaudación de su primer fin de semana apenas ascendió a unos 60.000 euros con poco más de 7.500 espectadores. Esas cifras fueron descendiendo hasta quedarse por debajo de los 700 euros de recaudación en el fin de semana del 12 al 14 de octubre. La película parecía condenada a una pronta desaparición de la cartelera, quedándose bastante lejos de las 35.000 entradas vendidas a las que aludía con anterioridad.
Sin embargo, Nickel Odeon, la productora de Garci, consiguió romper el acuerdo de distribución que tenía con Alta Films tras ese fin de semana, pasando a ser World Line Cinema la encargada de relanzar la película. Y se ve que lo hicieron bien, porque "Holmes & Watson: Madrid Days" pasó a exhibirse en 17 cines, un claro incremento respecto a los 3 de la semana anterior, pero lo más llamativo es que su recaudación aumentó un 5.302,7%, consiguiendo unas cifras cercanas a los 40.000 euros y una cantidad de entradas vendidas que casi iguala a la de su estreno. Todo esto hace hace que la película prácticamente sume ya un total de 30.000 espectadores, una cifra que se aproxima sospechosamente a las necesarias para recibir dicha ayuda suplementaria.
La trama se complica cuando Retrank, empresa especializada en ofrecer datos de taquilla a lo largo de todo el planeta, dejó fuera de los datos definitivos a la película de José Luis Garci. ¿El motivo? Al no estar ya distribuida por Alta Films no había cifras oficiales, ya que los datos recogidos días antes, cuya validez se refrendó desde Retrank España, provenían de la información que daban las propias salas de cine, siendo las definitivas las que provienen de las distribuidoras. Eso sí, en la imagen superior podéis comprobar la evolución de la carrera comercial de la película según datos suministrados por la web Box Office Mojo.
Investigando al respecto, descubrimos que World Line Cinema apenas había distribuido un par de títulos hasta la fecha, siendo también los encargados de hacernos llegar "Vulnerables" (Miguel Cruz Carretero, 2012) a partir del próximo miércoles 31 de octubre. Lo curioso es que desde la empresa comentan que ellos no tienen ni la más mínima idea de lo que ha sucedido, aduciendo a la posibilidad de que Nickel Oden haya llevado a cabo alguna promoción especial para llamar la atención del público.
Todo empieza a oler demasiado a chamusquina cuando resulta imposible encontrar información sobre en qué cines se exhibió la película durante esa milagrosa resurrección comercial y por la capacidad que ha demostrado Nickel Odeon para usar el silencio como su única respuesta ante las preguntas incómodas. Recordemos que Garci ya es todo un experto en cuanto a subvenciones se refiere, pues su "Sangre de Mayo" (2008) estuvo financiada totalmente con dinero público, algo especialmente escandaloso por seguir siendo a día de hoy una de las diez producciones más caras de la historia del cine español: 15 millones de euros costó y ni siquiera uno logró recaudar en los cines españoles.
En condiciones normales, uno daría por sentado que se va a investigar a fondo este caso, pero son tantos los casos en los que ha habido sospechas similares de compras de entradas por parte de los productores de las películas que quedaron en nada que uno pierde la fe en que vaya a esclarecerse el milagro de "Holmes & Watson: Madrid Days". El hecho de que uno de los guionistas de la película sea Eduardo Torres-Dulce, fiscal general del estado, y que Alberto Ruiz Gallardón, ministro de justicia, haga una pequeña aparición como actor tampoco invitan al optimismo. Luego quizá haya una explicación perfectamente normal, pero el silencio de la productora de Garci incita a pensar muy mal sobre lo sucedido ante su evidente falta de transparencia.
Personalmente, me parece que prácticas de este tipo son uno de las principales causas de que el duro recorte que el gobierno del PP hizo de las subvenciones del cine español quizá no sea algo tan negativo, aunque seguramente hubiera sido mejor centrarse en cambiar las evidentes lagunas del sistema (hecha la ley, hecha la trampa) y no tanto en reducir considerablemente la aportación económica del estado. ¿Qué opináis vosotros al respecto?
Imagen de Salomón Shang | Ara
Vía | Box Office Mojo y El Mundo (edición impresa)
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Es Noticia, Brave (Indomable), la película - 06/08/2012 14:15:00
" Cambia tu destino.Además de "Ted", y en busca de un público totalmente diferente, se estrena este viernes en nuestro país "Brave (Indomable)" ("Brave", Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell, 2012), la última producción animada de Disney y Pixar ya sabéis, el estudio responsable de joyas como "Ratatouille" (Brad Bird, Jan Pinkava, 2007), "Up" (Pete Docter, Bob Peterson, 2009) o la mejor trilogía de la historia del cine a día de hoy. El decimotercer largometraje de Pixar llega a los cines españoles en 2D y 3D tras recaudar más de 300 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo en EE.UU. fue número uno, siguiendo la formidable tradición comercial del estudio. Seguid leyendo si queréis saber más sobre "Brave (Indomable)", una de las novedades más importantes del año.
La historia de "Brave (Indomable)"
La película cuenta la historia de Mérida, una habilidosa arquera hija del rey Fergus y de la reina Elinor. Mérida está decidida a labrarse su propio camino en la vida y desafía una costumbre milenaria y sagrada de los ruidosos señores de la tierra (el enorme lord MacGuffin, el huraño lord Macintosh y el cascarrabias lord Dingwall). Sin quererlo ni beberlo, las decisiones de Mérida desencadenan el caos y la furia en el reino. Y cuando acude a una excéntrica y sabia anciana en busca de ayuda, se le concede un desventurado deseo. El enorme peligro que corre obligará a Mérida a descubrir el significado del auténtico valor: tendrá que deshacer una terrible maldición antes de que sea demasiado tarde.
Los directores de la película
En una fase inicial del proyecto, "Brave (Indomable)" se titulaba "The Bear and the Bow" e iba a ser el primer largometraje de Pixar dirigido por una mujer, Brenda Chapman, coautora del guion junto a Irene Mecchi previamente, Chapman codirigió "El príncipe de Egipto" ("The Prince of Egypt", 1998) junto a Steve Hickner y Simon Wells. Pero más adelante, durante el desarrollo de la producción, por cuestiones que probablemente nunca serán reveladas, Chapman tuvo que dejar el mando de "Brave (Indomable)" al debutante Mark Andrews, cuya experiencia como director se limitaba a dos cortometrajes, el nominado al Oscar "El hombre orquesta" ("One Man Band", Andrews, Andrew Jimenez, 2005) y "Violet" (2007). En última instancia se informó que Steve Purcell, otro debutante en Pixar, también figuraba en los créditos como codirector y coguionista. Da la sensación de que el estudio no quedaba del todo contento con lo que se estaba haciendo la presión es cada vez mayor, la competencia pisa los talones y fue incorporando talentos para tratar de mejorar la narración y conseguir otro "clásico".
El reparto de "Brave (Indomable)"
A veces se olvida pero detrás de cada personaje animado hay al menos un intérprete he oído a varios animadores defender la idea de que ellos son los primeros actores que dan vida a los personajes. En la versión original encontramos un elenco con claro acento escocés, en consonancia con el lugar donde transcurre la historia esto podéis comprobarlo con el tráiler en versión original que os he dejado más abajo; Kelly Macdonald "Trainspotting" (Danny Boyle, 1996), "No es país para viejos" ("No Country for Old Men", hermanos Coen, 2007) presta su voz a la princesa Mérida (la primera protagonista femenina en un relato de Pixar), Billy Connolly "Los elegidos" ("The Boondock Saints", Troy Duffy, 1999), "El último samurái" ("The Last Samurai", Edward Zwick, 2003) al rey Fergus, Kevin McKidd "Dog Soldiers" (Neil Marshall, 2002), "Anatomía de Grey" ("Grey"s Anatomy", 2005-2012) a lord MacGuffin, Craig Ferguson "El jardín de la alegría" ("Saving Grace", Nigel Cole, 2000), "Kick Ass" (Matthew Vaughn, 2010) a lord Macintosh y Robbie Coltrane "GoldenEye" (Martin Campbell, 1995), "Harry Potter ("Harry Potter and the Sorcerer"s Stone", Chris Columbus, 2001) a lord Dingwall. Las inglesas Emma Thompson "Sentido y sensibilidad" ("Sense and Sensibility", Ang Lee, 1995), "La niñera mágica" ("Nanny McPhee", Kirk Jones, 2005) como la reina Elinor y Julie Walters "Billy Elliot" (Stephen Daldry, 2000), "Harry Potter y la piedra filosofal" como una bruja algo torpe ponen la guinda al reparto.
Todos los carteles de la película
Galería de fotos
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Todos los vídeos de "Brave (Indomable)"
Teaser tráiler en español:
Tráiler en español:
Clip con una escena de la película (en castellano):
Tráiler en versión original (ATENCIÓN a las voces):
Avance del cortometraje "La Luna", de Enrico Casarosa, que se proyecta antes de "Brave (Indomable)":
Videoclip del tema "" de Russian Red:
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Información: The Artist, una celebración del pasado y del presente - 16/12/2011 1:59:04
" "The Artist", de Michel Hazanavicius, que se estrena esta tarde en cines españoles, nos habla del nacimiento del sonoro ,"the talkies", en el año 1928, etapa clave para la historia del cine, que ya han tocado películas como la maravillosa "Cantando bajo la lluvia", en la que, al igual que aquí, se exploraban las dificultades de algunos intérpretes para incorporar una novedad que hoy damos tan por sentada: utilizar su propia voz. Asimismo, nos muestra la llegada de los musicales, clara consecuencia de la invención del sistema que incorporase el sonido al celuloide de proyección. Con ese marco de fondo, lo que nos cuenta esta delicia es una historia personal y amorosa sencilla, pero muy sentida.Los años veinte no suponen el escenario temporal en el que ambientar el film sin más: éste, a su vez, se disfraza de una propuesta de ese momento. No existe un solo detalle que no esté imitado a la perfección. Proyectada en 4/3, la película comienza con los créditos en un tipo de letra de entonces, fotografía en blanco y negro y una música muy de la época. La banda sonora se remonta esos años no solo por el estilo de las canciones ,algunas de films preexistentes,, sino por la forma en la que se emplean las composiciones, dejándolas sonar hasta el final y arrancando con la siguiente, décimas de segundo después. Las emociones de la película se marcan por subidas de intensidad en los acordes mucho más evidentes que los acompañamientos musicales que se suman hoy en día a las narraciones.
Hazanavicius no se queda en la clonación del un film de los años "20, sino que se dedica a jugar y crear humor con la idea de esa vuelta atrás. El empleo del sonido o de los intertítulos consigue espléndidos guiños metalingüísticos y se extraen divertidos gags de esta consciencia del espectador de que está viendo un film de entonces, pero realizado ahora. El creador toma las metáforas evidentes, como las arenas movedizas y la foto pisoteada y empapada por la lluvia, no para que funcionen hoy en día, sino como otra referencia. "The Artist" está plagada de hallazgos visuales y sonoros que se disfrutan con una blanca sonrisa. Uno de ellos sería la escena en la que los dos protagonistas, tras haberse conocido fortuitamente, tienen un primer encuentro: una pantalla en medio de los dos permite que se vean solo sus piernas y se embarcan en una competición juguetona de claqué.
Emotiva historia
La sorpresa y admiración que producen en los espectadores se estos experimentos, por ingeniosos que sean y bien ejecutados que estén, se agotarían al cabo de unos minutos. Por ese motivo, lo que engancha al film y lo convierte en bello son los personajes entrañables que viven una historia de amor y de éxito personal. Funciona como prueba fehaciente de que se pueden expresar los sentimientos y conflictos con imágenes, sin recurrir al diálogo. No obstante, también es cierto, en el único punto negativo que le reprocharía a "The Artist", que se optado por una historia sumamente sencilla y lineal quizá por temor a que algo más elaborado no se comprendiese. Por ese motivo, hacia la mitad, durante la etapa de decadencia del protagonista, se agotan las cosas que contar y la progresión se hace ligeramente pesada hasta que se retoma para llegar a un final que vuelve a conmover.
La simpatía de los rostros de Jean Dujardin y Bérénice Bejo, con esas contagiosas sonrisas, supone la baza que despierta la cercanía hacia esos personajes con una conexión bastante básica, pero efectiva sin duda. Además de que se vuelve a un protagonista más blanco y positivo de lo que ahora mismo se está creando, nos encontramos ante una película sin malos, sin antagonistas, en la que el personaje principal solo se tiene a sí mismo, a su orgullo, como enemigo para superar el escollo que le plantea su profesión y lograr sus objetivos. El resto de los intérpretes, en papeles sumamente breves pues, como decía, no existen las tramas secundarias, son asimismo grandes nombres que demuestran saber adaptarse a este tipo de interpretación que no llega a la gesticulación y sobreactuación de las mudas, pero que sí se diferencia de las actuales. John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell están todos sublimes y a ellos hay que añadir al perro, que, como en muchos films de entonces, constituye otro personaje que logra la misma o mayor empatía que los humanos.
El trasfondo
La negación a adaptarse a una transformación por parte de uno de los baluartes de la vieja escuela se podría extrapolar de forma directa y clara a todos los cambios que estamos viviendo en esta época en la que la tecnología avanza a pasos agigantados. Cambiamos el sonoro por Internet y seguiremos encontrando, no a unos cuantos incomprendidos, sino a industrias enteras tratando de frenar el progreso y de evitar que llegue un futuro que ya está ahí, sin otro motivo que el de no ser capaces de adaptarse a las nuevas formas de funcionar. La película, de esa manera, se convierte en una reflexión sumamente actual, sin que importe que lo que plantea como marco circunstancial tuviese lugar hace ochenta años.
Paradójicamente, al mismo tiempo que critica la no adaptación, se rebela contra el paso del tiempo y hace lo que le reprocha a su protagonista por intentarlo. A principios del siglo XXI, Hazanavicius nos entrega una película semimuda y en blanco y negro, pero no como opción minoritaria o experimental, sino como estreno exitoso y para todo tipo de público. Eso quiere decir que, si algo está bien hecho, no importa cómo sea y que todas esas consideraciones sobre que "tal cosa no vende" o "eso hoy en día no gusta" o "eso ahora nadie lo vería"… en realidad son fútiles. La fórmula del éxito no existe, como todos ya sabíamos, pero es posible que tampoco la del fracaso. El director se plantea un reto y sale adelante, más que a pesar de esas trabas, por causa de ellas.
"The Artist" es, en resumen, una cinta muy moderna. El retroceso a los modos de narrar de los años veinte no es puro, sino que se mezcla, a modo de juego, con las opciones de las que se dispone en la actualidad. El conflicto de base equivale a situaciones del presente. Los sentimientos de amor y orgullo son atemporales. Su valor, en definitiva, radica en haberse hecho en 2011, pues la misma película en 1927 sería una más y quizá no de las mejores. En un tiempo en el que protestamos porque el cine no nos sorprende o aporta, lo novedoso resulta que se encuentra en algo que retoma, recrea e imita. Sin embargo, no se trata de un ejercicio nostálgico, no solo porque las generaciones que disfrutaron aquel cine en el momento de su estreno ya no estarán para echarlo de menos, sino también porque no hay un tono de añoranza, sino intenciones de celebración y de homenaje, de decir que eso no se ha marchado, que sigue presente para todos nosotros y que en el siglo que vivimos tenemos los argumentos para disfrutarlo mejor. Es una película que se goza, independientemente del grado de cinefilia de cada uno, y que se vive con emoción y cercanía, una encantadora propuesta llena de momentos brillantes.
Otra crítica en Blogdecine | "The Artist", un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood, por Juan Luis Caviaro.
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Consulte Información en Farandula La cinta de ritmo narrativo y El hijo de un farmacéutico
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